Vaioretto Evāgāden

Título original: Vaioretto Evāgāden (ヴァイオレット・エヴァーガーデン) | Título en Latinoamérica: Violet Evergarden | Dirección: Taichi Ishidate | Producción: Shinichiro Hatta, Shinichi Nakamura, Kazusa Umeda, Shigeru Saito | Guion: Reiko Yoshida | Música: Evan Call | Estudio: Kyoto Animation | Estreno: 11/ene/2018 | Temporadas: 1 | Género: Animación, drama | Protagonistas: Yui Ishikawa, Takehito Koyasu, Daisuke Namikawa, Aya Endō, Koki Uchiyama, Minori Chihara, Haruka Tomatsu, Hidenobu Kiuchi, Azusa Tadokoro, Megumi Nakajima, Yūto Uemura

Violet es una chica criada desde niña para ser una máquina de matar, convertida en un soldado del ejército de Leidenschaftlich, sirvió bajo las órdenes del mayor Gilbert Bougainvillea hasta que, luego de un ataque, el mismo mayor la mandara a su casa a descansar, no sin antes decirle a Violet dos enigmáticas palabras que la chica no entiende: “Te amo”. 

Quedando a cargo del coronel Claudia Hodgins, la pobre Violet decide convertirse en una “Auto memory doll”, chicas que escriben cartas para personas que o no saben escribir o no saben cómo plasmar sus sentimientos, un trabajo muy cotizado después de la guerra. 

Así pues, durante los 13 episodios que tiene este anime vemos como Violet comienza a descubrir diferentes sentimientos gracias a una serie de personas que va conociendo en el camino. 

¡Última entrada del año!

Este anime me lo recomendó un buen amigo y la verdad lo vi porque solo eran 13 capítulos (no soy fan de las series largas cuando ya llevan mucho tiempo al aire, por ejemplo One piece que tiene casi 1,000 episodios… Nomás de ver ese número se me quitan las ganas de verlo), pero bueno… Al principio este anime me resultó terriblemente aburrido y estuve a punto de dejarlo de no ser por el capítulo 5, en este episodio el personaje de Violet comienza a desarrollarse (por fin) después de haber pasado 4 episodios siendo sumamente pesado, a partir de este episodio no pude dejar de ver qué ocurría.

 La animación es bellísima, el diseño de los personajes me encantó en especial por los ojos tan expresivos, los vestuarios y las características propias de cada uno de los personajes van acorde a sus formas de ser; los escenarios no se quedan atrás, vemos desde campiñas hasta castillos y concurridas calles de ciudad, hay incluso un capítulo en el que aparece un cometa que, en cuanto a animación, nada le envidia a cintas como “Your name” (película que amo, por cierto), la iluminación también es preciosa y todo eso se nota desde el primer segundo de la serie. 

La historia es episódica, eso quiere decir que cada capítulo es ligeramente independiente del resto, en cada uno vemos una historia de un personaje en particular (personaje que no vuelve a aparecer más que en momentos puntuales) y ahí queda todo, lo que me lleva a uno de los puntos malos. Lo importante en la historia es el desarrollo de Violet, no más. Y eso hace que todos los temas importantes que se tratan en los diversos capítulos pasen a un tercer plano y no se desarrollen como deberían, tenemos las propias cartas que escribe Violet, el tema de la guerra y la postguerra y cómo la gente vuelve a adaptarse a sus vidas cotidianas, esos últimos son temas importantes pero solo para Violet, no vemos el efecto de dichas situaciones en las demás personas (salvo en un soldado que quiere escribir una carta, pero de nuevo… El tema repercute en Violet, el soldado pasa a un segundo plano).

Un punto que podría ser bueno o malo, dependiendo de la persona, es el drama. En lo personal me gustaron mucho las historias de algunos episodios, pero porque yo soy de lágrima fácil y me gustan las series, libros o películas que me hagan llorar, el detalle aquí es que capítulo tras capítulo el drama va en aumento y llega un punto en el que la serie ya ni disimula que busca el llanto de los espectadores ¿Es esto malo? No forzosamente. 

Veredicto: Creo que es un buen anime, si les gustan los dramas y son de lágrima fácil (como yo) podrían disfrutarlo bastante, si no son tan susceptibles a situaciones tristes forzadas, quizás prefieran evitarlo. 

Calificación PLAY: 7.7/10

Poketto Monsutā Supesharu: yellow chapter

Título original: Poketto Monsutā Supesharu (ポケットモンスター SPECIAL) yellow chapter | Título en Latinoamérica: Pokemon: Yellow | Autor: Hidenori Kusaka | Ilustrador: Mato | Publicación original: 1998 – 2000 | Publicación en México: Agosto 2017, Panini manga | Volúmenes: 4 | Género: Shōnen

Tras los sucesos ocurridos en “Pokemon: Red, Green & Blue”, en este manga nos encontramos con Yellow, un pequeño entrenador Pokemon que se encuentra con un Pikachu herido y juntos deberán encontrar a Red, el anterior entrenador de Pikachu.

¡Feliz Navidad! ¿Qué tal se la pasaron? Esperamos que que, a pesar de las restricciones debido a la pandemia actual, estuvieran bien y en compañía de sus seres queridos (al menos en la distancia). Como entrada especial de navidad, hoy les traemos una reseña pequeñita (express).

Confieso que hace relativamente poco retome el amor por Pokemon gracias a que conseguí una 3DS y comencé a jugar Ultraluna, luego descubrí que Panini estaba sacando los mangas, decidí que sería una buena idea leerlos y no me arrepiento de haber empezado por esta saga. 

Comenzando por el protagonista, Yellow tiene mucho carisma, es un personaje tierno que rápidamente logró que empatizara con él. También me gustó que la historia estuviera más apegada a los videojuegos que al anime (por ejemplo con la relación entre la pokedex y tener que presionar “B” para evitar que los pokemon evolucionen), los dibujos son algo explícitos con las “muertes” de los pokemon, lo que le da un toque más adulto a una historia que es meramente infantil. 

El resto de los personajes como los líderes de gimnasio, Red, Green, Blue y los miembros del Alto Mando podríamos ya conocerlos por el anime o por el videojuego y es bueno verlos de vuelta. Me gustó mucho el papel de los villanos y esa batalla final en el último tomo. 

Si tuviera que decir algo que no me gustó es que la historia es demasiado corta, me deja la sensación de que me faltó un tomo para extender un poco algunas escenas, pero fuera de eso creo que es una buena opción para introducirse al mundo de los mangas. 

¿Veredicto? Si no les gusta la franquicia Pokemon o los mangas en general, difícilmente disfrutaran esta lectura. Si, por el contrario, tienen curiosidad en adentrarse en el mundo del manga y solo están familiarizados con los animes más famosos de los 90, esta sería una muy buena opción. 

