Aladdin

Título original: Aladdin | Título en Latinoamérica: Aladdín | Dirección: John Musker, Ron Clements | Producción: John Musker, Ron Clements | Guion: Ron Clements, John Musker, Ted Elliott, Terry Rossio | Música: Alan Menken | Estudio: Walt Disney Feature Animation | Estreno: 25/nov/1992 | Género: Animación, musical, fantasía | Protagonistas: Scott Weinger, Robin Williams, Linda Larkin, Jonathan Freeman, Frank Welker, Gilbert Gottfried, Douglas Seale

Aladdín es un joven de la calle que vive de robar, una rata callejera que se limita a sobrevivir en un reino en el que el más mínimo crimen se castiga de manera severa. Por otro lado, Jazmín es la clásica princesa mimada que cree que su situación (el ser obligada a casarse para convertirse en sultana) es peor que la pobreza extrema que vive su gente. 

Por azares del destino ambos jóvenes se conocen y sentirán el flechazo del amor a primera vista, cosa que desencadena en la supuesta muerte de Aladdín, quien será “reclutado” por Jafar, el visir del sultán, para que le consiga su tan ansiada lámpara maravillosa y así poder gobernar a sus anchas. 

Tras el éxito de “La sirenita” la dupla Musker-Clements regresa con una nueva cinta para el estudio, acompañados de nueva cuenta por otra gran dupla: Alan Menken y Howard Ashman, aunque si bien, Ashman falleció incluso antes del estreno de “La bella y la bestia”, también dejó bastantes canciones escritas para Aladdín (De las cuales, solo tres fueron incluidas debido a cambios en la historia, por lo que se requirió a Tim Rice para escribir nuevos temas) y la historia ya le había demostrado a Disney que estos 4 juntos eran un éxito garantizado. Y es precisamente la música la que le da vida a Aladdín.

Con temas clásicos como “Un salto adelante / A jump ahead”, “Un amigo fiel / Friend like me”, “Un mundo ideal / A whole new world”, este soundtrack no tiene nada que envidiarle a La bella y la bestia, con esos primeros acordes árabes, logran adentrarnos en la atmosfera de Agrabah y las canciones logran mover la historia (a diferencia de Frozen 2, de la que ya les hablaré más adelante). 

La animación es buena y aunque se siente vieja si lo comparamos con películas contemporáneas, no se siente tanto como con La sirenita. Aunque un detalle difícil de pasar por alto es que hay fotogramas bastante extraños, la mayoría involucrando a Aladdín o al genio y sus transformaciones jajaja, esto creo que se debe a los personajes sumamente caricaturizados que tenemos aquí, incluso en varias escenas el genio nos recuerda más a la animación de Tex Avery (Bugs Bunny, el pato Lucas, Porky, entre otros personajes de las famosas Fantasías Animadas de Ayer y Hoy, o Merry Melodies en inglés) que al mismo Disney, que se reconocía por sus animaciones un poco más realistas. 

Otro punto que me gustó es que la película no teme mostrar situaciones ligeramente más adultas, y no me refiero a pueblerinas que sufren del síndrome de Estocolmo, o sirenas que pactan con brujas, ni siquiera a esqueléticos reyes que quieren crear un ejército de zombis, sino más bien a que en Aladdín, vemos un claro intento de homicidio hacia el protagonista y a una princesa que utiliza su sexualidad contra el villano, escena que, por cierto, culmina con el beso más asqueroso de los clásicos animados de Disney. 

Como punto malo. Revisionando esta película me he quedado con la sensación de que Aladdín ha envejecido bastante mal pues tenemos muchísimas referencias pop de inicios de los 90 y finales de los 80, todas de mano del genio. Estamos a 18 años del estreno de la película y es más que probable que si no vivimos en Estados Unidos en ese periodo de tiempo específico, no nos suenen ni de broma nombres como Mary Hart, Ed Sullivan, Peter Lorre, Rodney Dangerfield, Adrian Cronauer, entre muchas personificaciones más que hace el genio. Esto no es algo que afecte la experiencia, pero creo que varios chistes darían más gracia si supiéramos de lo que hablan. 

Un detalle curioso es que una de las canciones (Noches de arabia / Arabian nights) sufrió de censura, la versión original que salió en el cine decía: 

"Where they cut off your ear if they don't like your face" 

“Y si ahí les caes mal, te van a mutilar” 

Mientras que, en las versiones subsecuentes, fue cambiado por: 

"Where it's flat and immense and the heat is intense" 

“Extensión colosal, resplandor singular” 

Cosa que no tiene mucho sentido pues, en español, la frase siguiente permaneció intacta, diciendo: “Que barbarie, pero es mi hogar” (refiriéndose a la mutilación). 

Y pues es todo por hoy, ¿Recomendación o anti-recomendación? Creo que hasta tonto es preguntarlo, estamos entrando en el punto más álgido del renacimiento de Disney y en toda la década de los 90, no hay una sola película de los clásicos animados que no valga la pena ver, así que en definitiva esta es una súper recomendación. 

Calificación PLAY: 8.8/10

Monsters University

Título original: Monsters University | Título en Latinoamérica: Monsters University | Dirección: Dan Scanlon | Producción: Kori Rae | Guion: Dan Gerson, Robert L. Baird, Dan Scanlon | Música: Randy Newman | Estudio: Walt Disney Pictures, Pixar Animation Studios | Estreno: 21/jun/2013 | Género: Animación, comedia | Protagonistas: Billy Crystal, John Goodman, Steve Buscemi, Helen Mirren, Peter Sohn, Joel Murray, Sean Hayes, Dave Foley, Charlie Day, Nathan Fillion

Muchos años antes de que Sulley y Mike fueran los amigos que vimos en Monsters, Inc. Ambos monstruos fueron a la universidad cono la firme determinación de convertirse en asustadores. Tras una serie de desafortunadas circunstancias, ambos ven sus carreras pendiendo de un hilo y deben declararse ganadores en las Sustolimpiadas con una fraternidad conformada por un grupo de perdedores si es que quieren retomar sus estudios. 

Honestamente, esta es una secuela (precuela, más bien) que nadie pidió y que vio la luz, más que nada por órdenes de Disney para vender muñecos y figuras. Recordemos que cuando salió Toy story, Disney inmediatamente exigió una secuela y, tras la negación de Pixar, comenzó a trabajar por su cuenta en ella, no fue hasta que la gente de Pixar vio el bodrio que estaba haciendo Disney con sus personajes que comenzaron a trabajar ellos en Toy story 2. Pues aquí ocurrió algo similar, ante la negativa de Pixar de hacer una continuación de Monsters, inc. En el 2005, Disney comenzó a trabajar en su propia secuela con el estudio Circle 7 Animation, luego vino la compra de Pixar en 2006, se desechó ese proyecto y Pixar comenzó a trabajar en la secuela. 

Comenzando por lo bueno, la animación de Pixar es una mención obligada, desde Valiente vimos el nivel de detalle en la cabellera de Mérida y ahora lo vemos en el pelaje de Sulley. 

Y creo que realmente es lo único bueno del todo. Cosa rara porque realmente no creo que tenga cosas malas tampoco, solo detalles por aquí y por allá que no dejan que la película esté a la par de grandes clásicos del estudio. 

La historia es sumamente sencilla: es la clásica historia de un grupo de perdedores en una escuela que deben enfrentarse a los que les hacen bullying para demostrar que valen algo. Creo que la trama avanza a tropezones, al menos hasta el momento en que empiezan las Sustolimpiadas, que es cuando comienza lo interesante y vemos a nuestros protagonistas y su grupo de perdedores prepararse para las distintas competencias. 

Lamentablemente, después de lo que parece el final, la trama se estira durante otros 15 minutos para mostrarnos algo que era completamente imprescindible, pero eso sí, con algunos cameos de personajes que aparecieron en la entrega anterior. 

