Iron man

Título original: Iron man |  Título en Latinoamérica: Iron man: El hombre de hierro | Dirección: Jon Favreau | Producción: Avi Arad, Kevin Feige | Guion: Mark Fergus, Hawk Ostby, Art Marcum, Matt Holloway | Música: Rami Djawadi | Estudio: Marvel Studios, Fairview Entertainment | Estreno: 02/may/2008 | Género: Superhéroes, Aventura, acción, Ciencia ficción | Protagonistas: Robert Downey Jr., Terrence Howard, Jeff Bridges, Shaun Toub, Gwyneth Paltrow

“Yo soy Iron man.”

Es increíble que, a pesar de tener ya más de 10 años, esta película siga manteniéndose fresca y entretenida. Aunque ya existía un proyecto desde 1990 para llevar a Iron man a la pantalla grande, no fue hasta el 2005, año en que Marvel recuperara los derechos del personaje, cuando comenzaría el largo camino del Universo Cinematográfico de Marvel (UCM en español o MCU en inglés). La historia sigue a Tony Stark y el camino que recorre para convertirse en Iron man, después de haber sido secuestrado por una organización terrorista conocida como “Los diez anillos”.

Es curioso leer la historia del desarrollo de este personaje para el cine, son 15 años de intentos de llevarlo a la pantalla grande con distintas productoras. Fox, Universal y New line tuvieron los derechos del personaje y diversos planes para él. Actores como Nicolas Cage y Tom Cruise estuvieron interesados en el papel del protagonista, e incluso los nombres de Joss Whedon y Quentin Tarantino se pusieron en la mesa para la dirección. Al final todo desembocó en que New line le regresara a Marvel el personaje en 2005, año en que la productora comenzaría a trabajar desde cero en su primera película independiente.

Entonces ¿Qué tiene Iron man de bueno? Empecemos hablando del protagonista. Robert Downey Jr. Sin duda nació para ser Iron man, uno lo ve actuar y en verdad le crees el papel. Aunque al principio Tony Stark se vea como un verdadero patán, no se siente pesado ni cansa verlo, a diferencia de otros personajes recientes del MCU, uno no se siente repelido por la actitud de Tony hacia los demás y eso es, en mayor o menor medida, porque la historia logra llevarlo bien por un camino en el que el personaje evoluciona y cambia su forma de ser y de ver el mundo sin cambiar su esencia.

Algo que me sorprendió mientras investigaba para esta entrada es que Ramin Djawadi compusiera la banda sonora, sus composiciones para la serie Game of thrones son sublimes y, si bien, el soundtrack de Iron man no se acerca a ese último, no es para nada malo, al revisitar esta película me gustó en especial poder identificar el leitmotif de Iron man (con algunas de sus variaciones). Es una banda sonora en la que resalta la guitarra eléctrica y que logra mezclarse con las pistas de AC/DC, grupo que, inconscientemente, uno ya lo relaciona con el personaje (cosa que podemos ver incluso este año en Spider-man: Lejos de casa).

Si tuviera que decir algo malo de esta película sería la actuación de los personajes secundarios, que aunque no es mala (desde aquí amé a Gwyneth Paltrow como Pepper Potts) sí que se siente algo floja o desganada en ratos, aunque eso hace lucir a Robert Downey Jr. También, con esta película se comenzaría la tradición de Marvel de tener como villanos a versiones malas de sus héroes individuales (Iron monger, Abominación, Whiplash, Yellojacket, Red Skull, Loki, etc.), lo cual no es malo per se, pero sí se echa en falta un villano memorable (fuera de Loki), que esté a la altura del Joker de Heath Ledger ya es pedir demasiado.

Viendo en retrospectiva, tanto Iron man como Hulk: El hombre increíble se ven demasiado lejanas a lo que es el MCU, principalmente en el humor que se maneja en estas películas, pues tanto Iron man como Hulk tienen tonos más serios y oscuros en donde los chistes son sutiles y no tan estúpidos como en las películas que les siguieron. En lo personal me hubiera gustado que siguieran así, con ese toque ligeramente más serio, pero en fin. ¿La recomendaría? Sí, independientemente de si les gusta el cine de superhéroes o no, Iron man es más que eso, además de que, a mí parecer, sigue siendo de las mejores películas de superhéroes que nos ha ofrecido el UCM.