Calificación PLAY: 8.7/10

Mononoke-hime

Título original: Mononoke-hime (もののけ姫) | Título en Latinoamérica: La princesa Mononoke | Dirección: Hayao Miyazaki | Producción: Toshio Suzuki | Guion: Hayao Miyazaki | Música: Joe Hisaishi | Estudio: Studio Ghibli | Estreno: 12/jul/1997 | Género: Animación, fantasía | Protagonistas: Yōji Matsuda, Yuriko Ishida, Yūko Tanaka, Kaoru Kobayashi, Masahiko Nishimura, Tsunehiko Kamijō, Akihiro Miwa, Mitsuko Mori, Hisaya Morishige

Ashitaka es un joven príncipe Emishi, en el periodo Muromachi, que tras enfrentarse a un demonio recae sobre él una maldición que amenaza con terminar con su vida y su única posibilidad de salvarse es ir al bosque del Dios Ciervo. En su camino encontrará la razón por la que el demonio al que mató se convirtió en eso, conocerá a la peligrosa dama Eboshi y a San, una misteriosa chica lobo. 

Tenía muchísimos años sin ver esta película y la verdad quedé gratamente sorprendido. “La princesa Mononoke” tiene un encanto y una magia natural en todas sus escenas que difícilmente hemos visto (o incluso veremos) en una película de Disney, por decir algo. Aquí logramos empatizar rápidamente con nuestros protagonistas, tenemos a una “villana” que es en verdad una mujer fuerte que ve por su pueblo y que nos recuerda demasiado a la princesa Kushana de “Nausicäa”, tenemos esa clásica pelea entre la urbanización y la naturaleza que tantas veces ha planteado Ghibli pero aquí toma un matiz más crudo al mostrarnos descarnadas y violentas escenas de una guerra entre humanos y dioses moribundos. 

La música de Joe Hisaishi nunca decepciona, aunque los temas cantados pasan un poco desapercibidos si uno los compara, por ejemplo, con temazos como el de Totoro (Tonari no Totoro), Susurros del corazón (Country road), El castillo en el cielo (Kimi o nosete) o Recuerdos del ayer (Ai wa Hana, Kimi wa sono Tane), pero fuera de eso es un placer escuchar este score, especialmente el tema principal “La leyenda de Ashitaka”. 

La película toma el tema ambiental de “siempre” pero de una manera más dura, hay escenas que no escatiman en sangre y mutilaciones, además de que es precisamente la música la que añade un tinte nostálgico, uno no puede evitar sentir pena por ambos bandos (humanos y naturaleza) mientras luchan en una batalla sin fin.

El diseño de los personajes es espectacular en especial el del Dios Ciervo, Ashitaka y su alce Yakul, los demonios que atacan a los Dioses y los tiernos Kodamas que ya se han vuelto clásicos para el estudio. Y me encanta como Ghibli logra siempre poner personajes femeninos fuertes sin estarlo gritando y auto alabándose como lo hace Disney. Aquí tenemos a dos mujeres en ambos bandos de la guerra; por un lado, San que es la princesa Mononoke (ni loba ni humana) protegiendo al bosque y la naturaleza junto con su tribu de Lobos; y por otro lado la dama Eboshi que lidera a un pequeño pueblo que se dedica a la fundición y elaboración de armas, difícilmente podríamos llamarla la villana porque es mucho más que eso. También hay un tema interesante que me recordó mucho a las chicas que reparan el avión de Porco en Porco Rosso, pues cuando los hombres se van son ellas las que luchan y protegen su estilo de vida, y eso sin contar que muchas de ellas son exprostitutas que, en sus propias palabras, nunca habían sido respetadas hasta que llegó la dama Eboshi. 

Ahora ¿Qué tiene de malo? Creo que algo que jugó mucho en contra de esta película en este nuevo visionado que tuve fue el doblaje al español de ZIMA Entertainment (la distribuidora del filme en México), ya había notado algunas fallas en Kiki, entregas a domicilio, pero aquí hay demasiadas y son más evidentes. Si uno ve la película doblada y con subtítulos va a notar que muchas frases vienen desfasadas y cambian indiscriminadamente de personaje, hay frases que dice Ashitaka en español cuando en verdad las debió decir uno de los hombres de Jigo/Jiko lo que provoca cierta confusión pues carece de sentido que lo diga Ashitaka, por ejemplo: en una escena vemos que Jigo/Jiko mueve la boca, sin embargo no se escucha nada, cuando sí que aparecen subtitulos de lo que dice originalmente; en otras ocasiones cambian las conversaciones, en particular hay una escena en la que, en japonés, Ashitaka pregunta por San y otro personaje le contesta con su ubicación, en el doblaje pregunta por la situación del bosque y el otro personaje le contesta con la ubicación de San, lo cual, de nuevo, no tiene ningún sentido. Esto, obviamente, es culpa de ZIMA, no de Ghibli.

Otro detalle a tener en cuenta pero que no es algo malo como tal es que la película es muy larga (más de dos horas) y la historia es algo densa, por lo que no la recomendaría para niños (además de ciertas escenas de muerte y mutilaciones) ni para personas que no disfruten de historias un poco más “adultas” en una película de “caricaturas”. 

En fin, creo que no me falta nada más que decir y solo queda pasar al veredicto. 

¿Recomendación o antirrecomendación? Súper recomendada, no hay más. Es una película excelente, visualmente hermosa y con un bonito (y crudo) mensaje sobre la naturaleza y el hombre, si no la han visto denle una oportunidad, no se van a arrepentir y si ya la vieron cuéntennos en los comentarios qué les pareció, ¡Los leemos! 

Saludos :) 

Calificación PLAY: 10/10

Mimi o Sumaseba

 Título original: Mimi o Sumaseba (耳をすませば) | Título en Latinoamérica: Susurros del corazón | Dirección: Yoshifumi Kondō | Producción: Toshio Suzuki | Guion: Hayao Miyazaki | Música: Yuji Nomi | Estudio: Studio Ghibli | Estreno:15/jul/1995 | Género: Animación, romance, drama | Protagonistas: Yōko Honna, Issei Takahashi, Takashi Tachibana, Shigeru Muroi, Shigeru Tsuyuguchi, Keiju Kobayashi

Basada en el manga del mismo nombre de Aoi Hiragi, “Susurros del corazón” narra unos días en la vida de Shizuku Tsukishima, una chica de 14 años adicta a la lectura, y es su adicción a los libros los que la llevan a un misterioso nombre: “Seiji Amasawa”, un chico que ha sacado antes de la biblioteca todos los libros que ella lee. A partir de aquí tenemos una historia de romance juvenil mezclada con escenas de fantasía mientras ambos jóvenes intentan descubrir qué es lo que quieren de la vida.

La primera vez que vi esta película la amé, todo al respecto de ella me había gustado, literalmente la tenía en un pedestal, sin embargo, en esta nueva revisión descubrí que no me terminó de convencer y eso es algo muy triste.

