The rescuers

Título original: The rescuers | Título en Latinoamérica: Bernardo y Bianca | Dirección: Wolfgang Reitherman, John Lounsbery, Art Stevens | Producción: Wolfgang Reitherman, Ron W. Miller | Guion: Larry Clemmons, Vance Gerry, Ken Anderson, Frank Thomas, Burny Mattinson, Fred Lucky, Dick Sebast, David Michener, Ted Berman | Música: Artie Butler | Estudio: Walt Disney Productions | Estreno: 22/jun/1977 | Género: Animación, aventura | Protagonistas: Bob Newhart, Eva Gabor, Michelle Stacy, Geraldine Page, Joe Flynn, Jim Jordan, John McIntire, Jeanette Nolan, Pat Buttram, Bernard Fox

Basada en la saga literaria “Los rescatadores y Miss Bianca” de Margery Sharp, “Bernardo y Bianca” nos cuenta la historia de dos ratoncitos: Bianca, una ratoncita de sociedad, representante de Hungría; y Bernardo, el conserje de la Sociedad Internacional de Rescate de Ratones, quienes se embarcarán en una aventura para encontrar a la pequeña Penny, que es prisionera de la malvada Madame Medusa. 

En lo personal no soy muy fan de esta película, aunque parece ser que fue muy bien recibida por la crítica en su momento, pero estamos hablando de una película que llegó después de cintas como Winnie Pooh, Robin Hood y Los aristogatos.

Creo que, para mí, el carisma de esta película yace en dos personajes específicamente, siendo el primero Penny, una niña de seis años secuestrada y explotada, que vive con miedo y que solamente anhela que alguien la adopte y la quiera, y aunque su tema musical “Somenone’s waiting for you” no brilla para nada, el solo ver a la niña llorando es suficiente para que a uno se le apachurre el corazón; y el segundo es Madame Medusa. Que mujer tan malvada. Ya habíamos visto antes a villanos carismáticos que no necesitan razones para ser malos, simplemente lo son y ya, vimos a Maléfica (La bella durmiente) que maldijo a un bebé solo porque no fue invitada a una fiesta, o a Cruella de Vil (Los 101 dálmatas) que quería matar a decenas de perritos solo por un abrigo, y aquí tenemos a uno de los villanos Disney más ignorados y subestimados de todos, y es una mujer que secuestra a una niña, la maltrata psicológicamente y la obliga a entrar todos los días a una cueva peligrosa para que consiga un maldito diamante, díganme si esta mujer no es un villano de pies a cabeza, y encima tiene a dos gigantescos cocodrilos de mascotas que usa para intimidar a Penny. Si aguanté viendo esta película fue por ellas dos. Sin duda alguna, mis personajes favoritos de toda esta edad de bronce de Disney. 

Por otro lado, la animación no es lo fuerte de Bernardo y Bianca, vemos animación reciclada (¿o cameos, quizás?) de Bambi y hay muchos detalles que, si hubieran tenido cuidado o si hubieran tenido un inspector de calidad, no habríamos visto en el corte final, como los ojos de Bernardo que, de una escena a otra pasan de estar pintados de blanco a ser del mismo color que su pelaje. 

La música tampoco logra resaltar en ningún momento y es muy fácil de olvidar, de hecho lo único que recuerdo es que mientras la veía pensaba que ese soundtrack me recordaba más a películas como “Mi amigo el dragón” (1977) o incluso a las películas animadas de Don Bluth como “Una ratoncita valiente” (1982) o “Un cuento americano” (1986), siento que quizás no es que fuera mala, solo estaba fuera de época.

Y acabo de darme cuenta de que casi ni he mencionado a Bernardo y a Bianca, nuestros protagonistas, pero es que siento que no hay mucho que decir… Bianca es una socialité húngara que, por alguna extraña razón que no explican en ningún momento, comienza a tener una relación sentimental con Bernardo, de hecho ni siquiera sabemos bien por qué lo escoge a él para que la acompañe en su misión (recordemos que es el conserje) en lugar de algún otro miembro mejor preparado. Realmente no son protagonistas carismáticos ni interesantes si los comparamos con Penny o Madame Medusa. 