En cuanto a los personajes, ambos son insoportables durante la mayor parte de la película, pero sí que vemos una evolución, notablemente encaminada a sus “yos” de Monsters, Inc., ¿Eso es malo? No realmente. Incluso me gustó la manera tan tonta como hicieron que Randall odiara a Sulley. Lamentablemente, fuera de ellos tres, todos los demás personajes son estereotipos de películas escolares. 

¿La recomendaría? Lo cierto es que no es mi cinta favorita de Pixar, pero tampoco creo que sea tan mala. Es dominguera, así que, supongo, está bien como para ver en familia. 

Calificación PLAY: 7.3/10

The haunting on Hill House

Título original: The haunting on hill house | Título en Latinoamérica: La maldición de Hill House | Autor: Shirley Jackson | Editorial: DeBols!llo | Edición: Primera reimpresión, noviembre 2018 | Publicación original: 1959 | Género: Terror

“La maldición de Hill House” nos narra la historia de Eleanor Vance, una mujer de poco más de 30 años que, tras la muerte de su madre, es invitada por el profesor Montague a pasar una temporada en Hill House para poder investigar fenómenos paranormales; a ella se suma Theodora, una bella, coqueta y extravagante mujer; y Luke Sanderson, el heredero de la mansión, quienes pasarán una semana en la casa antes de que se les unan otros personajes: La señora Montague y Arthur. Juntos tratarán de investigar qué es lo que sucede en la casa y por qué es que la gente la trata como si fuera malvada. 

Aunque el narrador es en tercera persona y conocemos poco de todos los personajes, la protagonista es Eleanor, es a ella a quien conocemos desde el momento en que abandona su casa y a quien seguimos en cada una de las manifestaciones que presenciamos. 

Lo primero que debo decir es que este libro lo leí después de ver la serie de Netflix y creo que eso jugó un poco en su contra porque al final la novela no fue lo que yo esperaba y no terminó de cumplir mis expectativas. Si vieron la serie y leyeron el libro (en ese orden) puede que entiendan a lo que me refiero. Y es que “Hill house” no es el terror al que estamos acostumbrados, y habla un poco más del descenso a la locura de Eleanor que de fantasmas en sí (algo similar a “El resplandor” de Stephen King).

Creo que en lo que destaca Jackson es en la ambientación, la casa y sus alrededores, la sensación de locura que reina en la casa no solamente en los momentos de tensión sino también en las conversaciones (muchas de las cuales no tienen sentido alguno) y la extraña convivencia de los personajes, ya sea entre ellos como con la señora Dudley. Es tal la ambientación que uno como lector no deja de sentir o de pensar que hay algo mal en la casa y que nadie más lo nota, en una página los personajes son desconocidos y a la siguiente parecen amigos de toda la vida que hasta planean irse a vivir juntos para después ver que Eleanor sospecha que hablan mal de ella, que, ahora que lo analizo, es un pensamiento constante desde el principio en la mente de Eleanor: Todos me atacan, hice el ridículo. 

Sin embargo no todo lo que brilla es oro y ya sea por culpa de la serie o por mis altas expectativas, siento que me quedó a deber, las últimas 30 páginas más o menos, son un caos que no hace más que acelerarse, nos deja la sensación de que están ocurriendo muchas cosas y a la vez nada al mismo tiempo y cuando llega al final lo hace de una manera muy brusca 

¿La recomendaría? Sí, pero solo consideren que quizás no sea lo que ustedes están esperando, no cometan mi error de leerlo esperando encontrarme con una versión novelizada de la serie. 

Calificación PLAY: 7.7/10

Charlie and the chocolate factory

Título original: Charlie and the chocolate factory | Título en Latinoamérica: Charlie y la fábrica de chocolate | Dirección: Tim Burton | Producción: Brad Grey, Richard D. Zanuck | Guion: John August | Música: Danny Elfman | Estudio: Warner Bros. Pictures | Estreno: 15/jul/2005 | Género: Musical, fantasía, comedia | Protagonistas: Johnny Depp, Freddie Highmore, David Kelly, Helena Bonham Carter, Noah Taylor, Missi Pyle, James Fox, Deep Roy, Christopher Lee

Estrenada en el lejano 2005, Charlie y la fábrica de chocolate es una adaptación del libro del mismo nombre de Roald Dahl (Matilda, Las brujas, Jim y el durazno gigante) en el que Charlie, un niño de una familia humilde, contra todo pronóstico, encuentra uno de los cinco tickets dorados que les permitirá a cinco afortunados niños (y un tutor) entrar a la enigmática fábrica de chocolate del señor Willie Wonka. Durante el camino conoceremos un poco del trasfondo del Sr. Wonka, nos toparemos con los Oompa loompas y veremos como la competencia directa de Charlie (los otros niños) son eliminados uno a uno por culpa de sus mismos impulsos.

Entre los puntos buenos pondría las actuaciones de los cinco niños, mientras que el personaje de Charlie (Freddie Highmore) está hecho como alguien sumamente blanco, el resto de los niños: Violeta, Augusto, Veruca y Mike/Miguel son más negros que nada y representan distintos pecados como la envidia y la avaricia de Veruca, el orgullo y vanidad de Violeta, la gula de Augusto y la ira y pereza de Miguel/Mike; Todos estos personajes están hechos para que el espectador los odie y los niños actores lo logran a la perfección, quizás se vean un poco falsos en momentos (algo normal) pero eso no impide que les creamos sus papeles.

Y creo que realmente es lo único que rescataría de esta película.

Ahora, de lo que no me gustó y que quisiera resaltar, es el papel de Willie Wonka a manos de Johnny Depp. Antes me gustaba mucho, sentía que era un actor multifacético y que hacía personajes muy variados, y quizás sea cierto, pero los papeles por los que es más reconocido son realmente el mismo (y él mismo) con diferente maquillaje, entiéndase al joven manos de tijera, Jack Sparrow, Ed Wood, Willie Wonka, Grindelwald, el sombrerero loco, el lobo feroz y Toro. Y en el caso de Willie Wonka (que es quien nos importa aquí), es un personaje sumamente pesado e intragable y no tiene el carisma que tendría, por ejemplo, Jack Sparrow ni el nivel de actuación que Depp ha demostrado en películas como “From hell”, “The tourist” o “Public enemies”, películas en las que se sale del tipo de caracterizaciones por las que lo conoce la gente.

Otra cosa que no me gustó fue la intervención de los Oompa loompas cuando llega el momento importante de cada uno de los niños eliminados, quizás las canciones menos forzadas sean, a mi parecer, la de Augusto y la de Veruca, las otras dos no me terminan de agradar, además de que los efectos en ellos se ven, en su mayoría, ya bastante obsoletos (De hecho, creo que, en general, esta película ha envejecido bastante mal).

Fuera de esos puntos buenos y malos, todo lo demás me resultó bastante indiferente, ni siquiera la música de Danny Elfman (Los Simpson, El extraño mundo de Jack, El cadáver de la novia) logra brillar, las actuaciones de Elena Bonham Carter y del gran Christopher Lee no son tan importantes como para resaltarlas, y la fotografía (y, de hecho, los escenarios en general) son demasiado brillantes como para algo hecho por Tim Burton, funcionan al momento de comparar el interior de la fábrica con el mundo exterior que sí que es más sombrío, pero es tanto el contraste que se siente demasiado falso y exagerado en ocasiones.

En definitiva ¿La recomendaría? No, creo que tanto Johnny Depp como Tim Burton tienen mejores películas que ésta, aquí hay cosas que, simplemente, no terminan de convencerme, quizás para los niños está bien, no lo voy a negar, pero fuera de ese público esta película no ofrece nada interesante.