Calificación PLAY: 9/10

It Chapter 2

Título original: It chapter 2 | Título en Latinoamérica: It (Eso) capítulo 2 | Dirección: Andy Muschietti | Producción: Barbara Muschietti, Dan Lin, Roy Lee | Guion: Gary Dauberman | Música: Benjamin Wallfisch | Estudio: Warner Bros. Pictures | Estreno: 06/sep/2019 | Género: Terror | Protagonistas: Jessica Chastain, James McAvoy, Bill Hader, Isaiah Mustafa, Jay Ryan, James Ransone, Andy Bean, Bill Skarsgård

It (Eso) capítulo 2 continúa la historia del club de los perdedores 27 años después del final del capítulo anterior, en esta ocasión Bill, Beverly, Richie, Eddie, Ben y Stan deben regresar a Derry para unirse a su amigo Mike y así derrotar a Eso, quién tras 27 años de sueño, ha regresado para seguir alimentándose de los niños del lugar.

¿Qué puedo decir de esta película? Quizá no lo sepan (o quizá sí) pero amo el trabajo de Stephen King, es el autor del que más libros he leído y de quien más adaptaciones a su obra he visto, y, de cierta manera, duele un poco que sea esta película la primera vez que hable de él en el blog. La historia ya la conocemos, ya sea si leímos el libro o si vimos la adaptación anterior, y pocas son las cosas realmente nuevas y/o significativas que aporta esta película.

Algo que no termina de convencerme desde la primera parte es el abuso del CGI para las escenas de Pennywise, hay algunas que se ven bien, pero en su mayoría no me agradan del todo, se notan demasiado los efectos especiales y los monstruos en los que se transforma Eso se sienten falsos, creo que si hubieran hecho los monstruos de manera más artesanal como en el caso de Historias de miedo para contar en la oscuridad, otra cosa hubiera sido.

El desarrollo de los personajes en sus versiones adultas es casi nulo, realmente no descubrimos nada nuevo ni de Mike, ni de Eddie, ni de Richie (de este último sí, pero ya en los minutos finales) y se nota que el “protagonismo” recae en Bill, Beverly y Ben (aunque en Ben un poco menos, su función básicamente es ser una parte de un triángulo amoroso muy mal planteado). La película recurre mucho a las versiones infantiles de los protagonistas (recordemos que es precisamente la química y la actuación de esos niños lo que ayudó mucho al capítulo 1), lo cual entiendo si su intención era tener ese aire de nostalgia por la niñez y el último verano juntos que tanto se siente en el libro, pero hubiera preferido que no tuvieran que depender tanto de eso para mover la trama.

Tampoco me gustó que se omitieran las parejas de los Perdedores, por un lado, se entiende que debido a la obligación social que tienen para hacer de Beverly (el único personaje femenino) un personaje más fuerte, se eliminara toda la subtrama de su esposo golpeador. Pero ésta, junto con la relación de Eddie con su esposa, ayudan a entender las relaciones enfermizas de ambos con sus respectivos padres. Cosa que, por supuesto, no vemos en esta adaptación. La esposa de Bill, Audra, también fue eliminada sin razón aparente, aunque, siendo honesto, cada uno de esos personajes tienen alrededor de 30-60 segundos en pantalla, lo cual es bastante injusto cuando al menos dos de ellos toman relativa importancia como “impulsadores de la trama” a partir de la mitad del libro.

Las actuaciones son muy buenas, a diferencia de la versión de los noventa, pero la química de los actores adultos no es tan buena como la de los niños y eso se siente desde el primer momento en que se reencuentran, la película “pierde tiempo” en mostrarnos tantos flashbacks que no podemos conocer bien a estos nuevos protagonistas, por lo que, cuando llegamos al final, hay algunas cosas que no nos cuadran, no se ven tan bien o no causan la emoción que deberían causar.

Finalmente, como algo bueno, me gustaría mencionar el tema de la inclusión que está muy bien llevado, no te tiran a la cara una inclusión forzada/obligada, sino que se da de manera natural (la homosexualidad en el libro está incluida desde las escenas de la niñez de los protagonistas) y logras sentir empatía hacia esos personajes que, si leíste el libro, los recordaras bien por formar parte de una escena bastante brutal casi al inicio.