Pero en fin ¿Recomendación o no? Creo que sí la recomendaría, siento que el mérito de esta película es que Disney se arriesgara a tener una historia un poco más madura (y más viendo que venimos de Winnie Pooh que era puramente infantil), así que si no la han visto a estas alturas, no duden en echarle un ojo. 

¡Y ya nos adentramos en la Edad oscura de Disney! La siguiente reseña del estudio será de “El zorro y el sabueso”, a ver cómo le va jajaja. 

¡Saludos! 

Calificación PLAY: 7.0/10

The many adventures of Winnie the Pooh

Título original: The many adventures of Winnie the Pooh | Título en Latinoamérica: Las aventuras de Winnie Pooh | Dirección: John Lounsbery, Wolfgang Reitherman | Producción: Wolfgang Reitherman | Guion: Larry Clemmons, Ralph Wright, Vance Gerry, Xavier Atencio, Ken Anderson, Julius Svendsen, Ted Berman, Eric Cleworth | Música: Richard M. Sherman, Robert B. Sherman, Buddy Baker | Estudio: Walt Disney Productions | Estreno: 11/mar/1917 | Género: Animación, antología, musical | Protagonistas: Sterling Holloway, John Fiedler, Junius Matthews, Paul Winchell, Howard Morris, Bruce Reitherman, Jon Walmsley, Timothy Turner, Sebastian Cabot

“Las aventuras de Winnie Pooh” es el clásico animado número 22 de Walt Disney y aquí se retoma una de las épocas “oscuras” del estudio: La era empaquetada. En esta nueva película tenemos 3 cortometrajes previamente estrenados hasta diez años antes y, por lo mismo, se le considera la última película animada en la que participó el mismo Walter Disney pues él aún vivía cuando se estrenó el primer corto (Winnie Pooh y el árbol de miel, 1966) y supervisó la producción del segundo (Winnie Pooh y el bosque encantado, 1968). Algo que diferencia esta película de otras de las empaquetadas es que en esta ocasión se modificaron los finales de cada corto para hacer una historia más lineal. 

Ahora sí, vayamos por partes. El primer corto (… el árbol de miel) nos narra los intentos de Winnie Pooh para conseguir algo de miel, los cuales van desde “disfrazarse” de nube negra hasta pedirle algo de miel a su amigo Conejo, quedándose atascado en su madriguera. El segundo corto (… El bosque encantado) trata sobre como el cambiante clima del bosque de los 100 acres afecta el día normal de sus habitantes, tenemos segmentos de vientos fuertes que terminan tumbando la casa de Buho y hasta una inundación. También se nos introducen a los Efelantes y las Wartas en una secuencia que reutiliza animación de los elefantes rosas de Dumbo. El tercer cortometraje es “Winnie Pooh ¡y Tigger también!” de 1974 en el que se profundiza un poco más en el personaje de Tigger y su relación con otros como Conejo y Rito; y, finalmente, tenemos una secuencia nueva para la época que narra la despedida de Pooh y Christopher Robin.

Siendo honesto, “Las aventuras de Winnie Pooh” es una película bonita, sí, pero solo si eres un niño de entre 1 y 7 años. Aunque hay escenas que recuerdo con muchísimo cariño (como Pooh atorado en la madriguera de Conejo, la canción de la gimnasia o la canción de Tigger) lo cierto es que la inocencia e ingenuidad de los personajes no se presta para que los adultos disfrutemos de esta película. Lo único que sí me gustó es que la animación está hecha emulando un libro, así que podemos ver a los personajes interactuando con el narrador y con las mismas letras escritas en sus páginas (algo que veríamos después en el videojuego de Kingdom Hearts). 

La música es bonita también, pero nada memorable ni que resalte en comparación de otras producciones, creo que los hermanos Sherman han tenido mejores trabajos (Mary Poppins, por ejemplo) y aquí sus canciones no logran brillar tanto aunque si tenemos algunas que sobresalen como “Es Winnie Pooh”, Elefantes y Wartas”, “La gimnasia” y “Lo que hay de prodigio en los Tiggers” pero de nuevo, están hechas para un público meramente infantil.

En fin. ¿Lo recomendaría? Lamentablemente no, esta película es completamente infantil y está muy bien si tienen algún niño pequeño en casa, pero si quieren apreciar una buena película animada, entonces esta no es la mejor opción. 