Ahora les toca a ustedes, dígannos ¿Qué piensan de esta película? ¿Les gusta?

¡Saludos!

Calificación PLAY: 6.7/10

Caster Chronicles I: Beautiful creatures

Título original: Beautiful creatures | Título en Latinoamérica: Hermosas criaturas | Autor: Kami Garcia, Margaret Stohl | Editorial: Espasa | Edición: Primera edición en México (2010) | Publicación original: Little, Brown, & Company, 2009 | Género: Romance, fantasía

Otra saga romántica para adolescentes. Vi la película como por noviembre del 2013 y me gustó bastante como para darle una oportunidad al libro (igual que como me pasó con La brújula dorada y Eragon). Lo primero que noté del libro es que estaba narrado desde el punto de vista del chico (¡Por fin!) por lo que creí que tendría algo más de acción, pero no. En sí, el libro es bastante lento, pero sin llegar a ser aburrido.

La historia trata sobre un chico de 16 años, Ethan, quien ya está cansado de la monotonía de su pueblo natal, su madre tiene poco tiempo fallecida y su padre se ha sumido en una profunda depresión por lo que Ethan vive bajo los cuidados de Amma, una especie de ama de llaves-niñera, el chico anhela un cambio y desea salir de ese aburrido pueblo que es Gatlin. Es entonces cuando comienza a tener sueños extraños sobre una chica a la que no conoce pero que no tarda en hacerlo. 

Lena, por su parte, es la chica rara del pueblo, por el solo hecho de vivir en la casa que pertenece a la familia Ravenwood. Lena llega a Gatlin e inmediatamente siente el rechazo por parte de todos los habitantes del pueblo, excepto de Ethan, con quien empieza a formar una relación. Pero el miedo que los lugareños le tienen a la familia Ravenwood (que, por cierto, Lena se apellida Duchannes, pero eso no parece importarle mucho a todos sus detractores) no es infundado, obviamente nadie lo sabe, pero la familia de Lena no son personas comunes, son Casters que es algo parecido a brujas y hechiceros, y existen diferentes tipos de Casters, están los Natural, con poderes sobre la naturaleza y el clima; los Siren, con poderes de persuasión; los Empath, que pueden copiar los poderes de otros Casters por un tiempo; entre unos cuantos más. Cada Caster, al cumplir las 16 lunas es llamado por la luz o por la oscuridad y el resto de su vida dependerá de ese llamado. 

Por el camino conocemos a Link, el mejor amigo de Ethan que sueña con formar una gran banda de rock y ser famoso. El Sr. Ravenwood, tío de Lena, un hombre misterioso a quien todo el mundo teme, es un incubo que se alimenta de los sueños de las personas. También llega al pueblo Rid, la sexy prima de Lena, que es una Siren oscura, lo que le ha provocado el rechazo de su familia (y no sin razón). Marian Ashcroft, la mejor amiga de la madre de Ethan. Tampoco podía faltar ese odioso grupo de personajes que tratan de hacerles la vida imposible a los protagonistas, en este caso representados por la Sra. Lincoln, Emily Asher y Savannah Snow (en cierta parte del libro, estas dos últimas se encargaran de hacer una broma estilo Carrie, pero sin el final feliz de dicho libro), quienes desean que Lena abandone el pueblo. 

Pronto comienza a desarrollarse el romance de rigor entre los protagonistas, Ethan y Lena descubren que pueden comunicarse mentalmente entre ellos, cosa que hacen siempre que pueden. Ambos chicos descubren un antiguo relicario que perteneció a Genevieve Duchannes, una antepasada de Lena que utilizó El libro de las lunas, lo que desencadena una maldición sobre la familia Duchannes, que al parecer tiene algo que ver con Lena. Dicho relicario provoca visiones del pasado en ambos chicos, lo que les permitirá conocer más su pasado y cómo es que están conectados el uno al otro. También está el enemigo paranormal, que se presenta con la forma de Sarafine, una Caster oscura que quiere que Lena sea llamada por la oscuridad. 

Creo que el único problema de este libro es la lentitud de la historia, hay capítulos en los que solo se narra lo que pasa en días comunes, pero de ahí en más la historia me pareció bastante entretenida, el romance no es tan acaramelado como en otras historias, esto en parte a que vemos todo desde el punto de vista de Ethan, lo cual insisto en decir que fue un gran acierto y una grata sorpresa entre tantos libros protagonizados por chicas. El final es ligeramente distinto a la adaptación cinematográfica, pero la esencia está ahí y deja abierta la historia para una segunda entrega: Hermosa oscuridad. 

¿Lo recomendaría? Sin querer dar spoilers de la siguiente parte, recomendaría "Hermosas criaturas" únicamente como un libro auto-conclusivo, ya me explayaré más en las entradas dedicadas a los siguientes libros de esta saga, pero desde ya les digo: no pierdan su tiempo con ellos. La historia termina muy bien aquí.

Pero al final de cuentas, la opinión que importa es la de ustedes, así que dígannos si ya lo leyeron ¿Qué les pareció? 

Calificación PLAY: 7.7/10

Beauty and the beast

 

Título original: Beauty and the beast | Título en Latinoamérica: La bella y la bestia | Dirección: Gary Trousdale, Kirk Wise | Producción: Don Hahn | Guion: Linda Woolverton | Música: Alan Menken | Estudio: Walt Disney Pictures | Estreno: 22/nov/1991 | Género: Animación, romance, musical | Protagonistas: Paige O'Hara, Robby Benson, Richard White, Jerry Orbach, David Ogden Stiers, Angela Lansbury, Rex Everhart, Jesse Corti

Basada libremente en el clásico cuento de hadas, “La bella y la bestia” nos narra la historia de Bella, una pueblerina con grandes aspiraciones que gusta de menospreciar a los demás pueblerinos mientras estos cantan sobre lo rara que es. Luego de que su padre fuera secuestrado por una temible bestia, Bella se ofrece como sustituto a cambio de que lo liberen y aquí empieza el romance estocólmico de rigor. 

Uno de los grandes aciertos de esta cinta es la música de Alan Menken y las canciones escritas por Howard Ashman, dupla compositora de los memorables temas de La sirenita. Grandes canciones clásicas de Disney aparecen aquí: “Fábula ancestral / Beauty and the beast”, “Nuestro huésped / Be our guest”, “Algo ahí / Something there”, e incluso la música por sí sola es fácilmente reconocible y le da a la cinta una esencia que no veíamos en Disney desde “El libro de la selva” (obviando a “La sirenita”, por supuesto). Lamentablemente Howard Ashman falleció 8 meses antes del estreno de la película y no pudo ver el resultado final de su trabajo, aunque él siempre supo que la película sería un éxito. 

La animación es bellísima, ha envejecido incluso mejor que La sirenita (que sí se le nota un poco lo viejo) y al verla en pleno 2020, es difícil creer que esta película ya esté por cumplir 30 años, aunque claro que tiene sus retoques como el reflejo de Bella antes de la escena del baile, que no estaba ahí en el momento de su estreno, pero lo cierto es que, aún así, la escena del baile es espectacular, ese escenario del salón tan fácilmente identificable es muy bueno, las pinturas de ángeles en el techo, el candelabro colgando... Todo en esa escena es memorable.

Gastón, el villano en turno, es un ser despreciable, machista, misógino, presumido, arrogante. Todo un patán. No es muy listo, pero funciona. Aunque quizás eso juegue en contra de Bella que es poco más que perfecta (buena hija, amable, bonita, lista, esbelta, culta, inocente, etc. etc. etc.).