En fin...

¿La recomendaría? No creo que sea una película del todo mala, pero sí siento que, como fan de Stephen King, me quedó a deber, pudo haber sido una excelente película pero no llega ni siquiera al nivel de la primera parte y eso para mí es suficiente como para, muy a mi pesar, no recomendarla.

¿Ustedes ya la vieron? Cuéntennos en los comentarios qué tal les pareció.

Calificación PLAY: 5.7/10

The dark crystal: Age of resistance

Título original: The cark cristal: Age of resistance | Título en Latinoamérica: El cristal encantado: La era de la resistencia | Dirección: Louis Leterrier | Producción: Louis Leterrier, Jeffrey Addiss, Javier Grillo-Marxuach, Lisa Henson, Will Matthews, Halle Stanford, Ritamarie Peruggi | Música: Daniel Pemberton, Samuel Sim | Estudio: The Kim Henson Company, Netflix | Estreno: 30/Ago/2019 | Temporada: 1 | Episodios: 10 | Género: Fantasía, aventura | Protagonistas: Sigourney Weaver, Taron Egerton, Anya Taylor-Joy, Nathalie Emmanuel, Simon Pegg, Mark Hamill, Jason Isaacs, Donna Kimball, Victor Yerrid, Caitriona Balfe, Gugu Mbatha-Raw, Andy Samberg, Helena Bonham Carter

Ya anteriormente les había hablado de la película en la que se basa la serie y ahora por fin toca el turno de reseñar esta precuela (un gran logro para mí siendo que no tengo mucho tiempo como para ver series).

Desde que vi la película original ya tenía muchas ganas de ver de qué iba a ir la serie, sí, sabía que narraría sucesos ocurridos antes de la historia que ya conocíamos, pero nada más, y ¿Qué puedo decir? Amé todo de esta serie, superó mis expectativas en casi todos los aspectos.

La historia sigue a tres Gelflings protagonistas: Rian, Deet y Brea; cada uno de un clan distinto (Brea es una Vaprana, Deet una Grotana y Rian un Stonewood) y cada uno con una misión en específico que los lleva a un bien común. También nos reencontraremos con caras ya conocidas como los Skekses que, en general, son los mismos que ya vimos en la película, así como Madre Aughra y los sabios Místicos.

De entrada, se nota el cariño con el que está hecha la serie, cada detalle está muy bien cuidado y no es para menos si vemos que Netflix trabajó mano a mano con The Jim Henson Company y reclutó a varias personas que trabajaron en la cinta original. Las marionetas han evolucionado mucho desde aquel lejano 1982 y ahora el CGI permite darle más vida, en especial en sus ojos, agregando brillos y emociones, cosa que les faltó a los jóvenes Gelflings de la película, pero siguen siendo marionetas y eso se agradece bastante, creo que esto no habría funcionado si hubieran hecho todo por computadora.

A las especies ya existentes podemos agregar varios clanes de Gelflings y algunas razas nuevas como los Gruenak, los Arathim, los nurloks, Saber, etc. Cada una con un diseño particular que no desentona para nada con la ya existente, de igual manera los personajes protagonistas, cada uno tiene una personalidad muy marcada, desde Brea que es curiosa, lista y amante de la lectura, hasta su hermana Seladon que es más impulsiva y egoísta. Incluso entre los Skekses, cada uno tiene su propio rol y una personalidad acorde a su puesto en esa sociedad. La evolución de cada uno de los personajes protagonistas es bastante notoria y todos los importantes tienen su tiempo adecuado en pantalla, incluso entre los villanos se nota que algo cambia en ellos conforme avanzamos.

A pesar de ser una serie infantil, tiene escenas algo “fuertes” para algunos niños, desde el primer capítulo logra captar la atención del espectador con momentos emocionantes, frustrantes, divertidos y no deja de tenerte al borde del asiento conforme va avanzando, creo que hubiera podido ver toda la temporada en un solo día si no hubiera tenido cosas que hacer, pero fue una tortura ver uno o dos episodios diarios, necesitaba ver y saber más.