Esta película fue el primer y último trabajo como director para Studio Ghibli del animador Yoshifumi Kondō (Lupin III, Panda Kopanda, El pequeño Nemo), una promesa en el mundo de la animación que contaba con todo para convertirse en el sucesor de Miyazaki, y que lamentablemente falleció en 1998 por una disección aórtica provocada por el estrés y el exceso del trabajo al que se vio sometido al trabajar en Susurros del corazón y La princesa Mononoke (amo a Ghibli, pero esto habla muy mal del estudio).

Tanto la animación como la historia son muy sencillas y, como en la mayoría de las películas del estudio, ahí radica el encanto de “Susurros del corazón”. No tenemos espíritus del bosque ni peleas por el medio ambiente, solo un sencillo romance entre dos chicos de secundaria en una ambientación que nos recuerda mucho a cintas como Recuerdos del ayer y Puedo escuchar el mar. 

La música también es muy sencilla y no se compara en nada con los majestuosos soundtracks de Joe Hisaishi, pero tampoco es mala, de hecho, recuerdo que cuando vi esta película hace como 10 años quedé enamorado del tema “Country roads” (un cover de “Take me home, country roads” del cantante John Denver) y, con este nuevo visionado, reafirmo que es una muy buena versión. 

Un detalle curioso es que se toca de manera superficial el recurrente tema del progreso, la eterna batalla entre urbanización y la tradición de un modo bastante peculiar: en la actualización del registro de la biblioteca que visita Tsukishima y es curioso porque es precisamente el antiguo método (tarjetas insertadas en las solapas de los libros) lo que permite que nuestros protagonistas se conozcan.

Como puntos en contra… La historia me pareció algo lenta incluso para el estándar del estudio y siento que le faltó algo para que terminara de engancharme como antes y es que me pasó exactamente lo contrario que con “Recuerdos del ayer”, una película que no me gustó hace 10 años y que ahora pongo en mi top de favoritas del estudio. Quizás sea que he crecido y que el amor adolescente ya no conecta tanto conmigo mientras que el tema de los arrepentimientos de una persona en sus 30 se asemeja más a mi situación personal propia. Sí, creo que es eso. 

Ahora ¿Recomendación o antirrecomendación? El hecho de que no la disfrutara tanto como antes no le quita que sea una historia bonita con muchas escenas memorables y una animación de calidad, así que sí, sí la recomendaría para cuando tengan ganas de ver algo que no necesite mucha concentración o para ver con la familia (niños incluídos). 

¿Ustedes ya han visto esta joya ignorada del Studio Ghibli? ¿Qué les pareció? 

Calificación PLAY: 7.8/10

Yu-Gi-Oh! The movie: Pyramid of light

Título original: Yu-Gi-Oh! The movie: Pyramid of light | Título en Latinoamérica: Yu-gi-oh! La película | Dirección: Hatsuki Tsuji | Producción: Lloyd Goldfine, Katia Milani, Michael Pecerlello | Guion: Michael Pecerlello, Norman J. Grossfeld | Música: Elik Alvarez, Joel Douek, Freddy Sheinfeld | Estudio: 4Kids Entertainment, Studio Gallop, Warner Bros. Pictures, Toho | Estreno: 13/ago/04 | Género: Animación, fantasia, Aventura | Protagonistas: Shunsuke Kazama, Kenjiro Tsuda, Hidehiro Kikuchi, Maki Saito, Junko Takeuchi, Tadashi Miyazawa, Jiro J. Takasugi, MAsanori Ikeda

Yu-gi-oh! La película nos sitúa entre la tercer y la cuarta temporada del anime que, si no me equivoco, es después del torneo de Ciudad Batalla, y nos presenta a un Yugi poseedor de las tres cartas de Dioses Egipcios, lo que lo convierten en el blanco de todos los duelistas del mundo. Por otro lado tenemos a un Kaiba obsesionado con derrotar a Yugi y que termina despertando a Anubis, el enemigo en turno que, junto con la pirámide de la luz, intentará destruir al faraón y con él, al mundo entero.

Tenía mis dudas sobre si debía reseñar esta película, pero supongo que nada pierdo haciéndolo. Para empezar, si no eres seguidor de la serie animada o del juego de cartas este filme no tiene nada que pueda interesarte, de hecho tampoco aporta nada nuevo al anime y solo sirvió para introducir algunas cartas nuevas al juego, imitando a la franquicia animada más popular de ese tiempo: Pokemon.

La película en sí es bastante mala, la historia es terrible y los personajes insoportables, en especial Kaiba con esa tonta obsesión que no le permite ver que solo está metiendo la pata. No sé si sea porque ya crecí (aunque actualmente sigo jugando el juego de cartas por diversión) pero esta película me aburrió bastante y, aunque no dudo que 4kids (la distribuidora del anime en América) tenga su parte de la culpa, lo cierto es que en gran parte de la película tenemos diálogos plagados de chistes y comentarios absurdos, e incluso el duelo, que se supone que debía ser el momento cumbre de la historia, se ve arruinado constantemente por esa cantaleta de “La amistad todo lo puede” y por las escenas innecesarias de Yugi y compañía en el rompecabezas del milenio.

La animación creo que mantiene la calidad de la serie, así que tampoco ofrece nada nuevo, igual que la música. El diseño de las cartas nuevas (especialmente ambas esfinges) es muy bueno, pero hasta ahí.

¿Veredicto? Anti recomendación. Si no les gusta el anime o el juego difícilmente van a disfrutar esta película, y si sí les gusta, pues igual difícilmente la van a disfrutar.

Calificación PLAY: 3.3/10

GYO

Título original: Gyo Ugomeku Bukimi (ギョ うごめく不気) | Título en Latinoamérica: Gyo | Autor: Junji Ito | Ilustrador: Junji Ito | Publicación original: 2001-2002 | Publicación en México: Panini manga, 2018 | Volúmenes: 2 | Género: Terror

Ya conocía el trabajo de Junji Ito desde que iba en la secundaria (más o menos por el 2003) cuando leí sobre la película y el manga de Uzumaki, y recuerdo que quedé fascinado por la historia sobre las espirales y cómo afectaban a los habitantes de un pueblo japonés. Tuvieron que pasar muchísimos años para que volviera a saber de este mangaka gracias a Editorial Panini que publicó los tres tomos de Uzumaki y los dos tomos de Gyo, y es de este último del que vamos a hablar en esta ocasión. 

Gyo (trad. Pez) nos cuenta la historia de Tadashi y Kaori, una joven pareja que, mientras vacacionan en una playa de Japón, descubren una extraña criatura: Un pez con puntiagudas patas de araña que despide un putrefacto aroma. Más pronto que tarde, los peces comienzan a invadir Japón, siendo nuestro protagonista el único que conoce la verdad sobre esos misteriosos peces. Y como bonus, el 2do tomo del manga incluye dos mini historias: “La triste historia del pilar central” y “El enigma de la falla de Amigara”, de los que hablaré al final. 