Como punto en contra. Creo que la historia me choca un poco. Hay una anécdota en la que mencionan que tuvieron que eliminar la canción “Human again” porque abarcaba “varios meses” de la estancia de Bella en el castillo de la bestia, lo cual tendría mucho más sentido para mí que lo que vimos en la película. Básicamente el romance de Bella y Bestia dura algunos días y, sin embargo, hay tomas en las que vemos que está todo cubierto de nieve (canción: Something there), incluso cuando el papá de Bella sale a buscarla hay nieve, pero cuando Bella sale del castillo de Bestia, la nieve desaparece y ya no vuelve a aparecer en la película. Siento que, en la historia, les falló un poco la cronología de los eventos. Y eso sin contar que lo que hay entre Bella y Bestia es más un síndrome de Estocolmo que amor, pero bueno...

Conclusión. Creo que Beauty and the beast es una vista obligatoria en la filmografía de Disney, aunque el renacimiento del estudio de animación se dio con La sirenita, fue esta cinta la que marcó un antes y un después en las películas animadas (incluso se convirtió en la primer película animada en ser nominada a la categoría de “Mejor película” de los premios Oscar, antes de la creación de la categoría de “Mejor película animada”), salvo detalles puntuales de la trama, esta cinta es fácilmente lo mejor que ha dado Disney en cuanto a animación (seguida muy de cerca por El rey león). 

Y a ustedes ¿Qué les parece esta película? 

Calificación PLAY: 9.8/10

Miss Peregrine’s home for peculiar children

Título original: Miss Peregrine’s home for peculiar children | Título en Latinoamérica: El hogar de Miss Peregrine para niños peculiares | Autor: Ransom Riggs | Editorial: Quirk books | Edición: First paperback edition (2013) | Publicación original: Quirk books, 2011 | Género: Fantasía, infantil

¿Cómo describir este libro? De entrada creo que me dejé llevar muy rápido por la portada tan creepy que tiene. Una hojeada rápida me permitió ver aún más fotos creepies en el interior, así que inmediatamente me dije: ¡Este libro me va a gustar! 

Lamentablemente la realidad fue un poco distinta. El libro en sí, no podía ser más diferente de lo que vendían, o al menos de lo que yo esperaba. Todo apuntaba a que sería una historia de terror ligero para niños, suspenso, misterio, etc. Y sin embargo, fuera de las fotografías que adornan el interior, no había absolutamente nada de terror, nada de misterio, nada de suspenso en la historia. 

La historia sigue a Jacob, un chico de 16 años con una vida aburrida que aspira a algo más. Cuando ocurre una tragedia en su familia, el joven queda traumatizado y tiene pesadillas constantes, lo que termina con él tomando terapias con un psiquiatra. No es hasta que el psiquiatra le recomienda ir a la isla en donde su abuelo vivió de niño como un refugiado de guerra, cuando comienza lo realmente interesante en la historia. Y por interesante me refiero a lo menos aburrido. 

Con una escritura ligeramente infantil (me imagino que esto es porque, a fin de cuentas, el libro está enfocado a este público), seguimos a Jacob en sus travesías por la isla, en la que encuentra a los niños huérfanos que vivieron con su abuelo, con quienes pasa mucho tiempo de sus vacaciones en la isla y esa es toda la historia del libro. Aunque viéndolo así, el libro suena más aburrido de lo que en verdad es, tiene un poco de acción al final, pero nada sobresaliente, nada que te haga querer arrancarte los cabellos del coraje. Absolutamente nada. 

No sé si sea porque esperaba más de la historia, si fue porque lo leí en inglés y se me complicó la lectura o si simplemente, en verdad, no termina de cuajar la mezcla de fotos en las cuales se basa la historia, pero honestamente no me interesa leer Hollow city, la continuación, pues quedé satisfecho con este final, siento que no conecté con los personajes como me hubiera gustado y, de plano, no me interesa (de momento) regresar con ellos. 

¿Lo recomiendo? Lamentablemente no, el autor parece no saber qué quiere contar con su libro, supongo que es lo malo de basar una historia enteramente en una serie de fotografías que lo único que tienen en común es que son niños, como ya dije no hay nada resaltable en la historia, al principio creí que ese problema era sólo mío, pero mi prima de 12 años lo leyó también (al mismo tiempo que yo) y me dijo exactamente lo que yo estaba pensando y que no le decía para que no alterara su visión del texto, así pues este libro se vuelve una anti-recomendación, lo cual no deja de ser una lástima pues daba para mucho y se queda en nada. 

¿Ustedes ya lo leyeron? ¿Qué les pareció?

Calificación PLAY: 5.0/10

The rescuers: Down Under

Título original: The rescuers down under | Título en Latinoamérica: Bernardo y Bianca en Cangurolandia | Dirección: Hendel Butoy, Mike Gabriel | Producción: Thomas Schumacher | Guion: Jim Cox, Karey Kirkpatrick, Byron Simpson, Joe Ranft | Música: Bruce Broughton | Estudio: Walt Disney Pictures | Estreno: 16/nov/1990 | Género: Animación, aventura | Protagonistas: Bob Newhart, Eva Gabor, John Candy, Adam Ryen, George C. Scott, Tristan Rogers

“Basada” libremente en los libros de Margery Sharp (y digo “basada” entre comillas porque realmente solo tomaron a los personajes protagonistas), en esta ocasión tenemos a un Bernardo que lucha contra sus inseguridades para proponerle matrimonio a Bianca mientras ambos ratoncitos se ven inmiscuidos en otro caso de secuestro infantil en Australia, en esta ocasión un niño que quiere defender a una majestuosa águila. 

¿Cómo hablar de esta película? Creo que, de todos los clásicos anteriores, Bernardo y Bianca era la que menos merecía una secuela. De hecho, la película no hace más que repetir la fórmula de la primera parte, llevándonos en esta ocasión a Cangurolandia (Australia), rescatando (de nuevo) a un niño de un adulto (de nuevo) que solo le interesa el dinero que pueda sacar de vender unos huevos de águila (en vez de un diamante).

A mi parecer, realmente lo único bueno de esta cinta es la animación. Disney se lució con el diseño del águila, nos da una de las escenas más bonitas de sus películas animadas (el vuelo de Marahute) y se corrigieron algunos de los detalles que vimos en la primera parte (como los ojos de Bernardo que cambiaban de color), pero ya. 

La historia es algo aburrida y los personajes son cero carismáticos, si acaso el ratón Jake podría ser el que más resalte, pero eso no salva a la película. Como villano, McLeach deja mucho que desear, es malo, sí, pero nada más; Cody como nuestro niño en peligro solo está ahí para mover la trama de Bernardo y Bianca (drop tittle), el triángulo amoroso entre Bernardo, Bianca y Jake sale sobrando, hay personajes molestos como todos los animales (incluyendo a Wilbur, el albatros que reemplaza a Orville de la cinta original), y siento que se intenta ocasionar la lástima que nos provocaba Penny, pero fallando estrepitosamente en el intento.

La música tampoco logra despegar en ningún momento, me parece que hay un tema musical, pero es tan random que ni siquiera lo recuerdo. Y, viendo la filmografía de Mike Gabriel (uno de los co-directores), realmente no tiene nada bueno en el apartado de dirección, salvo Pocahontas, de ahí en más parece que lo suyo es, más que nada, la animación (La sirenita, El rey león, La princesa y el sapo, Valiente, Frankenweenie), mientras que de Hendel Butoy (el otro co-director) no hay absolutamente nada, solo que dirigó un par de segmentos de Fantasía 2000 (El soldadito de Plomo y Pinos de Roma). Nada más.

Veredicto. Me parece que esta película es la que menos recomendaría de todo este renacimiento de Disney, se nota la mejora en la animación, pero eso no es suficiente para hacer de esta película algo que valga la pena ver. Por lo que “Cangurolandia” es una antirrecomendación inmediata. 