En cuanto a la historia, la trama no es tan básica como en la película y creo que eso se debe a todos los puntos de vista y todas las subtramas que seguimos, algo que me recordó mucho a Game of Thrones en el sentido de que cada personaje protagonista sigue su propio camino (si fuera un libro fácil habría unos 4 o 5 puntos de vista diferentes).

Si tuviera que mencionar algo “malo” respecto a El cristal encantado: La era de la resistencia, sería que me faltó un opening o al menos una secuencia de título inicial, y la música también me quedó a deber algo, salvo el tema de la Overtura de la película que suena al inicio del primer capítulo y unos dos temas más que suenan en las escenas emocionantes, la música pasa bastante desapercibida; Y, finalmente, algo que me genera mucho conflicto con esta serie es el desenlace. No diré spoilers de nada, pero aquellos que ya hayan visto la película sabrán a qué me refiero.

¿La recomendaría? Sí, sí, sí y sí. Sean o no fans de la fantasía, esa es de esas series a las que todos deberían darle una oportunidad, aunque conozco personas a las que no ha atrapado tanto como a mí pero tampoco han dio que no les guste o que les parezca mala (usualmente mis amigos que la han criticado lo han hecho sin haberla hecho y refiriéndose a ella como “serie de gnomos”).

¿Y ustedes ya la vieron? ¿Qué les pareció?

Calificación PLAY: 9.3/10

La invención de Cronos

 Título original: Cronos | Título en Latinoamérica: La invención de Cronos | Dirección: Guillermo del toro | Producción: Arthur H. Gorson, Bertha Navarro, Alejandro Springall, Bernard L. Nussbaumer | Guion: Guillermo del Toro | Música: Javier Álvarez | Estudio: Fondo de Fomento Cinematográfico, Instituto Mexicano de Cinematografía, Universidad de Guadalajara, Iguana Producciones, Ventana Films | Estreno: 03/dic/1993 | Género: Terror, drama | Protagonistas: Federico Luppi, Ron Pearlman, Claudio Brook, Margarita Isabel, Tamara Shanath

“En 1536 huyendo de la inquisición, el alquimista Uberto Fulcanelli desembarcó en Veracruz, México.”

Cronos es la ópera prima del director Guillermo del Toro y narra las desventuras y desgracias que sufre el anticuario Jesús Gris a manos de la familia De la Guardia tras encontrarse con un antiguo dispositivo que es capaz de otorgar la vida eterna a quien lo posea.

Sería raro que, como tapatío que soy, no estuviera orgulloso de lo que ha logrado el señor Guillermo del Toro. Este año 2019 él ha sido algo así como un héroe nacional gracias a todo lo que ha hecho últimamente a favor de los jóvenes que han representado a México en distintas competencias a nivel mundial, aunque toda esta “fama repentina” venga arrastrándose desde enero del 2018 cuando dijo la ya célebre frase “Porque soy mexicano.”, frase que logró que miles de persona se sintieran orgullosas de su nacionalidad.

En lo personal, Guillermo del Toro fue para mí el primer acercamiento que tuve con el terror cuando de niño vi El espinazo del diablo, película a la que después siguieron algunas de terror japonés (El aro y La maldición) y que, de una u otra forma, terminaron marcando los gustos que me definirían hasta ahora. Y aunque en su momento yo ni estaba enterado de quién era este señor, sí que puedo decir que la imagen de Santi en El espinazo del diablo, con su cráneo roto y ese hilo de sangre que flotaba siempre sobre él, es una de las imágenes de películas que más recuerdo de mi entrada a la pubertad.

Pero entremos en materia ¿Cómo empezar a hablar de esta película? A la fecha Cronos se sigue sintiendo como una película rara para el estándar mexicano, tiene una introducción (grabada en inglés y en español) en la que se habla de un alquimista obsesionado con la vida eterna y su dispositivo cronos, el cual le ayudaría a lograr su objetivo. Esta secuencia inicial recuerda mucho al cine de arte de los 70 más o menos y si ven la versión que empieza narrada en inglés, concordarán conmigo que eso la hace parecer aún más lejana al típico cine de México.