Algo que me gustó mucho es la forma tan particular que tiene Junji Ito de dibujar, desde los dibujos de Uzumaki me enamoré de su estilo y en Gyo resaltan los dibujos tan realistas de los peces y el diseño tan mórbido de los peces caminantes, en especial de sus patas y de cómo se ven cuando tienen una presa diferente a los peces, es un diseño bastante perturbador y extraño. Y creo que realmente es lo único bueno que tiene este manga. 

Como puntos en contra… No me gustó el personaje de Kaori, desde el principio te dejan en claro que tiene una nariz sensible, pero en todas sus intervenciones se la pasa repitiendo lo mismo respecto al hedor y siempre gritando, solo tiene dos puntos álgidos en su historia y son al principio (su nariz es la que la ayuda a alertar a Tadashi sobre los peces) y al final, de ahí en más ella solo está para ser rescatada por el protagonista masculino, quien, por cierto, tampoco es que me agradara del todo pero, a diferencia de Kaori, él si muestra una ligera evolución (pero muy ligera), aunque no deja de ser bastante pesado en algunos momentos. Personajes como el tío de Tadashi, su asistente y el maestro de ceremonias del Citrous Circus solo están ahí porque sí, la historia juega haciendo creer al espectador que son personajes importantes cuando la verdad es que solo entran y salen de la historia en momentos puntuales para ayudar o entorpecer a Tadashi. 

La historia es buena e interesante al principio, pero tiene muchas cosas que están ahí solo por conveniencia, por ejemplo el tío de Tadashi cuya función principal es explicarnos el posible origen de los peces, el cual está convenientemente relacionado a él y, por lo tanto, al protagonista. Para el segundo tomo la historia se vuelve innecesariamente larga con escenas que convierten la historia en algo cómico como los capítulos del circo y, al menos, tres cuartas partes de la historia del tío de Tadashi. Siento que eso le quita puntos a la atmosfera que se había construido en el primer tomo. 

En cuanto a la edición… La edición de Panini es hermosa, me encantaron las sobrecubiertas (una azul y otra roja) con esos motivos brillantes que forman patrones triangulares con la luz, aunque la traducción me cansó un poco porque repetían muchas frases de una viñeta a otra, al igual que en los nombres de los capítulos que abusaban del “olor putrefacto” aunque imagino que ese tipo de detalles viene desde la versión original. 

Ahora sí, las historias bonus: 

La triste historia del pilar central narra la historia de un hombre que queda debajo del pilar central de su casa, pero si lo mueven la casa colapsa. En El enigma de la falla de Amigara nos cuenta como un terremoto deja al descubierto una falla en la montaña Amigara y la gente se reúne ahí pues la montaña muestra extraños agujeros con forma humana. 

Ambas historias me gustaron, la primera es un poco más triste (como indica su título), mientras que la segunda usa más un terror a lo desconocido, ambas juegan con el misterio y dejan abiertas más interrogantes que las que cierran (incluso en “La triste historia…” juegan con eso), en lo particular me gustó más la historia de la Falla de Amigara. 

En fin ¿Recomendación o antirrecomendación? En lo personal este manga me gustó, pero no lo recomendaría, no creo que sea algo imprescindible ni para los amantes del manga ni para los del terror, podrían darle una oportunidad si están aburridos, pero siento que, aunque el arte es bueno, la historia no lo termina de salvar, aunque igual podrían quedarse únicamente con el primer tomo que es el mejor y no pasaría nada si ignoran la segunda parte. 

Calificación PLAY: 6.7/10

Pom Poko

Título original: Pom Poko (平成狸合戦ぽんぽこ) | Título en Latinoamérica: La guerra de los mapaches | Dirección: Isao Takahata | Producción: Toshio Suzuki | Guion: Isao Takahata | Música: Shang Shang Typhoon | Estudio: Studio Ghibli | Estreno: 16/jul/1994 | Género: Animación, comedia, drama | Protagonistas: Megumi Hayashibara, Shigeru Izumiya, Andre Stojka, Mark Moseley, Hayashiya Shōzō IX, Yuriko Ishida

Pom Poko nos narra una guerra entre tanukis (mapaches japoneses) y humanos, luego de estos últimos comenzaran a destruir su hábitat para construir un complejo habitacional debido al incremento de la población japonesa. Estos mapaches cuentan con el conocimiento del milenario arte de la transformación, lo que les da cierta ventaja contra los humanos, pero su desorganización juega en su contra, llevándolos a un final que se veía venir. 

Esta película me genera sentimientos encontrados porque tiene momentos de todo tipo, momentos divertidos, aburridos y hasta para deprimirse un rato. Takahata toca un tema “clásico” del estudio que es esa pelea entre la naturaleza y la urbanización, y entre las antiguas tradiciones japonesas contra las nuevas generaciones.

La animación de esta película me sorprendió bastante en este nuevo revisionado (lo cierto es que únicamente recordaba que los mapaches macho tenían testículos jeje) y me gustó como juegan con la transformación de nuestros protagonistas para dibujarlos de tantas maneras (podemos ver mapaches bastante realistas en las escenas dramáticas, verlos como seres antropomorfos la mayor parte del filme y como sencillas caricaturas en los momentos chuscos). La música es muy bonita y tiene algunas canciones que se quedaran en tu mente como el tema de Totoro, en especial el tema de los créditos finales que es una melodía bastante alegre para un final algo agridulce que te dejara con un ligero nudo en la garganta.

Uno de los puntos malos de Pom poko sería su duración (2 horas aproximadamente) pues puede tornarse un poco aburrida en algunos momentos, aunque eso no es del todo malo porque para el final tenemos momentos muy pesados y se agradece que minutos antes tuviéramos unos cuantos de tranquilidad. Lo que sí es que tiene un par de escenas que no terminaron de convencerme y que realmente no aportan nada a la trama (particularmente no me gustó toda esa interacción con el zorro y el presidente de Wonderland). 

¿Recomendación o anti recomendación? Súper recomendada. “La guerra de los mapaches” es una película que tiene de todo, comedia, drama, escenas tristes, buena música y una historia bonita. Aunque claro, si no les gustan las películas animadas (y mucho menos las japonesas) quizás prefieran pasar de Pom poko. 

Calificación PLAY: 8.7/10

M ~Ai Subeki Hito ga Ite~

Título original: M Aisubeki Hito ga Ite (M 愛すべき人がいて) | Título en Latinoamérica: N/A | Dirección: Takao Kinoshita, Manabo Asō | Producción: - | Guion: Osamu Suzuki | Música: Kan Sawada | Estudio: TV Asahi/AbemaTV | Estreno: 18/abr/2020 | Temporadas: 1 | Género: Romance, drama, comedia, musical | Protagonistas: Kalen Anzai, Shohei Miura, Alan Shirahama, Minami Tanaka, Masanobu Takashima

La joven Ayu sueña con irse a vivir a Tokyo y convertirse en actriz, desafortunadamente las cosas (y la vida como actriz) no salen tan bien como ella esperaba y, tras acompañar a una amiga al famoso club Velfine, conoce al productor musical Masa quien se encargará de convertir a Ayu en una artista. 