¿Ustedes ya la vieron? ¿Qué les pareció? ¿Les gustó? Los leemos en los comentarios :) 

Calificación PLAY: 5.3/10

The last unicorn

Título original: The last unicorn | Título en Latinoamérica: El último unicornio | Autor: Peter S. Beagle | Editorial: Ace Books | Edición: 1ra edición del 40 aniversario | Publicación original: 1968 | Género: Fantasía

¿Qué pasaría si fueras el último de tu especie? ¿Qué harías? ¿Te resignarías a morir en soledad o emprenderías un viaje en búsqueda de alguien más como tú?

Esa, básicamente, es la premisa de El último unicornio. Aquí conocemos a un unicornio hembra que, por cosas del destino, escucha que es la última de su especie. Nadie sabe cómo ni por qué, pero los unicornios han desaparecido.

Con algo de dudas, nuestra protagonista corre sin dirección fija, tratando de descubrir qué pasó con sus compañeros y no es hasta que se topa con una mariposa que fija un objetivo: El toro rojo. En su camino, además, une fuerzas con el mago Schmendrick que trabajaba en una especie de circo ambulante y con Molly, la mujer de un bandido que sueña con ser como Robin Hood. Entre muchos otros personajes como Lady Amatlhea o los malvados Mommy Fortuna, el rey Haggard y su hijo Lir, quienes cumplen con breves papeles en momentos puntuales de la historia.

Algo que me gustó mucho son los dilemas morales que plantean esta historia, desde la soledad del unicornio, lo efímero de la vida humana, el arrepentimiento que podamos sentir a pesar de haber hecho lo correcto, lo que estamos dispuestos a sacrificar por amor a otra persona o, incluso, qué tanto mal estamos dispuestos a provocar a cambio de sentir una alegría vana. Todos ellos los vamos viendo en diversos personajes, desde nuestro grupo protagonista hasta el viejo rey Haggard o el prícipe Lir. Llega un momento, cuando aparece el personaje de Lady Amalthea, que hasta duele leerlo, luego pasamos por un bajón en el ritmo de la historia pero casi llegando al final todo se precipita hasta un cierre buenísimo que no necesitaba, para nada, una secuela (y aun así la tiene).

Como puntos malos… Este libro lo leí en inglés y tiene un vocabulario algo complicado, muy medieval. Los personajes se hablan de una manera muy propia unos a otros y hay algunos fragmentos con canciones. La historia también flojea un poco en algunos momentos (en especial, pasadas unas 10 páginas desde la introducción de Lady Amalthea y todo el tramo entre los segmento de Mommy Fortuna y el de los bandidos en donde se encuentra Molly), haciendo que se vuelva un poco tedioso llegar a lo realmente interesante.

Algo que tampoco me gustó es que hay cosas importantes que se resuelven fuera de escena, lo cual es un desacierto por el modo en el que lo maneja el autor, no puedes plantear un acertijo y escribir por varias páginas lo difícil que es y lo importante que es que los protagonistas lo resuelvan si vas a hacer que la solución les llegue por arte de magia y que ni siquiera sepamos cómo lo hicieron ni cual era la respuesta. Pero en fin.

¿Lo recomendaría? Creo que sí, es un libro entretenido de fantasía pura y aunque tiene sus partes aburridas, son muy pocas en comparación de lo bueno de la historia. Ahora que, si les interesa, existe una película animada muy bonita a la que podrían echarle un ojo y que, espero reseñar en algún momento en el blog.

¿Ustedes lo han leído? Esperamos sus comentarios.

Calificación PLAY: 8.0/10

Captain America: Civil War

 

Título original: Captain America: Civil War | Título en Latinoamérica: Capitán América: Civil War | Dirección: Anthony Russo, Joe Russo | Producción: Kevin Feige | Guion: Christopher Markus, Stephen McFeely | Música: Henry Jackman | Estudio: Marvel Studios, Walt Disney Studios Motion Pictures | Estreno: 06/abr/2016 | Género: Acción | Protagonistas: Chris Evans, Robert Downey Jr., Scarlett Johansson, Sebastian Stan, Anthony Mackie, Don Cheadle, Jeremy Renner, Chadwick Boseman, Paul Bettany, Elizabeth Olsen, Paul Rudd, Emily VanCamp, Tom Holland, Frank Grillo, William Hurt, Daniel Brühl

ADVERTENCIA: Posibles spoilers de Avengers: Era de Ultrón y Capitán América: El soldado del invierno.

The little mermaid

 Título original: The Little mermaid | Título en Latinoamérica: La sirenita | Dirección: Ron Clements, John Musker | Producción: John Musker, Howard Ashman | Guion: Ron Clements, John Musker | Música: Alan Menken, Howard Ashman | Estudio: Walt Disney Pictures, Walt Disney Animation Pictures | Estreno: 17/nov/1989 | Género: Animación, musical, romance, fantasía | Protagonistas: René Auberjonois, Christopher Daniel Barnes, Jodi Benson, Pat Carroll, Paddi Edwards, Buddy Hackett, Jason Marin, Kenneth Mars, Edie McClurg, Will Ryan, Ben Wright, Samuel E. Wright

Basada en el cuento homónimo de Hans Christian Andersen, todos conocemos la historia de Ariel, la sirenita que sueña con vivir en la superficie junto con los humanos, que se enamora del príncipe Eric y que le vende su alma a la bruja del mar para tener piernas e ir en busca de su amor. 

Lo cierto es que La sirenita es una de mis películas animadas favoritas de Disney y me es muy difícil ser completamente imparcial, de hecho, es esta película, junto con Splash (1984) la responsable de que comenzaran a gustarme las sirenas y que me hicieran querer saber más de ellas, cosa que me llevó a descubrirlas como seres mitológicos. Pero empecemos por lo bueno de esta película.

Creo que la esencia de La sirenita recae más que nada en su música. La historia de Ariel no sería la misma sin temas que ya son clásicos entre la gente, no hay nadie que no conozca canciones como “Bajo del mar/Under the sea”, “Parte de él/Part of your world”, “Pobres almas en desgracia/Poor unfortunate souls” o “Bésala/Kiss the girl” y eso es gracias a la dupla mágica de Howard Ashman y Alan Menken (quienes también trabajarían juntos en Aladdín y La bella y la bestia, hasta el prematuro fallecimiento del Sr. Ashman). 

La animación también es bellísima, se nota una animación más limpia que lo que vimos en películas anteriores (Aristogatos, Los 101 dálmatas) aunque hay escenas en las que el cuerpo de Ariel se ve muy raro y algo desproporcionado, pero los paisajes en general, y las escenas del barco, el castillo junto a la playa o la batalla final son buenísimas, en esta película trabajó Glen Keane, actualmente uno de los grandes animadores de Disney, antes él ya había animado a varios personajes como Gurgi y la princesa Eilonwy de “El caldero mágico”, a Penny de “Bernardo y Bianca” y al dragón Elliot de “Mi amigo el dragón”, entre otros. Para “Oliver y su pandilla” Glen Keane creó a sus primeros personajes, y de ahí brincó a diseñar a la sirenita. A este señor le debemos la creación de Ariel, Bestia (La bella y la bestia), Aladdín, Pocahontas, Tarzan, entre muchos más.