Calificación PLAY: 6.0/10

Robin Hood

Título original: Robin Hood | Título en Latinoamérica: Robin Hood | Dirección: Wolfgang Reitherman | Producción: Wolfgang Reitherman | Guion: Larry Clemmons, Ken Anderson, Vance Gerry, Frank Thomas, Eric Cleworth, Julius Svendsen, David Michener | Música: George Bruns | Estudio: Walt Disney Productions | Estreno: 08/nov/1973 | Género: Animación, musical, aventuras | Protagonistas: Peter Ustinov, Phil Harris, Brian Bedford, Terry-Thomas, Roger Miller, Pat Buttram, George Lindsey, Andy Devine

Basada en la clásica leyenda de Robin Hood, el famoso bandido que roba a los ricos para darle a los pobres, el vigésimo primer clásico animado de Disney sigue las aventuras de un zorro antropomórfico en el papel del bandido, acompañado de todo un grupo de animales habitantes de Nottingham, quienes deben soportar los abusos del Príncipe Juan y sus compinches: el sheriff y Sir Hiss. 

Algo que es imposible no notar al ver esta película es el abuso de las escenas “recicladas” o “calcadas” de otros clásicos, sin irnos más lejos el pequeño Juan es una copia de Baloo, las escena del baile de “Quiero ser como tú” (El libro de la selva) es reutilizada aquí para la secuencia de “El rey inglés pelele” junto con los bailes de Blancanieves con los siete enanos en “La canción tonta” (Blancanieves) y el baile de Duquesa y Thomas O’malley en “Todos quieren ser ya gatos jazz” (Los aristogatos). El diseño de Sir Hiss también nos recuerda a Kaa, los elefantes tienen una escena calcada también del Coronel Hathi, los músicos que tocan “El rey inglés pelele” también son calcados de los gatos jazz, y casi podría apostar que los cocodrilos son muy similares a los que aparecen en “La danza de las horas” (Fantasía). ¿Se les puede recriminar? Lo cierto es que no. Recordemos que para la época el estudio de animación estaba teniendo bastantes problemas para salir adelante y pasarían varios años pendiendo de un hilo por el temor a que los cerraran en favor de las películas live action, así que se entiende que hicieran lo posible por abaratar costos.

Otro de los puntos que juegan en contra de este clásico es la falta de buenos temas musicales, salvo el intro silbado por el gallo Alan-a-Dale, ninguna canción resalta por ser precisamente buena y comenzamos a ver la tendencia a irse por temas un poco más oscuros (estamos a nada de entrar en la edad oscura) como el robo desalmado por parte del sheriff (como olvidar esa escena del cumpleaños del conejito o la escena de los ratoncitos y el fraile), los intentos por matar a Robin Hood y el romance prohibido entre Robin y Lady Marian (quien estaba por ser obligada a casarse con el príncipe Juan). 

La animación sigue los mismos pasos que sus predecesoras con muchos escenarios estáticos y personajes en los que se notan los trazos “sin terminar”. Creo que lo único a resaltar aquí es el diseño de los personajes (obviando al pequeño Juan y a Sir Hiss), Robin Hood, Marian, el fraile, la familia de conejos, el sheriff y los buitres carceleros, todos son diseños de animales antropomorfos bastante interesantes y con una selección más que curiosa (El zorro que roba, el león cobarde, el lobo obeso, los conejos prolíficos) que no volveríamos a ver hasta el estreno de Zootopia más de 40 años después.

Como uno de los puntos buenos y que me gustaría resaltar es el hecho de que Disney se arriesgara a hacer películas cada vez menos infantiles, tendencia que veríamos desarrollarse desde finales de los años 70, por toda la década de los 80 y principios de los 90, eso es algo que Disney jamás ha vuelto ni volverá a hacer.

Ahora bien, ¿La recomendaría? En lo personal, Robin Hood es una de esas películas que con más cariño recuerdo de mi niñez (completando la tercia de Los tres caballeros y Fantasía), siento que tanto Disney como los años han sido algo injustos con ella, no es la mejor película de Disney, pero creo que es algo a lo que todos deberían de darle una oportunidad. Así que sí, sí la recomendaría. 