Basada en la novela homónima de Narumi Komatsu, que nos cuenta los primeros años de fama de la cantante Ayumi Hamasaki y de su relación con su productor Max (Masa) Matsura, “M” (para abreviar) se toma ciertas libertades creativas en favor de hacer que la trama sea un poco más entretenida y curiosamente funcionan, quizás no como yo hubiera querido, pero funcionan. 

Entre las cosas buenas que tiene “M” la mas resaltable es como juegan con la nostalgia de los fans de Ayumi Hamasaki y que se nota con detalles tan simples como ver a Masa escuchando los demos musicales que formarán los primeros temas de Ayu, entre los que destaca la música de A Song for xx, o cuando Ayu dice de forma casual frases que los fans ya conocen de alguna de sus canciones, de ahí pasamos a escenas completas como en la que Ayu escribe, precisamente, la letra de A Song for xx, y tenemos también escenas que nos recuerdan sospechosamente a tomas de sus videoclips, como una Ayu completamente inmovil entre el público que baila en el club Velfine o Ayu viendo por la ventana de un auto en movimiento. Cosas que están ahí más para los fans que para un televidente promedio. 

La historia es buena con todo y sus detalles, y esto lo digo como fan de la cantante, si no eres fan de Ayumi o si de plano no la conoces, es muy probable que no disfrutes tanto de esta historia.

Como algo ni bueno ni malo mencionaría las actuaciones, ninguna es sobresaliente y salvo las que mencionaré como puntos malos, todas están más o menos decentes, aunque sí decaen un poco llegando al final. Las escenas del supuesto éxito de Ayu en el Tokyo Dome (con las canciones de M y Boys & Girls), además de que están ahí solo de relleno tienen tan bajo presupuesto que hacen que uno piense mal de la versión real (vamos, que si yo no hubiera visto las presentaciones reales que emulan esas escenas me hubiera dado un poco de grima pensar que algo así hizo la gran diva nipona). La actuación de Kalen Anzai es regular y uno comienza a tomarle cariño después del capítulo 2 o 3 aunque se estanca demasiado rápido y no termina de brillar teniendo, por ejemplo, a los personajes de Masa (Shohei Miura) y Rukawa (Alan Shirahama) que tienen más carisma que ella. 

Ahora vayamos a lo malo de este dorama… Los personajes del director Ohama (Masanobu Takashima) y la loca secretaria de Masa, Reika Himeno (Minami Tanaka), son sumamente pesados. Entiendo la necesidad de un villano que le haga la vida imposible a nuestra protagonista (de hecho, aquí tenemos 4 que hacen exactamente lo mismo), pero no hay ni una sola escena de estos dos en los que no de pena ajena su actuación y eso que la actuación de todos es bastante cuestionable. He leído comentarios de diversa gente alabando al personaje de Reika (al grado de que le hicieron una miniserie a modo de spin-off) pero yo la verdad no lo compro y estoy completamente seguro de que hubiera disfrutado más este dorama si ese personaje sencillamente no existiera. Un caso similar es el del director Ohama, cuya actitud hacia los protagonistas realmente no tiene mucho sentido, digo… ¿Es el director de una disquera y quiere que su propia disquera fracase solo por su competencia interna con Masa? cuando realmente lo más lógico es pensar que si Masa triunfa, triunfan todos ¿O no?, también tenemos actuaciones deplorables entre los extras y personajes sin importancia como la secretaria de Ohama que solo tiene una línea repetida 100 veces a lo largo de los 7 episodios, o las chicas “extras” del grupo AXELS que solo repiten lo que dicen las otras dos y, estoy casi seguro que ni siquiera tienen nombre.

Otro detalle que realmente no es culpa de la serie en sí, sino más bien de la situación actual del Covid-19, es que los últimos 2 episodios se sienten muy apresurados. En estos se le dejó de dar importancia a temas como la actuación de la protagonista (literalmente hay una escena en la que no puede cantar por estar llorando, sin embargo en ningún momento vemos ese llanto), la relación entre Masa y Ayu se acelera demasiado aunque irónicamente se alarga más de lo que duró realmente (en la vida real su relación es de 2 años, 1998 y 1999; en el dorama la relación se estira hasta mediados del 2000), se obvian también muchas cosas como el éxito de sus singles, y la cronología que iban manejando tan bien comienza a diferir con las fechas reales (cosas como la presentación de appears en el 2000 cuando en verdad fue en 1999; o que ganara el Japan Record Award de 1999 cuando lo ganó en el 2001). Detalles más, detalles menos. En fin. 

Veredicto. Creo que “M” no es algo que yo recomendaría a cualquier persona que no esté familiarizada con la cantante Ayumi Hamasaki, con el escenario musical japonés o con la cultura nipona, de plano. Así que, aunque en lo personal me gustó más de lo que esperaba, en este caso es una anti-recomendación. 

Calificación PLAY: 6.7/10

Umi ga Kikoeru

Título original: Umi ga Kikoeru (海がきこえる) | Título en Latinoamérica: Puedo escuchar el mar | Dirección: Tomomi Mochizuki | Producción: Nozomu Takahashi, Toshio Suzuki, Seiji Okuda | Guion: Kaori Nakamura | Música: Shigeru Nagata | Estudio: Studio Ghibli | Estreno: 05/may/1993 | Género: Animación, comedia, romance | Protagonistas: Nobuo Tobita, Toshihiko Seki, Yōko Sakamoto, Kae Araki, Yuri Amano

Basada en la novela homónima de Saeko Himuro, “Puedo escuchar el mar” es la primera y única película de studio Ghibli que fue hecha expresamente para la televisión, es también su única película en la que no participaron los dos grandes genios del studio: Miyazaki y Takahata, y siendo honesto eso se nota.

Además de eso, “Ocean waves” (título en inglés) es la película más desconocida del estudio (Seguida por “El regreso del gato”) y lo cierto es que pasé bastante tiempo buscándola hasta que me animé a comprar el bluray en Amazon (solo para que Netflix la agregara al mes siguiente a su catálogo).

En el filme seguimos la vida de Rikako, una chica de ciudad que es transferida a una escuela de la prefectura costera de Kōchi luego de que sus padres se divorciaran. Nuestra protagonista es una chica muy bonita, excelente deportista y buena estudiante, lo que provoca que sea rechazada por sus compañeras. Al mismo tiempo conocemos a Taku y Yutaka, dos amigos que comienzan a fijarse en la chica.

La historia es un típico drama adolescente pero desde un punto de vista más maduro de lo que quizás estamos acostumbrados, se tocan temas como el bullying y el divorcio y cómo este afecta a los hijos del matrimonio, tiene toques de romance pero no es algo que impere en la cinta. La animación es curiosa, es algo básica (aunque sí cuenta con escenarios preciosos típicos del estudio) y se siente como un anime más ochentero que, por ejemplo, “Mi vecino Totoro”, además de que tiene algunos fragmentos en los que se recorta el ratio de la imagen (desconozco la razón por la que decidieran hacer eso).