Pasando a lo malo, no es algo malo de la película por sí misma, sino que se viene acarreando desde la fuente original, y es que algo que es más que obvio al ver películas basadas en cuentos de hadas es que su definición de amor está demasiado obsoleta o idealizada, y eso hace que en la época actual nos parezca inverosímil o incluso tonto que una persona deje toda su vida para irse detrás de alguien que ni siquiera conoce y que no es seguro que le corresponda (que quizás sí haya gente que haga eso, pero no es lo común). Es un caso similar, por ejemplo, al de Romeo y Julieta, quienes suelen ser considerados como el romance perfecto, la representación del amor verdadero en toda su magnificencia, pero a la gente se le olvida (o no lo saben) que es un romance de 3 días en el que murieron 4 personas, incluyendo la pareja protagonista. Aquí, la primer princesa Disney que no es un personaje completamente pasivo decide de buenas a primeras abandonar su vida y a su familia para irse detrás de un hombre que ni siquiera la conoce y que puede o no aceptarla en su vida (de hecho, siempre he creído que el príncipe estaba en todo su derecho de rechazar a la sirenita sin ningún problema ni ningún tipo de culpa de que se convierta en espuma de mar). 

En fin, ¿recomendación o antirrecomendación? Hasta la pregunta ofende. La sirenita marca un antes y un después en las películas animadas de Disney, su legado tanto para Disney como para la animación en general es innegable, aunque se viera opacada un par de años después por La bella y la bestia. Sí no la han visto, échenle un ojo, y si ya lo hicieron, cuéntennos qué les pareció y si les gusta o no esta adaptación de Walt Disney. 

Calificación PLAY: 9.5/10

Brave

 Título original: Brave | Título en Latinoamérica: Valiente | Dirección: Mark Andrews, Brenda Chapman | Producción: Katherine Sarafian | Guion: Mark Andrews, Steve Purcell, Brenda Chapman, Irene Mecchi | Música: Patrick Doyle | Estudio: Walt Disney Pictures, Pixar Animation Studios | Estreno: 22/jun/2012 | Género: Animación, fantasía | Protagonistas: Kelly Macdonald, Emma Thompson, Billy Connolly, Julie Walters, Robbie Coltrane, Kevin McKidd, Craig Ferguson

“Valiente” nos narra la historia de Mérida, una princesa escocesa del reino de Dunbroch, que no quiere ser como las demás princesas, ella quiere ser libre de elegir lo que quiera en la vida, cosa que a su madre no le parece. Por azares del destino, Merida conoce a una bruja y, por puro berrinche, embruja a su madre para que le cumpla todos sus caprichos. 

Empecemos por lo bueno de esta cinta. La animación es bellísima, como siempre en todas las películas de Pixar y es a partir de esta película en la que vemos un nivel de detalle supremo, el cabello de Mérida es una chulada, los detalles del tapiz que teje la mamá, los escenarios boscosos, todo en este apartado es hermoso… menos los personajes masculinos que están hechos para ser feos a propósito jajaja. 

La música de Patrick Doyle (Thor, Harry Potter y el caliz de fuego, Cenicienta, etc.) está plagada de gaitas escocesas que ayudan mucho en la ambientación de la película, hay un par de canciones (cantadas en español por la cantante mexicana Yuridia) pero realmente pasan sin pena ni gloria, a diferencia de otros temas como la canción de Mor’du interpretado por Billy Connolly (el rey Fergus) o la canción gaélica “A Mhaighdean Bhan Uasal” con Emma Thompson (la reina Elinor) que van muy acordes con la temática de la cinta.

Ahora, creo que el único punto malo como tal es uno muy recurrente en las películas infantiles y es el menospreciar a los padres en favor de los hijos. En esta película y en otras de princesas (Mulán, La sirenita, Aladdín, Frozen), las protagonistas anteponen sus deseos sobre lo que se les enseña, lo cual no es malo por sí mismo, pero la manera en que se plasma no es siempre la mejor, y un ejemplo de cómo esto puede terminar mal lo podemos ver en Frozen: cuando Anna conoce a Hans e inmediatamente quiere casarse porque es su sueño, es lo que siempre quiso y su malvada hermana no la entiende y solo se quiere interponer entre ella y su verdadero amor. Creo que todos aquí sabemos qué ocurre al final de esa película. 

En “Valiente”, la malvada madre de Mérida quiere obligarla a casarse, quiere obligarla a que se comporte con educación, obligarla a estudiar (¡Qué horror!) y obligarla a ser una reina en el futuro. La bondadosa hija no hace ningún mal en romper las reglas, ella está en su derecho porque es su deseo y su sueño siempre ha sido ser libre (y es comprensible hasta cierto punto), pero ¿Qué pasa aquí? Es más fácil pedir que se cambie la actitud de la malvada madre que cambiar la propia, de hecho, desde que vi esta película en el cine en el 2012 creí que el final no era el adecuado. Sin entrar en spoilers, siempre me pareció que debió de haber ocurrido todo lo contrario a lo que en verdad pasa, para que Mérida aprendiera su lección. En fin, esa es solo mi percepción.

Otro gran acierto es, sin duda, los hermanos de Mérida. A diferencia del papá y los tres Señores que buscan comprometer a sus hijos con la princesa cuyos chistes son ligeramente malos, las escenas de los trillizos son bastante divertidas sin llegar a ser forzadas (en su mayoría). La inclusión de toda esa mitología alrededor de los fuegos fatuos, la bruja del bosque, la historia de Mor’du y los monolitos también es buenísima, me hubiera gustado que ahondaran un poco más en el simbolismo, pero lo poco que lo hicieron quedó bastante bien para una película infantil. 

¿Recomendación o antirrecomendación? Valiente es una de esas películas que uno debe ver sí o sí, quizás pierda un poco su toque con cada nuevo visionado, pero no tiene ningún desperdicio. Creo que sí la pondría (rozando) en mi top 10 de Pixar. 

¿A ustedes qué les parece esta película? 

Calificación PLAY: 9.2/10

Oliver & Company

Título original: Oliver & company | Título en Latinoamérica: Oliver y su pandilla | Dirección: George Scribner | Producción: Kathleen Gavin | Guion: Jim Cox, Tim Disney, James Mangold | Música: J.A.C. Redford | Estudio: Walt Disney Pictures, Walt Disney Feature Animation, Silver Screen Partners III | Estreno: 18/nov/1988 | Género: Animación, musical | Protagonistas: Joey Lawrence, Billy Joel, Natalie Gregory, Cheech Marin, Bette Midler, Robert Loggia, Richard Mulligan, Roscoe Lee Browne, Sheryl Lee Ralph

Basada libremente en la novela “Oliver Twist” de Charles Dickens, el clásico animado número 27 de Walt Disney nos narra la historia de Oliver, un gatito callejero que termina siendo reclutado “sin querer” por Dodger, un perro perteneciente a la pandilla canina de Fagin, un ladronzuelo algo estúpido.

¿Por dónde empezar? Esta película llega en un momento en el que la animación de Disney ya ha tocado su punto más bajo y se siente como un soplo de aire fresco, porque no es una mala cinta, simplemente se siente un poco rara dentro del canon de los clásicos (para la época), pero eso no quiere decir que sea mala. 

La historia es muy sencilla y el climax tarda en llegar y dura muy poco, llevándonos a un final bastante desabrido. La música no termina de convencerme, ni en cuanto a las canciones ni al soundtrack, aunque no deja de ser interesante escucharla pues sigue una tendencia muy marcada en cuanto a las composiciones para las películas animadas de los 80, con música más contemporánea (jugando con el rock y el jazz), tenemos aquí también la primera de muchas canciones escritas por el gran Howard Ashman para Disney (La sirenita, La bella y la bestia, Aladdín) y que, lamentablemente, no es tan memorable como sus trabajos posteriores.

“Oliver y su pandilla" sigue la tradición y el estilo que manejaba el estudio desde Los 101 dálmatas, La dama y el vagabundo, Los aristogatos y El zorro y el sabueso; llegando a tener cameos de algunos personajes de esas cintas (especialmente de los perros de La dama y el vagabundo, que también ya habían hecho su aparición en Los 101 dálmatas). El diseño de personajes está muy bien hecho, especialmente para Oliver y el cast canino, las expresiones que vemos en el rostro del protagonista se ven muy bien y nos hacen empatizar más fácilmente con él. Pero eso no ocurre con el cast humano. Lo que me lleva a los puntos en contra: los personajes humanos carecen por completo de carisma, ya sea el ladrón Fagin, la niña Jenny (cuyo diseño está calcado de Penny de “Bernardo y Bianca”), o incluso el villano en turno: Sykes (que nos recuerda bastante a Rattigan de Policias y ratones). 