Calificación PLAY: 7.3/10

The aristocats

Título original: The aristocats | Título en Latinoamérica: Los aristogatos | Dirección: Wolfgang Reitherman | Producción: Winston Hibler, Wolfgang Reitherman | Guion: Ken Anderson, Larry Clemmons, Eric Cleworth, Vance Gerry, Julius Svendsen, Frank Thomas, Ralph Wright | Música: George  Bruns | Estudio: Walt Disney Productions | Estreno: 24/dic/1970 | Género: Animación, aventura, musical | Protagonistas: Phil Harris, Eva Gabor, Hermione Baddeley, Gary Dubin, Dean Clark, Sterling Holloway, Roddy Maude-Roxby, Liz English

Basada en la historia de “Los Aristogatos” de Tom McGowan y Tom Rowe, el vigésimo clásico animado de Disney nos narra la historia de Duquesa y sus pequeños Marie, Toulousse y Berlioz, los gatos mimados de Madame Adelaide Bonfamille, una cantante de ópera dueña de una gran fortuna, y de cómo estos son secuestrados por Edgar, el mayordomo de Madame, con tal de quedarse con la fortuna de su jefa, fortuna que pasaría a él con la desaparición de dichos gatos.

No me cansaré de decirlo, el mayor problema de los clásicos de la era de bronce de Disney es la pobre animación con sus escenarios estáticos y el método de animación usado en sus personajes, que hacen que se noten los trazos al moverse, y eso hace que la película se sienta más vieja de lo que en verdad es. 

Algo que también me brincó bastante es que es la primera vez que notó algunos errores de continuidad en un clásico de Disney, vi dos y ambos fueron en la misma escena. En una parte Edgar carga un costal anudado y lo lanza adentro de un baúl, en donde descubrimos que el nudo ha desaparecido, y después de la escena de acción, minutos más delante, vemos que alguien cierra el mismo baúl sin candado, lo empuja por la puerta y cuando sale del otro lado ya tiene el candado puesto.

Como puntos buenos… creo que lo que más disfruté fue la segunda mitad del filme, desde poco antes del gran clásico “Todos quieren ser ya gatos jazz / Everybody wants to be a cat” y de ahí hasta el final. Me parece que son las mejores secuencias de toda la película. 

En cuanto a los personajes, solamente hubo un par cuyas escenas se notaban claramente de relleno y me refiero a Napoleón y Lafayette, estos dos perros no tienen un por qué en la historia más que aportar minutos de metraje pues sus escenas son, francamente, ridículas y sin sentido. El villano me recuerda mucho a Cruella de Vil de Los 101 dálmatas, y aunque ni de lejos es tan carismático como ella, funciona muy bien su papel en la historia, y lo mismo pasa con el ratoncito Roquefort, cuyo diseño y papel en la historia es sumamente tierno. Del grupo protagonista (O’Malley, Duquesa, Marie, Toulousse y Berlioz) me gustaría resaltar que el doblaje de Thomas O’malley en español latino cuenta con la voz del gran Tintan y es magnífico, aunque en ratos sonaba como escuchar de nuevo a Baloo (El libro de la selva).

Como datos curiosos, hay unas escenas que, con lo políticamente correcto de hoy en día, podrían considerarse ofensivas, como es el caso de la canción “Todos quieren ser ya gatos jazz” que muestra a un gato con todos los estereotipos racistas de los chinos, o incluso la escena de O’malley tratando de seducir a Duquesa hasta que se da cuenta de que tiene 3 hijos. 

¿La recomendaría? Creo que sí, siendo honesto no es una buena película, pero tampoco es mala, siento que simplemente está en ese limbo artístico/creativo en el que el estudio no sabía que hacer con el departamento de animación tras la muerte de Disney, pero no por eso quiere decir que no van a disfrutar esta película. 

¿Ustedes la han visto? Cuéntennos qué les parece en los comentarios. 