Uno de los contras que me gustaría mencionar es que no cuenta con la magia y la nostalgia que podemos encontrar en, por ejemplo, “Recuerdos del ayer” de Isao Takahata, que también es del mismo género, y eso es algo que no sé bien cómo explicar, quizás fuera por la inexperiencia del equipo creativo y la complejidad de los temas que quisieron tocar.

Otro punto en contra es que es muy difícil simpatizar con Rikako, es una chica que está pasando por momentos difíciles de su vida pero eso no justifica ninguna de las acciones que hace durante el filme (como “robar”, mentir o portarse de forma pesada con sus compañeros de clase), caso contrario a Taku que es un personaje más carismático y cuyas acciones son del tipo que más de alguno de nosotros haría (aunque por ahí hay una que otra acción bastante cuestionable). En cuanto a Yutaka, es un personaje que no se desarrolla del todo y que, en la mayor parte de la película, su presencia solo sirve para formar parte de un triángulo amoroso que no termina de ser del todo claro.

¿Veredicto? Recomendada solo si les gustan las películas de vida cotidiana, creo que podrían encontrar esta película bastante interesante, si por el contrario no disfrutan de este género, siento que podrían encontrarla bastante aburrida y olvidable.

 ¿Ustedes ya habían visto esta joya olvidada de Studios Ghibli?

Calificación PLAY: 7.0/10

Tongari Boushi no Atelier #1

Título original: Tongari Boushi no Atelier とんがり帽子のアトリエ」 | Título en Latinoamérica: Atelier of witch hat

| Autor: kamome shirahama | Ilustrador: kamome shirahama | Publicación original: 2016-Presente | Publicación en México: 2020 | Volúmenes: 5+ | Género: Seinen

¡Hola hola! Sean bienvenidos a un tipo de reseña diferente a la que llamaremos “reseña express”, y que estarán más enfocadas a reseñar en 300 palabras o menos capítulos de series de televisión o tomos de cualquier tipo de publicación serial que no esté publicada de manera íntegra como es el caso que nos importa hoy.

“Atelier of Witch hat” es un manga de la mangaka Kamome Shirahama publicado originalmente en Japón el 2 de julio del 2016 y que cuenta, hasta la fecha, con 5 o 6 tomos, de los cuales solo el primero está disponible en México, gracias a Editorial Panini.

Este manga nos narra la historia de Coco, una chica humana que sueña con convertirse en maga, pero su sueño se ve “truncado” porque para ser un mago se necesita haber nacido mago ¿o no? Más pronto que tarde, nuestra protagonista se encuentra con Qilfrey, un mago al que espía y por el que descubre el origen de la magia, lo que desencadena una serie de sucesos trágicos que involucran que Coco, una chica no iniciada en la magia, sea admitida como pupilo de Qilfrey, provocando todo tipo de reacciones entre los magos.

La premisa es muy sencilla y sin embargo funciona, en este primer tomo conocemos a nuestra protagonista, a su familia, el que será su maestro y a sus compañeras magas, es un tomo introductorio lleno de momentos fuertes en la trama, no se siente para nada aburrido y la historia fluye bastante bien.

El arte es otra cosa, que belleza de dibujos, Kamome Shirahama tiene un don especial, las hojas están llenas de detalles, desde los pliegues y los adornos en la ropa de los personajes hasta los bellos paisajes de este mundo mágico.

Sin duda una gran recomendación para los que les gusta este tipo de lectura.

Calificación PLAY para este volumen: 9.3/10

Kurenai no Buta

Título original: Kurenai no Buta (紅の豚) | Título en Latinoamérica: Porco Rosso | Dirección: Hayao Miyazaki | Producción: Toshio Suzuki | Guion: Hayao Miyazaki | Música: Joe Hisaishi | Estudio: Studio Ghibli | Estreno: 18/jul/1992 | Género: Comedia, animación, aventura | Protagonistas: Shūichirō Moriyama, Tokiko Kato, Akemi Okamura, Akio Ōtsuka

Basado en el manga Hikōtei Jidai (La era del hidroavión) de Hayao Miyazaki, Porco Rosso nos narra las aventuras de Marco Pagot, un piloto italiano de la Primera Guerra Mundial que, tras dicha guerra, decide dedicarse a ser un cazarrecompensas en el mar Adriático.

Debo confesar que, de toda la filmografía de Studio Ghibli, esta película era la que menos entusiasmo me provocaba volver a ver, y es que seamos honestos, la película no está al nivel de las mejores producciones del estudio y, sin embargo, no deja de ser una pequeña joya. Quizás no tenga todo ese trasfondo mitológico que ya habíamos visto en películas como Nausicäa, Mi vecino Totoro o incluso en El castillo en el cielo, pero lo compensa con un trasfondo histórico bastante interesante, aunque algo oculto para un espectador casual.

La historia es muy sencilla, nos narra simplemente unos días en la vida de Marco/Porco y de cómo es perseguido tanto por la Fuerza Aérea Italiana como por los piratas, quienes incluso contratan al mercenario estadounidense Donald Curtis para que se deshaga de Porco, en el camino conoceremos a personajes femeninos bastante interesantes y fuertes (algo bastante común en las películas del estudio), por un lado tenemos a Fio, la heredera de la familia Piccolo y quien, junto a todas las mujeres de su familia, se encargará de arreglar/reconstruir el avión de nuestro protagonista; y por el otro lado tenemos a Gina, la cantante de un bar “neutral” en un isla en donde conviven pilotos de cualquier bando y que vive enamorada en secreto, esperando a que su amor la visite un día y le diga que también la ama.

El diseño de los personajes y los escenarios es magnífico y muy clásico del estudio, esos planos generales de la terraza de Gina y la isla de Porco son bellísimos, y ni hablar de la escena del recuerdo de Porco Rosso (una escena que, dicho sea de paso, me recordó bastante a lo que veríamos muchos años después en “Se levanta el viento”), siento que hay muchos detalles en la animación que logran trasladarnos a los años 20, que es más o menos en donde se sitúa la película.

El trasfondo de la historia se desarrolla después de la Primera Guerra Mundial y tiene muchos detalles geográficos y políticos que, si no los sabes de antemano pasan completamente desapercibidos (como fue mi caso), pero si investigas un poco, no hacen más que aumentar la genialidad en esta película. Comenzando por la ubicación, me parece que es una de las pocas películas de Ghibli que no se desarrolla en Japón, sino en Italia y contiene algunas menciones al fascismo (ideología que comenzaba a resurgir en Europa hacia 1991) y al gobierno de Mussolinni. El marcado mensaje feminista, especialmente notorio en la escena en la que las mujeres Piccolo reparan el avión de Porco, no se siente forzado, al contrario, encaja perfectamente con la situación de la ciudad en la que habita dicha familia pues, se entiende, los hombres han sido enviados a la guerra; además de que se aprovecha esta escena para mostrar la actitud de los hombres de la época (Porco en un inicio se rehúsa a que una mujer repare su preciado avión).