Siguiendo con los personajes, siento que se abusa demasiado de los estereotipos en la pandilla de Dodger, desde Einstein que es la fuerza bruta del grupo (y con el nombre de un genio), hasta Rita (la chica fuerte, única en el grupo, con interés romántico por el líder), pasando por Tito (típico que si sale un perro chihuahua tiene que ser mexicano), Francis (el que en apariencia es agresivo pero que en verdad es todo un poeta amante de las bellas artes) y sin olvidarnos de Dodger (la mente maestra, el mejor y el favorito del grupo); o incluso Georgette (la típica Poodle creída de sociedad) aunque esto no es malo per se, si es molesta la falta de originalidad al momento de elegir al grupo. Eso sí, desconozco si así sean los equivalentes en la fuente original.

Un dato curioso y que me pareció divertido mientras veía la película es que la voz de Dodger en el doblaje de México/Latinoamérica es la misma voz de Sebastián de La sirenita, y cuando uno lo nota (practicamente desde la primera canción) es imposible dejar de imaginarse al chaperón de Ariel. 

Ahora sí. ¿Veredicto? Nos encontramos ante una película un poco menospreciada simplemente por la época en la que vio la luz y que se vio opacada por los filmes siguientes (a partir de la siguiente cinta entramos en el renacimiento de Disney), pero, como dije al inicio, no es mala. De hecho, confieso que le tenía muy poca fe (no recordaba absolutamente nada de la trama) y fue una grata sorpresa. No es la gran película Disney, pero sí es bastante entretenida y dominguera 

Ahora les toca a ustedes ¿Qué les parece esta película? ¡Leemos sus comentarios! 

¡Saludos! 

Calificación PLAY: 6.8/10

The great mouse detective

Título original: The great mouse detective | Título en Latinoamérica: Policías y ratones | Dirección: Ron Clements, Burny Mattinson, Dave Michener, John Musker | Producción: Burny Mattinson | Guion: Pete Young, Vance Gerry, Steve Hulett, John Musker, Ron Clements, Bruce Morris, Matthew O'Callaghan, Burny Mattinson, Dave Michener, Mel Shaw | Música: Henri Mancini | Estudio: Walt Disney Pictures | Estreno: 02/jul/1986 | Género: Animación, aventuras | Protagonistas: Vincent Price, Barrie Ingham, Val Bettin, Susanne Pollatschek, Candy Candido, Diana Chesney, Eve Brenner, Alan Young

Basada en los libros infantiles de Eve Titus “Basil of Baker Street”, esta película nos narra la historia de Basil, un ratón detective al más puro estilo de Sherlock Holmes que debe resolver el misterio del secuestro del juguetero Hiram Flaversham y de su hija Olivia, el cual está relacionado con su archienemigo, el profesor Ratigan.

Narrada desde el punto de vista del Dr. Dawson, un ratón bonachón recién llegado de Afganistán y que se ve “embarrado” en los problemas de la niña Olivia, la ratoncita que busca a Basil para que encuentre a su padre. 

Después de haber visto “El caldero mágico” esta película resultó una muy grata sorpresa, la historia es bastante entretenida, la animación da un salto espectacular en comparación con los filmes anteriores (especialmente la escena final en los engranajes del Big Ben, una clara alusión a la escena final de “El castillo de Cagliostro” de Hayao Miyazaki), a diferencia de la película anterior, aquí se logra tener un buen equilibrio entre personajes carismáticos y un trasfondo oscuro sin que deje perder su toque para niños, y eso que tiene una escena en particular que sí podría sacar un buen susto a algún distraído. 

Si acaso siento que flojea un poco en la música y aunque cuenta con un par de canciones, solo el tema de Ratigan “The world’s greatest criminal mind” logra resaltar y creo que yo sí lo posicionaría en el top ten de canciones de villanos (comentario aparte, sería interesante hacer un top así en cuanto termine el reto sobre los clásicos, aunque todavía falta para eso). 

El diseño de los personajes me recuerda mucho a los que ya vimos en Robin Hood, incluso el parecido entre Basil y Robin es bastante pero no es algo que moleste como el caso de Baloo y el pequeño Juan que uno era una mera calca del otro; Basil es un personaje con mucho carisma, creo que es debido a que está basado en Sherlock Holmes y me recuerda mucho a personajes como Sheldon de The big bang theory, Tony Stark de Iron man o a muchas de las adaptaciones del mismo Sherlock, incluso su evolución narrativa es similar a lo que veremos con varios personajes de Marvel, que comienzan sus cintas con un notorio egocentrismo hasta que reciben un golpe de humildad, en este caso gracias a Ratigan que tampoco se queda atrás. Basado en el personaje de Moriarti, Ratigan es una rata a la que le molesta que le recuerden su origen, al igual que todo villano tiene un objetivo fundamental que se ve interrumpido por nuestro héroe, es desalmado al grado de matar a quien le llame rata (aunque sea de su bando) y, tal y como hiciera Cruella en Los 101 dálmatas, Ratigan también se deja llevar por su lado más salvaje en las escenas finales. Fuera de ellos dos, los demás personajes son algo genéricos, en especial Dawson, una calca de lo que todos tenemos en mente como el Dr. Watson; tenemos también a Fidget, el murciélago minion de Ratigan que proporciona el desahogo cómico en ciertas escenas; obviamente están Olivia y su padre que funcionan solo como elemento motor de la historia y poco más. Y, por cierto, hay un cameo de un personaje de Alicia en el país de las Maravillas.

Algo que me llamó la atención es la cantidad impresionante de armas que aparecen aquí, recordemos el cortometraje de Pecos Bill fue mutilado para eliminar la única escena con una pistola y ni digamos lo que le hicieron al desaparecido corto de The Martins and the Coys. Por lo que es raro que esta película no haya sido editada para ocultar todo eso (Me da curiosidad si siquiera la incluyeron en el catálogo de Disney+, con eso de que han censurado tantas cosas por tonterías tan simples como un escote o una secadora). 

Otro dato curioso es que esta sería la primera película del estudio dirigida por la dupla de Ron Clements y John Musker, ambos fueron animadores en “En el zorro y el sabueso” y contribuyeron en “El caldero mágico”, sin embargo, aquí despegaría su carrera y serían mejor conocidos por sus 3 filmes siguientes: La sirenita, Aladdín y Hércules. 

¿Veredicto? Completamente recomendada, estoy consciente de que no es la mejor película de Disney (al igual que el caldero mágico) pero tiene un no-sé-qué que cautiva, es divertida, entretenida y ligeramente más oscura que lo típicamente Disney, así que si no la han visto denle una oportunidad y cuéntenos qué les pareció. 

¡Saludos! 

Calificación PLAY: 8.0/10

Ant-man

Título original: Ant-man | Título en Latinoamérica: Ant-man, el hombre hormiga | Dirección: Peyton Reed | Producción: Kevin Feige | Guion: Edgar Wright, Joe Cornish, Adam McKay, Paul Rudd | Música: Christophe Beck | Estudio: Marvel Studios | Estreno: 17/jul/2015 | Género: Acción, aventuras, comedia | Protagonistas: Paul Rudd, Evangeline Lilly, Corey Stoll, Bobby Cannavale, Michael Peña, Tip "T.I." Harris, Anthony Mackie, Wood Harris, Judy Greer, David Dastmalchian, Michael Douglas

Basada libremente en los cómics homónimos de Marvel, en “El hombre hormiga” conocemos a Scott Lang (Paul Rudd), un exconvicto que, a pesar de querer hacer las cosas bien, termina robando (de nuevo) la casa del viejo Hank Pym, quien en su juventud fuera un superhéroe junto con su esposa, superhéroe que pasó al olvido y terminó convirtiéndose en un mito, a petición del propio Hank. Y así, durante la película vemos el origen de Scott como héroe mientras se enfrenta a una versión malvada de sí mismo: Yellowjacket.