Calificación PLAY: 7.0/10

The jungle book

Título original: The jungle book | Título en Latinoamérica: El libro de la selva | Dirección: Wolfgang Reitherman | Producción: Walt Disney | Guion: Larry Clemmons, Ralph Wright, Ken Anderson, Vance Gerry, Bill Peet | Música: George Bruns | Estudio: Walt Disney Productions | Estreno: 18/oct/1967 | Género: Animación, musical, comedia | Protagonistas: Sebastian Cabot, Phil Harris, Sebastian Cabot, George Sanders, Sterling Holloway, John Abbott, Louis Prima, Bruce Reitherman

Basado en el libro homónimo de Rudyard Kipling, El libro de la selva narra las aventuras del Mowgli, un cachorro humano que, tras ser descubierto por la pantera Bagheera, termina viviendo con una manada de lobos. Todo es paz y tranquilidad hasta que llegan rumores del regreso del malvado Shere Khan, un tigre que odia a los humanos, por lo que se decide que Mowgli debe volver a la aldea de los humanos.

Al ver por orden cronológico los clásicos animados de Disney, es triste llegar a esta película. El libro de la selva marca el fin de una era en el estudio (la edad de plata) y lo hace de la peor manera pues se convierte en la última película animada producida por el señor Walt Disney, quien moriría 10 meses antes del estreno, lo que dejaría al área del estudio dedicada a las películas animadas sin un norte y entrando en un periodo de pausa hasta 1970.

Al igual que con Los 101 dálmatas, La espada en la piedra y varias de las películas que vendrían después, El libro de la selva sufre de una animación muy por debajo de lo que Disney nos había ofrecido en el pasado. Pero, a diferencia de las películas anteriores, los escenarios aquí sí que resaltan y, aunque en su mayoría son estáticos, no dejan de resultar espectaculares las escenas de esa selva india, el palacio del Rey Louie y ese paramo en donde se desarrolla la batalla final. El diseño de los personajes también es bueno, se retoma la humanización de los animales y me gustó ver cómo cada diseño reflejaba el carácter del personaje.

La música es muy buena también, desde el score de George Bruns (La bella durmiente, La espada en la piedra) que es inconfundible y más rescatable que varios de sus trabajos, hasta las canciones de los hermanos Sherman (Operación cupido, La espada en la piedra, Mary Poppins) que, a la fecha, son clásicos de clásicos. Temas como “La marcha de los elefantes / Colonel Hathi’s march” o “Quiero ser como tú / I wan’na be like you”, “Confía en mí / Trust in me”, o incluso la fantástica “Lo más vital / The bare necessities” (que no es de los Sherman) son canciones que suenan hasta nuestros días.

Lamentablemente, fuera de eso, retomamos los cortes a negro que nos dejan la sensación de que la película se divide claramente en una serie de cortos en vez de ser una película solida (aunque me parece que eso es similar a la novela original, que mantiene esa especie de periodicidad cíclica) y, aunque cuenta con personajes carismáticos en su mayoría (siendo Mowgli el menos), la historia flojea cuando llega al tercer acto, justo después de alcanzar su momento cumbre en las secuencias de Baloo y el rey Louie, la historia comienza a decaer y tornarse algo aburrida, y la soporífera canción de los buitres tampoco ayuda.

Otra cosa que noté con este nuevo revisionado es el final y su extraña moraleja, prácticamente te están diciendo que lo más importante es la amistad (lo cantan los buitres antes del final) pero que está bien dejar a tus amigos votados si se te atraviesa una chica.

Finalmente ¿La recomendaría? Sí, sin haber visto aún (de nuevo) las películas que siguen y basándome en lo que recuerdo de ellas, creo que “El libro de la selva” es de lo mejorcito que sacó Disney en las décadas de los 60’s y 70’s en cuanto a animación, así que no estaría mal que le echen un ojo si es que no lo han hecho.

Calificación PLAY: 7.3/10

The sword in the stone

Título original: The sword in the stone | Título en Latinoamérica: La espada en la piedra | Dirección: Wolfgang Reitherman | Producción: Walt Disney | Guion: Bill Peet | Música: George Bruns | Estudio: Walt Disney Productions | Estreno:  25/dic/1963 | Género: Animación, comedia, fantasía | Protagonistas: Rickie Sorensen, Karl Swenson, Junius Matthews, Sebastian Cabot, Norman Alden, Martha Wentworth

“La espada en la piedra” nos narra de una manera muy particular el inicio de los mitos artúricos, siendo una adaptación libre del libro “La espada en la piedra” de T.H. White. En la película conocemos a Arturo aka Grillo, un huérfano enclenque adoptado por Sir Ector y que, de manera fortuita, conoce al mago Merlín y su búho Arquímedes, quienes terminan convirtiéndose en sus mentores para enseñarle que no todo en la vida es caballerismo y fuerza bruta.