Siento que los personajes están muy bien construidos, pero particularmente me sorprendió el protagonista y todo ese halo de misterio que lo rodea. En la película podemos conocer un poco de su pasado, al menos lo suficiente como para darnos cuenta de que éste lo sigue atormentando, lo vemos como un antihéroe arrepentido por muchas cosas, alguien que prefiere estar solo para no lastimar a las personas que lo rodean, que se dedica a una profesión en la que prácticamente solo espera morir para alcanzar a sus antiguos compañeros de guerra. Y aunque en la película lo vemos reir en algunas ocasiones, en general se siente como un personaje triste y solitario, y me gusta esa incógnita presente en todo el filme ¿Por qué se convirtió en un cerdo?

La banda sonora, compuesta por Joe Hisaishi (Nausicäa del valle del vienti, Mi vecino Totoro, Kiki: Entregas adomicilio) es hermosa, y al igual que en Recuerdos del ayer, tenemos un tema musical cargado de nostalgia que comienza a sonar después de ese final (justo tras las últimas palabras de Fio), lo que hace que se sienta como un final bonito a pesar de dejar muchas cosas al aire (lo cual me pareció un gran acierto, pues permite que cada espectador imagine el final que más le gustaría).

Y no podemos olvidar ese amor de Miyazaki por los aviones, antes habíamos tenido pinceladas de estos artefactos, siendo Nausicäa y Laputa las películas que más desarrollaban este tema, pero en Porco Rosso los aviones toman el papel protagonista, aquí se nota que Miyazaki explota toda esa pasión y logra transmitir el cariño que tiene hacia esos vehículos, se nota el cariño con el que se hizo esta película.

Para finalizar… ¿La recomendaría? Sí. A pesar de no ser una de las películas más aclamadas o reconocidas del estudio como El viaje de Chihiro, El increíble Castillo Vagabundo o Mi vecino Totoro, es un filme muy bonito y agradable, pero si lo tuyo no son las películas animadas, las películas japonesas, o incluso las películas de vidas cotidianas, pueda parecerte un poco larga y pesada (dura 94 minutos) y es probable que prefieras ver otro tipo de películas.

Y ustedes ¿Ya la han visto? Dígannos en los comentarios qué les pareció.

Calificación PLAY: 8.3/10

Chīsana Eiyū: Kani to Tamago to Tōmei Ningen

Título original: Chīsana Eiyū: Kani to Tamago to Tōmei Ningen (ちいさな英雄－カニとタマゴと透明人間－) | Título en Latinoamérica: Héroes modestos | Dirección: Hiromasa Yonebayashi, Yoshiyuki Momose, Akihiko Yamashita | Producción: Yoshiaki Nishimura | Guion: -- | Música: Takatsugu Muramatsu, Masanori Shimada, Yasutaka Nakata | Estudio: Sudio Ponoc | Estreno: 24/ago/2018) | Género: Animación, fantasía, drama, aventura, acción | Protagonistas: Fumino Kimura, Rio Suzuki, Machiko Ono, Sōta Shinohara, Kentaro Sakaguchi, Joe Odagiri, Min Tanaka

Fue toda una sorpresa encontrarme con esta “película” en Netflix, ya tenía algunos días queriendo verla hasta que por fin se me hizo y resulta que esta película no era tal, sino que es una pequeña antología de 3 cortometrajes dirigidos por grandes eminencias de Studio Ghibli.

Sin ir mas lejos, el cortometraje “Kanini & Kanigo” tiene toda la magia de Ghibli y de la que ya les hablé en Mary y la flor de la hechicera, Hiromasa Yonebayashi tiene un estilo muy particular que se asemeja mucho al de Hayao Miyazaki y logra mezclar la cotidianeidad de la vida diaria con elementos fantásticos. En esta historia, Kanini y Kanino son dos pequeños seres con forma humana que viven con su padre en el fondo de un rio, el diseño de los personajes me hace creer que quizás sean Diminutos como en la película de Arriety, pero quien sabe. Este es el corto me más me gustó, tanto la animación como la música son maravillosas, la animación es una mezcla extraña entre animación tradicional y por computadora, y los peces se ven tan realistas que dan miedo.

El segundo corto es “Life ain’t gonna lose”. Shun es un niño que nació con una alergia letal a los huevos, razón por la que su madre hace todo lo posible por protegerlo, desde prepararle comida especial para que no coma lo que dan en la escuela, hasta comprar expresamente cosas que no contengan nada de huevo. Este corto, aunque tiene una historia lineal que abarca algunos días de la vida de Shun, muestra también diversos flashbacks de algunas ocasiones en las que el niño tuvo contacto con huevo y terminaba en el hospital. La animación es sencilla, recuerda mucho a las acuarelas de “El cuento de la princesa Kaguya” o de “Mis vecinos los Yamada”. Este segmento tiene una fuerte carga dramática y te mantiene expectante sobre qué pasará con Shun.

“Invisible” es el último segmento de esta antología y trata de un empleado que es invisible para todos los demás y que, encima, debe cargar siempre con un peso encima para mantenerse en el suelo. Este corto hace una analogía sobre lo que siente una persona ignorada, alguien que siempre pasa desapercibido, una persona que le es indiferente a los demás. Esta historia me pareció muy bonita, quizás la animación en general no esté al nivel de Kanini & Kanino, pero lo compensa al ser capaz de transmitir lo que siente el hombre invisible, su tristeza, su ira, su desesperación y su gratitud. La música de este corto me encanto, en especial cuando el hombre está a punto de irse volando o en cierto suceso que le ocurre al final.

Entre cada uno de los segmentos tenemos una colorida animación de una isla flotante, que en verdad es el proyector que va exhibiendo las películas, y al final tenemos un ending general con una bonita secuencia de los protagonistas de los tres cortometrajes saludándonos como si fuéramos el público y ellos actores de una obra de teatro.

En general es una bonita recopilación de cortos, algo corta sí, pero eso no le quita lo bien hecha que está. ¿La recomendaría? Sí, los tres cortometrajes tienen una fuerte carga emocional y al menos uno les puede gustar aunque no sean fans de la animación japonesa.

¿Ustedes ya la vieron? !Cuéntennos qué les pareció!

Calificación PLAY: 9.3/10

Omoide Poro Poro

Título original: Omoide Poro Poro | Título en Latinoamérica: Recuerdos del ayer | Dirección: Isao Takahata | Producción: Toshio Suzuki | Guion: Isao Takahata | Música: Katz Hoshi | Estudio: Studio Ghibli | Estreno: 20/jul/1991 | Género: Animación, drama | Protagonistas: Miki Imai, Toshirō Yanagiba, Yōko Honna

No tengo palabras para describir esta película. Vi “Recuerdos del ayer” por primera vez hace ya bastantes años (quizás unos 4 o 5) y, siendo honesto, ni siquiera recordaba la trama, y fue una muy grata sorpresa verla nuevamente.