Pasados unos minutos ya entramos de lleno a la trama principal. Quizás no pueda ser justo con esta película porque en verdad me gustó mucho, disfruté y sufrí con Jesús García, es un personaje con el que me resultó fácil empatizar, un personaje muy noble que se rehúsa a lastimar a otras personas aunque su vida dependa de ello, alguien que por más que sufre no cambia su forma de ser ni le gana la ambición como a Dieter de la Guardia. Dieter, por otro lado, es un hombre de negocios moribundo, anhela encontrar el dispositivo de Cronos para poder ser inmortal, tanto él como su sobrino Angel (Ron Perlman) cumplen con su papel de villanos y confieso que sí llegué a detestarlos por todo lo que hacen contra el buen Jesús Gris.

Un papel que podría pasar desapercibido en un inicio pero que tiene más importancia de la que aparenta es el de Aurora Gris, la pequeña nieta de Jesús. Guillermo del Toro tiende a mostrar a la perfección a personajes puros en forma de niños, y eso lo podemos ver en gran parte de su filmografía, por lo que uno puede notar la importancia de Aurora al momento de relacionarse con su abuelo y al tomar un papel un poco más activo en la 2da mitad de la película. Incluso si ven alguna entrevista en donde Del Toro habla de su película, él dice que Aurora representa la verdadera eternidad, no la eternidad mundana de Dieter de la Guarda, ni la de Jesús García ni la de su mujer.

Ahora… ¿La recomendaría? No creo que sea la mejor película del mundo ni mucho menos, pero creo que para ser una película de terror es bastante bonita (adjetivo muy raro para el cine de este género) y está narrada de una manera interesante, hace un tiempo escribí una entrada en donde les recomendaba cinco películas mexicanas que me gustaban, y Cronos formaba parte de esa lista, así que sí, recomendaría esta película una y otra vez.

Ahora ustedes cuéntenos que piensan de esta película. ¿Les gusta? ¿La recomiendan?

Calificación PLAY: 08/10

¡Saludos!

Snow White and the seven dwarfs

Título original: Snow White and the seven dwarfs | Título en Latinoamérica: Blancanieves y los siete enanos | Dirección: David Hand, William Cottrell, Wilfred Jackson, Larry Morey, Perce Pearce, Ben Sharpsteen | Producción: Walt Disney | Guion: Ted Sears, Richard Creedon, Otto Englander, Dick Rickard, Earl Hurd, Merrill De Maris, Dorothy Ann Blank, Webb Smith | Música: Frank Churchill, Paul Smith, Leigh Hairline | Estudio: Walt Disney Productions | Estreno: 21/diciembre/1937 | Género: Fantasía, animación, musical | Protagonistas: Adriana Caselotti, Lucille La Verne, Harry Stockwell, Roy Atwell, Pinto Colvig, Otis Harlan, Scotty Mattraw, Billy Gilbert, Eddie Collins, Moroni Olsen, Stuart Buchanan

“Esclavo del espejo sal de la oscuridad.

Yo te invoco, ven a mí del más allá,

Con mi voz a través de los vientos y del fuego te conjuro,

¡Muestra tu rostro ya!

Sabio espejo consejero, saber quién es la más hermosa quiero.”

Blanca Nieves es una joven hermosa con piel blanca como la nieve, cabellos negros como el carbón y labios rojos como la sangre, su madrastra está celosa de la belleza de la chica por lo que intenta matarla, lo que orilla a Blanca Nieves a buscar asilo en una cabaña en medio del bosque, habitada únicamente por 7 enanitos.

Es muy difícil hablar de películas antiguas desde el punto de vista actual, el impacto que generaron en su época grabaciones como “La llegada del tren” de los hermanos Lumière (1895) poco o nada puede compararse al impacto que causaría hoy en día. Historias en las que un hombre de color canta y es feliz siendo un esclavo (Canción del sur, 1946) o en donde una chica espera a que llegue un hombre a rescatarla distan mucho de ser consideradas como buenas o aceptables en una sociedad actual. Entonces ¿Cómo hablar de un clásico animado cuya historia y personajes ya no reflejan los ideales de la sociedad de hoy? Facil. Verla y hablar de ella como lo que es, un legado cultural que refleja los ideales de su época, no más.