Tal y como sucedió con Los 101 dálmatas, aquí la animación tiene un visible retroceso, ya no comparándola con joyas como La Cenicienta o La bella durmiente, que son un poco más contemporáneas a esta película, sino incluso se nota una calidad menor que lo visto en Blancanieves o Pinocho, filmes con alrededor de 20 años más que La espada en la piedra.

Desde el inicio de la película se siente ciertos aires similares a los de La bella durmiente, principalmente por el contexto medieval, e incluso estoy casi seguro de que hay una animación reciclada en la escena en la que Merlín encanta algunos artículos de cocina para que se limpien solos (fíjense en los trapeadores), hay también una reminiscencia a La Cenicienta en la escena en la que Grillo llora en la cocina y aparece Merlín para consolarlo. Ya sea que fuera animación reciclada o alguna especie de guiño, no termina de funcionar y la película no es capaz de repuntar en ningún momento.

Otro detalle que me pareció cuanto menos curioso es que la película está formada por segmentos bastante diferenciados entre sí (Tenemos cinco en total: El inicio y hasta que Arturo y Merlín llegan al castillo; la escena de los peces, la escena de las ardillas, la batalla contra Madam Mim y el final), caso muy similar a lo que viéramos en Pinocho o Alicia en el País de las Maravillas, pero a diferencia de esas películas que tenían múltiples directores, aquí solo hay uno, por lo que no entiendo el porqué de esa notoria división. Al principio creí que era cosa mía, pero investigando un poco vi que incluso hubo 3 actores diferentes para darle voz a Arturo/Grillo en los diferentes segmentos e incluso hay una escena en la que la voz cambia indiscriminadamente de uno a otro (esto en el idioma original).

La música de George Bruns (La bella durmiente, Los 101 dálmatas) también es un punto débil aquí, ni siquiera las canciones de los hermanos Sherman (Mary Poppins, Winnie Pooh) se salvan, pues salvo Higitus Figitus no hay una sola pieza musical que identifique al filme (lo cual es demasiado triste pues tampoco es que esa canción sea destacable).

Pero no todo aquí es malo ni mucho menos, como cosas rescatables de la cinta, me gustaría mencionar el diseño caricaturesco de los personajes, en especial de ambos magos: Merlín y Madam Mim, quienes, a pesar de no estar en una de las películas más reconocidas del estudio, han sabido llegar hasta nuestros días, ya sea gracias a las tiras cómicas de Mickey Mouse y las Patoaventuras (Madam Mim) o en la exitosa saga de videojuegos Kingdom Hearts (Merlín). En lo personal, me gustó mucho redescubrir a Madam Mim, que es mala nomas porque sí, una bruja que solo quiere dañar gente, en especial si son protegidos de Merlín, su archienemigo, quien es un poco más atolondrado y dado a la frustración cuando la gente no hace lo que él espera que hagan. Sumado a este par, me gustaría también resaltar el papel de Arquímedes, el mordaz búho de Merlín, quien hace algunos comentarios simpáticos en los momentos justos, algo que se agradece en una película en la que el guion no es lo mejor.

Ahora ¿La recomendaría? Es una decisión difícil, pero creo que no, lamentablemente “La espada en la piedra” no es una película que resalte ni que tenga mucho que ofrecer, salvo el haber sido realizada por Disney, la historia flojea más de lo debido y su animación tampoco es la mejor. Con este filme se sienta ya la llegada de las eras oscuras de Disney.

Calificación PLAY: 6.0/10

101 dalmatians

Título original: 101 dalmatians | Título en Latinoamérica: 101 dálmatas o La noche de las narices frías | Dirección: Wolfgang Reitherman, Hamilton Luske, Clyde Geronimi | Producción: Walt Disney | Guion: Bill Peet | Música: George Bruns | Estudio: Walt Disney Productions | Estreno: 25/ene/1961 | Género: Animación, aventura | Protagonistas: Rod Taylor, Cate Bauer, Betty Lou Gerson, Ben Wright, Bill Lee, Lisa Davis, Martha Wentworth

Basada en el libro homónimo de Dodie Smith, Los 101 dálmatas nos narra la historia de Pongo, un perro dálmata que, harto de la vida de soltero (tanto de él como de su amo Roger) decide conseguirle (y conseguirse) una pareja y es así como llegan a sus vidas Anita y Perdita. ¿El resultado? Dos bodas y 15 cachorritos. Pero la malvada Cruella De Vil entra en escena y decide secuestrar a los cachorros de dálmatas para hacerse un abrigo de piel.