Taeko Okajima es una chica soltera de 27 años que decide irse de vacaciones al campo, ahí aprenderá a cosechar el cártamo, una flor de la cual se obtiene el pigmento rojo para algunos cosméticos, se reencuentra con la familia del esposo de una de sus hermanas y comienza a tener una relación de amistad con Toshio, su cuñado, y con la hermana de éste. Pero eso no es todo, durante su viaje, Taeko comienza a recordar distintas situaciones de su niñez, en especial de su 5to grado, cosas como su primera obra de teatro, la vez que se le declaró un niño de otro salón, la primera vez que probó una piña, entre varias más.

Al igual que en La tumba delas luciérnagas, Isao Takahata nos vuelve a introducir a un mundo común y corriente, no hay elementos mágicos, no hay animales que hablan ni grandes escenas de acción, no hay sustos ni momentos de suspenso. Solo es la historia de una chica citadina que disfruta el campo y recuerda su niñez. Nada más y, sin embargo, la película funciona de manera asombrosa. A lo largo del filme se nos van intercalando escenas del presente con escenas del pasado, incluso en alguna ocasión se juntan para reforzarnos lo que la protagonista quiere transmitir en ese momento.

Las enseñanzas y los mensajes que trata de comunicar la película son muy bonitos, desde el abrazar el pasado hasta el soltar lo que no te hace feliz para poder hacer lo que de verdad quieres hacer. La animación es impecable, me encanta como todas las películas de Ghibli retratan los campos japoneses y ese amor que tienen hacia su cultura, y de igual manera la música no se queda atrás, aunque tampoco es que sea muy memorable. Pero la escena final que vemos mientras inician los créditos finales y al ritmo de la melancólica canción “Ai wa Hana, Kimi wa Sono” es muy poderosa, de hecho, confieso que solté algunas lagrimillas mientras la veía.

Como puntos malos que podrían no ser del agrado de todo el mundo podría decirse que es una película que puede sentirse muy lenta, es muy fácil que muchos espectadores se aburran por la sencillez de la historia y de la animación, así que si no te gusta el cine que narra la vida cotidiana de una persona, esta película no es para ti.

Otra cosa para tomar en cuenta es que la animación no entra dentro de lo estándar en el ánime, aquí se intentó que se viera más realista, por lo que se pueden ver muchas líneas de expresión, en especial cuando los personajes sonríen, y esto puede verse un poco extraño y ligeramente grotesco para alguien que espera otro tipo de animación en una película del país del sol naciente.

Y, habiendo dicho esto, ¿Cuál es el veredicto para “Recuerdos del ayer”? Súper recomendada, pero con algunas excepciones. Es una película muy bonita, cargada con mucha nostalgia por el pasado, con situaciones de quizás muchas personas hayan vivido y con un bonito mensaje, pero si no te gusta el ánime o películas sobre vidas cotidianas, si lo tuyo es más el género de acción, fantasía, terror o comedia, será muy difícil que disfrutes esta película.

¿Ustedes ya han visto esta película? Si es así, cuéntennos qué les pareció, los leemos :)

¡Saludos!

Calificación PLAY: 9.0/10

Ōkami Kodomo no Ame to Yuki

Título original: Ōkami Kodomo no Ame to Yuki (おおかみこどもの雨と雪) | Título en Latinoamérica: Los niños lobo | Dirección: Mamoru Hosoda | Producción: Yuichiro Saito, Takuya Ito, Takafumi Watanabe | Guion: Satoko Okudera, Mamoru Hosoda | Música: Masakatsu Takagi | Estudio: Studio Chizu, Madhouse, Toho | Estreno: 21/jul/2012 | Género: Animación, drama | Protagonistas: Aoi Miyazaki, Takao Osawa, Haru Kuroki

Ya tenía mucho tiempo queriendo ver esta película, y no fue hasta que alguien me la recomendó que por fin me animé y que peliculón.

La película nos narra la historia de Hana, una universitaria que un día se enamora de un “compañero” de la escuela (que en verdad no es un estudiante, es solo un chico que entra de oyente a las clases, únicamente con ganas de aprender), Hana pronto descubre que el hombre al que ama es un hombre lobo (puede transformarse en lobo a voluntad), pero eso no impide que le quiera, finalmente como producto de este amor la pareja tiene 2 hijos: Yuki y Ame, pero la vida de Hana cambia radicalmente cuando, después de dar a luz a su segundo hijo, descubre que su esposo, en forma de lobo, había muerto mientras cazaba algo para comer (lo cual se nos muestra en una escena sumamente triste). Y básicamente eso es la introducción, la historia en general va de Hana luchando por sus hijos, tratando de salir adelante y superando todos los obstáculos que suponen tener dos niños que se transforman en lobo.

Que belleza de película. Cuando veo joyas como ésta, me duele que la gente aún estigmatice las películas animadas (y más si son de Japón) y, al mismo tiempo, no deja de sorprenderme que historias tan sencillas como ésta, “Your name” o Me quiero comer tu páncreas puedan tener tanta magia, y uno como espectador siente el cariño con el que están hechas estas películas.

En cuanto a la animación, impecable. El diseño de los personajes es muy bueno, en especial los de Ame y Yuki quienes, al transformarse en lobos, no dejan de tener sus rasgos característicos. Los escenarios también son excelentes con muchos planos mostrando la campiña japonesa y la vida cotidiana de las personas que siembran el arroz. Si acaso la música me quedó a deber un poco, después de tantas películas animadas japonesas, uno comienza a notar cierto patrón en su musicalización, y en este caso no logra sobresalir, únicamente me queda en la mente el ending que es bastante bonito.

Amé el personaje de Hana, me gustó como se plasmó su evolución y que fuera un personaje tan fuerte a pesar de las situaciones difíciles que tuvo que afrontar, sí tuvo un par de decisiones tontas en algunas partes de la película, pero eso sirve para reafirmarnos que es una persona, que no es perfecta. Por otro lado, los personajes de Ame y Yuki son como hermanos “perfectos”, juegan juntos, se pelean, se preocupan uno por el otro. En este caso me gustó el rol de cada uno de los hermanos y como, poco a poco, van eligiendo su destino y, a pesar de los deseos de su madre, cada uno elige su camino y el cómo quieren vivir, y es ahí en donde llega la enseñanza de la película, el tema principal que yace escondido a lo largo de la historia, que nos enseña sobre la paternidad y el perder a un ser querido, ya sea en forma de muerte o simplemente aprendiendo que los hijos son prestados y debemos dejarlos vivir, dejarlos caerse y levantarse sin que eso implique el dejar de quererlos u olvidarlos.

En cuanto al final… La película es completamente redonda y llega al mejor final de la mejor manera posible o quizás no, más bien llega como un balde de agua fría porque, eso sí, te deja una sensación de vacío en el pecho.

¿La recomendaría? Por supuesto que sí, es una excelente película para ver solo o en familia, si pueden denle una oportunidad, no se van a arrepentir. Y si ya la vieron ¿Qué les pareció?

Calificación PLAY: 9.3/10