Corría el año 1934 cuando Walt Disney decidió que quería hacer un largometraje animado. Cuenta la historia que Walt se reunió con su gente y se puso a contarles el cuento de Blanca Nieves, actuando y cantando mientras lo hacía. Pronto comenzó a correrse la noticia y los medios especializados comenzaron a llamar a este proyecto como “La locura Disney”, todos decían que nadie querría ver una película animada, que la gente se cansaría de ver más de una hora de chistes, que los colores brillantes lastimarían la vista de las personas, etc. Etc.

Pero Disney lo tenía muy claro, él quería hacer su largometraje y no dejaría que nadie detuviera su sueño. Y aunque quizás todo comenzó con un ratón, fue una princesa la que le aseguró una larga vida a los estudios de Walt Disney. Para estas fechas (1934-1937) Disney ya era famoso por sus Sinfonías Tontas, una serie de cortometrajes animados que solían proyectar en los cines antes de algunas películas, lo que la gente ignoraba es que esos cortos eran experimentos para la gran apuesta, así podemos ver, por ejemplo, en “La diosa de la primavera” los primeros intentos para hacer personajes humanos menos caricaturizados. Y, aun así, uno de los principales problemas de esta película fue, precisamente, la animación humana, razón por la cual tuvieron que eliminarse escenas del príncipe (siendo la más famosa reutilizada en La bella durmiente, cuando el príncipe Felipe está preso en las mazmorras de Maléfica). Pero bueno, basta de historia.

Ya tenía fácil unos 4 años sin ver esta película y ahora que la vi no pude si no disfrutar de su sencillez y ver los guiños (o detalles) que tiene hacia otras historias, por ejemplo, vemos que Blanca Nieves viste con harapos mientras limpia el castillo (tomado de Cenicienta), vemos el beso de amor que despierta a la princesa (tomado de la bella durmiente) e incluso vemos una escena de un balcón que recuerda mucho a Romeo y Julieta. Al estar adaptando un cuento corto, el estudio pudo darse ciertas libertades creativas y extender y agregar escenas que les ayudaran a contar la historia. Que difícil es creer que una animación tan simple y sencilla haya tenido tanto impacto en Hollywood.

Una de las cosas que mas disfruto de esta película son sus canciones, no hay ni una sola canción que no sea conocida hoy en día a 83 años de su estreno (Deseo, Canto, Sonreír y cantar, Silbando al trabajar, Mi príncipe vendrá, Heigh-ho, La canción tonta), el score no es mi favorito pero con este nuevo visionado pude disfrutar mejor de él, de hecho, algo que llamó mi atención fue el uso de la música para transmitir lo que Tontín intenta expresar o para darle voz a los movimientos de este personaje así como a los animales del bosque, en el caso de Tontín, sus movimientos suelen ir acompañados de determinados instrumentos, algo así como ocurría en las Silly Symphonies. 

Otra de las cosas que más me gusta de Blanca Nieves son sus escenas oscuras, básicamente todas en las que interviene la reina malvada: Cuando le pregunta al espejo sobre quién es la más bella, el momento de su transformación en anciana, cuando envenena a Blanca Nieves y cuando es perseguida por los enanos son, sin duda, mis escenas favoritas de toda la película, seguidas por la escena de la Canción tonta.

Si tuviera que decir algo “malo” sería lo “vieja” que luce su animación hoy en día, lo cual realmente no es malo para mí pues nos ayuda a ver y apreciar la evolución que han tenido las películas animadas. Un detalle que antes no había notado, es la marcada diferenciación entre los segmentos, hay momentos en los que mas que una película, parece una serie de cortos unidos para formar una historia, lo que hace que se noten más los numerosos recortes que sufrió el filme antes de su estreno (Disney sentía que, aunque había muy buenas escenas, éstas afectaban el ritmo de la película), cosa que fue corregida en Pinocho.

Y creo que ya debería dejarle hasta aquí, podría hablar (o escribir) por horas y horas sobre el simbolismo que hay en la película, los cambios con respecto al cuento original o incluso tratar teorías de fans (hay una en especial que vi hace poco en Reddit en la que mencionan que Blanca Nieves muere y que el príncipe es la muerte que llega a llevársela), pero creo que eso mejor lo dejo para próximas entradas.