Confieso que esta película solo la había visto cuando era niño (Estoy casi seguro de que la vi por última vez hace más de 20 años), y fue una grata sorpresa poder verla de nuevo pues había muchas cosas que no recordaba.

Algo que notamos desde el inicio del filme es el cambio en la introducción que, siendo honesto, se ve un poco raro para una película animada de Disney, pero curiosamente es un intro divertido y la música que lo acompaña es buena.

Sin duda, lo que le da vida a los 101 dálmatas es su villano. Si en La bella durmiente tuvimos a la reina de los villanos Disney, en esta película tenemos a la 2da al mando. Y es que, a diferencia de Maléfica que es un hada, Cruella es una simple mortal. Es una mujer capaz de secuestrar a 99 cachorros de dálmatas solo para matarlos y poder tener un abrigo blanco con manchas negras, es una mujer a la que no le importan las consecuencias de sus actos (llegando incluso a querer lastimar a personas inocentes únicamente para atrapar a los perros) y que demuestra no tener empatía alguna hacia Anita y Roger, a pesar de ser su amiga.

Algo que me gustó también, aunque ya es más de manera muy personal, es que, salvo unas escenas cómicas al mero inicio de la película, la película tiende a un tono más serio, la trama va en una espiral descendente de frustración al ver el esfuerzo que hacen Pongo y Perdita para rescatar a sus hijos de una muerte segura para después verlos sufriendo por el frio mientras se esconden de la malvada mujer que los persigue, llegó un momento en la película en que, aunque ya conocía el final, estaba al borde del asiento totalmente tenso porque parecía que Cruella los encontraría (Jaja, así de ridículo soy con algunas películas).

Algo que juega en contra de la película es la animación en general y sus fondos en particular, es la primera vez que veríamos en una película de Disney, fondos estáticos y unicolor, cosa que, si lo comparamos con las películas que le precedieron (La bella durmiente, La dama y el vagabundo, Peter Pan, entre otras), deja mucho que desear.

En cuanto a la animación de los personajes se siente un poco descuidada al mostrarnos los trazos previos, incluso, llega al grado de mostrarnos personajes coloreados de manera distinta a cómo se muestran en la mayor parte del filme. Esto no es malo per se, puesto que la animación fue hecha así a propósito para poder abaratar los costos de producción, pero eso no le quita que se sienta como un paso atrás en la calidad a la que nos tenían acostumbrados. Se nota también que aquí Disney comenzó a reutilizar diseños y animaciones de películas anteriores como es el caso de Nanny, cuyo diseño es sospechosamente similar al de las hadas de La bella durmiente; y en determinada escena se pueden apreciar a varios personajes de La dama y el vagabundo (Reina, Jock, Peg, entre otros) ayudando a correr la voz sobre los perritos secuestrados.

Ahora la pregunta del millón ¿Recomendación o antirrecomendación? La verdad es una película bonita, la música es buena y la animación, aunque se siente algo floja, no es algo que afecte mucho a la experiencia y no tiene ningún desperdicio, a pesar de su tono serio, ceo que puede ser disfrutada tanto por niños como por adultos.

Calificación PLAY: 7.3/10

Sleeping beauty

Título original: Sleeping beauty | Título en Latinoamérica: La bella durmiente | Dirección: Clyde Geronimi, Eric Larson, Wolfgang Reitherman, Les Clark | Producción: Walt Disney | Guion: Erdman Penner, Milt Banta, Winston Hibler, Bill Peet, Joe Rinaldi, Ted Sears, Ralph Wright | Música: Tchaikovsky, George Bruns | Estudio: Walt Disney Productions | Estreno: 29/ene/1959 | Género: Animación, musical, romance, fantasía | Protagonistas: Mary Costa, Bill Shirley, Eleanor Audley, Verna Felton, Barbara Luddy, Barbara Jo Allen, Taylor Holmes, Bill Thompson

Basada en el cuento de Charles Perrault, La bella durmiente nos narra la historia de la joven princesa Aurora, que es maldecida por la malvada Maléfica (nomas porque sí, porque no la invitaron a un bautizo) a pincharse un dedo con el huso de una rueca en su cumpleaños número 16 y, así, estar condenada a dormir hasta que reciba un beso de amor verdadero.

Confieso que desde niño he amado esta película, la animación siempre me ha parecido espectacular y la música, adaptada directamente del ballet de Tchaikovsky, no se queda atrás. De hecho, el usar esa musicalización fue un gran acierto (y me hace desear que Disney ojalá hubiera adaptado El lago de los cisnes con un tratamiento igual) y nos regala momentos musicalmente mágicos como cuando las hadas se preparan para el cumpleaños de la princesa, o cuando están durmiendo a todo el reino, incluso las escenas de Aurora y Felipe en el bosque se han vuelto clásicas y, siento, que es gracias a la canción “Once upon a dream/Eres tú el príncipe azul”.

Otro acierto por parte de Disney, fue dotar a las hadas de nombre y personalidad propia (tal y como hiciera con los enanos de Blancanieves), así en lugar de trece hadas (si no mal recuerdo del cuento original), tenemos solo 3 que conviven y pelean como si fueran hermanas, en especial Flora y Primavera, teniendo a Fauna como mediadora. Y finalmente tenemos al villano de villanos, el hada malvada Maléfica, una mujer que es mala nomas porque sí, una mujer que representa al mal encarnado, alguien a quien Disney se ha encargado de poner como la reina suprema de los villanos (esto se puede ver principalmente en los especiales de Halloween y en el videojuego de Kingdom Hearts). Fuera de los protagonistas y las cuatro hadas, los personajes no aportan realmente nada a la historia, llegando a resultar realmente irrelevantes como es el caso de la reina Leah (la madre de Aurora), que solo está ahí por estar. Los escenarios también están bastante bien hechos, desde el diseño del castillo, el bosque y la guarida de Maléfica, todos con diseños muy medievales, además de que es la única película de Disney que puede presumir árboles cuadrados.

Entre las curiosidades de esta película podemos decir que utiliza escenas descartadas de las anteriores películas de princesas de Disney, como cuando Maléfica captura al príncipe Felipe y éste escapa del calabozo (originalmente pensada para el príncipe Ferdinand de Blancanieves, se eliminó porque los animadores tenían dificultades animando figuras masculinas que lucieran “reales”), y la escena final del baile sobre nubes entre Aurora y Felipe (originalmente pensada como un sueño de Cenicienta y el príncipe Encantador, eliminada por alentar la trama).

Si tuviera que decir algo malo al respecto de esta película, sería algo ligeramente ajeno a la película en sí, y es el redoblaje mexicano. Hace ya muchos años, Disney no quiso pagarle regalías de las ediciones caseras a las actrices mexicanas que hicieron las voces en español de varias de sus películas (Blancanieves, Cenicienta, La bella durmiente y La dama y el vagabundo son las que recuerdo), y para evitar las demandas interpuestas por esas mujeres, Disney México optó por hacer un nuevo doblaje, mucho más barato y de menor calidad que el trabajo realizado anteriormente, lo que ocasionó que películas como Cenicienta y La bella durmiente perdieran las letras originales de sus canciones y las voces que todo el mundo conocía, y en esta película es especialmente notorio en la voz de Maléfica, cuyo nivel actoral de la actriz de doblaje no logra transmitir la maldad de la voz original y se queda muy por debajo de, incluso, la madrastra de Cenicienta (lo cual ya es mucho decir).

En definitiva, ¿la recomendaría? Sí, sí y sí. Es una película bellísima, la animación es muy buena, la música también y la historia tiene un muy buen balance entre acción, romance, comedia y canciones, lo único que recomendaría es que, si conocieron el doblaje original, véanla en su idioma original (o en algún otro), así se evitarán corajes por lo malo de las “nuevas” voces en español latino.

Calificación PLAY: 9.0/10