Ahora la pregunta del millón ¿La recomendaría? Es difícil recomendar una película animada tan “inocente” para un público que está acostumbrado a tener grandes romances “sin censura” o escenas de acción llenas de explosiones, y sí a eso se suma lo anticuada que queda actualmente la historia de Blanca Nieves, es difícil que esta película pueda ser amena o disfrutada por cualquier persona, así que muy a mi pesar no la recomendaría a menos que sea para sus niños o si, como yo, les gusta disfrutar de vez en cuando de películas antiguas, aunque, siendo honesto, creo que independientemente de los años o de lo obsoleto de la historia y los personajes, el legado cultural de Blanca Nieves es innegable y, a la fecha, sigue siendo la más bella de todas.

¿Y ustedes qué opinan? ¿La han visto? ¿Les gusta?

Calificación PLAY: 8/10

Norman Fucking Rockwell!

Norman Fucking Rockwell!

Lana Del Rey

Empecé escribiendo esta crítica haciendo una descripción del álbum y las canciones. Pero, a estas alturas ya muchos lo han escuchado (incluso desde la filtración del mismo) así que no viene al caso volver a mencionar todo lo que la mayoría ha dicho ya.

En la primera escucha, el álbum no me dejó indiferente, pero tampoco me quedé impactado como cuando escuché Lust for Life por primera vez. Sin embargo, era justo volver a darle una nueva revisión con mayor detenimiento.

He de decir que el disco es un grower en sí, y que pese a caer mucho en la parte media del mismo, no te repele como llegó a suceder con Honeymoon e incluso con Ultraviolence. En cuanto a las letras, Lana ha madurado bastante. No está hablando de dinero ni hombres mayores cada dos estrofas. Aunque vuelve a abordar temas como el desamor, las drogas y la codependencia, se nota una clara superioridad en la ejecución de las mismas. Ejemplos podríamos poner muchos, pero empezaríamos a desvariar y esto no necesariamente tiene que convertirse en un análisis del esteticismo lírico presentado por Lizzy. Observamos varios estados de Lana en las letras, desde la graciosa frase inicial del álbum hasta la sobriedad del cierre, que ya conocíamos desde el año anterior. Tampoco podemos pasar por alto momentos memorables como en Love song, California y The Next Best American Record (que a mi, la parte de "all the roads lead to you" me ha sacado un par de lagrimillas). ¿Será que Lizzy ha dejado de ser una letrista cualquiera para convertirse en poeta?

Musicalmente, no representa un gran cambio. Podríamos decir que ya la habíamos escuchado con un estilo similar en Ultraviolence, o como el de Lana Del Ray a.k.a. Lizzy Grant si es que quisieramos remontarnos más atrás. Sin embargo, nuevamente tenemos canciones bastante notables como Norman fucking Rockwell, Mariners Apartment Complex (temazo), Love song, California y hope is a dangerous thing for a woman like me to have - but i have it. Aunque, encuentro dos problemas aquí. El primero es Venice Bitch, quienes muchos han aclamado, pero yo sigo sintiendo que le sobran casi siete minutos. Y esto nos lleva directamente al segundo problema: la progresión del ábum. Los primeros minutos de Venice Bitch están tan a la altura de la majestuosidad de Mariners Apartment Complex, pero después de eso tenemos las improvisaciones de Lana y Antonoff haciendo que la canción en cuestión dure casi 10 minutos. En algún punto, al menos yo, me llego a perder o comienzo a disociar. Lana no es Sufjan para hacer canciones de casi media hora. Aparte, la ubicación de Venice Bitch en el tracklist, hace que la energía del álbum caiga. Aunque Fuck it I love you repunta un poco, me parece mejor idea haber colocado Doin' Time antes que esta.

De una cosa estamos seguros: Lana jamás podrá superar Born To Die. Lo que sí puede hacer, es crear obras notables. Un claro ejemplo es NFR!, y aunque en estos momentos nos sigue gustando un poco más LfL como el segundo mejor álbum de Lana, podría ser que en un futuro cambiemos de opinión. Pregúntenme nuevamente dentro de un año, y veremos.

Calificación PLAY: 

8.3 / 10