Creo que uno de los principales aciertos de esta película son los efectos especiales, las reducciones del hombre hormiga, el entorno y los insectos que le dan nombre se ven muy bien y no se siente que hayan envejecido mal como otras películas de las mismas fechas. La escena de la lucha final con Thomas (el tren protagonista de Thomas y sus amigos) es muy divertida, creo que se siente fresca en comparación de otras escenas, tanto de acción como de comedia.

Y hablando de comedia, como ya he ido mencionando en varias películas anteriores, de Iron man 2 a la fecha los chistes malos y forzados han ido ganando terreno por encima de la acción (que, se supone, debería ser el género primario) Desde Star Lord (Guardianes de la galaxia) hasta Scott Lang (el hombre hormiga) y pasando por Tony Stark (Iron man), Thor (Thor), todos los protagonistas (a excepción de Capitán América) se han ido convirtiendo en máquinas de chistes conforme avanzan sus respectivas sagas, sé que es tonto que a estas alturas me queje de eso cuando realmente las únicas películas serias han sido las 4 primeras de la Fase 1, pero no deja de ser un detalle negativo que la gran mayoría de los chistes hayan envejecido mal (me refiero a que dejan de ser graciosos con cada nuevo visionado). 

Como punto totalmente en contra, las escenas de acción (salvo la escena final que ya mencioné arriba) no me gusta como se ven, de por sí pensar en un superhéroe que se llama “hombre hormiga” da algo de risa, verlo pelear a golpes en su tamaño reducido es sencillamente ridículo, y sí, me refiero principalmente a la pelea con Falcon. 

Otra cosa que noté, es que es la 2da vez en la franquicia en la que se hace referencia a un Stark como culpable del desarrollo de un personaje en una película que no pertenece a Iron man; lo vimos en el personaje de Ultrón en “Avengers: Age of Ultron” con Tony Stark como el creador (dato curioso: En los cómics es realmente Hank Pym quien lo crea) del villano, y lo vemos aquí con Hank Pym y su relación con Howard Stark (responsable indirecto de que Pym decida ocultar su traje). Y esta es una situación que veremos en varias películas más adelante, siendo las más notorias pertenecientes a la sub-saga de Spider-man. Y quizás no sea tan molesto a estas alturas, pero después de varias películas que se cuelgan del héroe más famoso que tiene el MCU si cansa un poco. 

Un detalle que tampoco se puede dejar pasar es la inclusión de los clásicos estereotipos del mexicano en Estados Unidos, los llamados “pochos”, que como todo buen cliché racista sirven de alivio cómico (por si no fue suficiente con el protagonista), son los segundones (igual que los héroes afroamericanos en Iron man y Capitán América), están ligados a la vida delictiva y, a pesar de que demuestran ser listos (a excepción de Luis) son estúpidos para dar risa. Como mexicano que soy, no es un cliché que me moleste particularmente (de hecho, Luis me pareció gracioso la primera vez que vi la película), pero estoy seguro de que más de uno salió ofendido en su momento, así que es un factor a tomar en cuenta. 

Conclusión. No creo que Ant-man sea una mala película, al contrario, tanto la acción como la comedia se sienten frescas como en su momento pasó con Guardianes de la galaxia, el problema viene cuando uno la ve de nuevo pues es de esas películas que con cada visionado van perdiendo su toque. 

¿Ustedes que opinan de esta película? ¿Les ha llegado a molestar, como a mí, tanto chiste forzado? ¡Los leemos en los comentario!

¡Saludos!

Calificación PLAY: 8.0/10

The black cauldron

Título original: The black cauldron | Título en Latinoamérica: El caldero mágico | Dirección: Ted Berman, Richard Rich | Producción: Joe Hale, Ron Miller | Guion: Ted Berman, Vance Gerry, Joe Hale, David Jonas, Roy Morita, Richard Rich, Art Stevens, Al Wilson, Peter Young | Música: Elmer Bernstein | Estudio: Walt Disney Pictures | Estreno: 26/jul/1985 | Género: Animación, fantasía | Protagonistas: Grant Bardsley, Susan Sheridan, Nigel Hawthorne, John Hurt, John Huston

Basada libremente en la saga de fantasia épica de Lloyd Alexander “Las crónicas de Pydain”, esta película adapta los libros “El libro de tres” y “El caldero negro” en una versión demasiado comprimida. “El caldero mágico” nos narra las aventuras de Taron, un porquerizo que se ve metido en una aventura cuando debe cuidar a la cerdita Hen Wen de las manos del Rey del mal, quien quiere encontrar el caldero negro que le permitirá tener su ejército de zombies. 

Desde que era niño tuve cierta fascinación hacia esta película gracias a un libro de alguna colección de Disney de los 90 y no fue hasta por el 2012 más o menos que, por fin, pude hacerme con un DVD y si bien la película en general me gustó por su tono oscuro, también resultó un poco decepcionante. Pero vayamos por partes. 

En cuanto a la animación, es la primera película de Disney que usa animación por computadora, se nota que tuvieron un poco más presupuesto en comparación de las películas anteriores (los aristogatos, Robin Hood, 101 dálmatas), los escenarios tanto del bosque como del castillo del rey del mal son muy buenos, combinados con el maravilloso soundtrack logran crear una atmosfera oscura más similar a películas de fantasía de la época (entre las décadas de los 70’s y 80s) como El señor de los anillos de Ralph Bankshi (1978) o “The last unicorn” de Arthur Rakin Jr. (1982) Ambas películas basadas en libros de Tolkien y Beagle, y podría mencionar más como Xanadu, Conan el barbaro o el mismísimo The Dark cristal que era una tendencia enfocada a un público juvenil. Esta película tenía todo para triunfar entre los jóvenes que comenzaban a ver a Disney como una empresa meramente infantil, pero no fue así. 

Por estas fechas (1985) llega a Disney un hombre llamado Jeffrey Katzenberg quien pidió que se modificara la película que el estudio tenía planeada, este señor eliminó más de 10 minutos del filme, arruinando secuencias enteras y dejando algunas escenas incompletas, y eso se siente demasiado llegando al tercer acto de la película, cuyo final llega de manera abrupta sin habernos dejado profundizar en las relaciones de Taron con la princesa Elena, Fausto Flama o Gurgi, nos deja muchas cosas sin explicación (hay una escena en la que aparecen hadas de la nada), la “violenta” escena final aunque está perfectamente animada se siente rota, llega muy pronto y termina muy rápido. 

Por lo mismo del tema de la mutilación de la película y sumando que es la primer película animada de Disney que no cuenta con una sola canción, es muy difícil que uno como espectador llegue a encariñarse con cualquiera de los personajes, además de la ambición de condensar dos libros en una historia de 80 minutos arruinó la oportunidad que tuvo Disney para iniciar una saga fantástica (en lo personal yo daría lo que fuera por ver una adaptación completa de los 5 tomos, siento como que al cine actual le falta una gran saga de fantasía épica).

En fin, esta película también cuenta con una princesa, Elena, la única princesa Disney completamente ignorada por la franquicia (aunque es más princesa que Mulán, por ejemplo), pero lo cierto es que es un personaje algo desabrido y sin carisma, así que aunque la película hubiera sido un éxito, también habría sido ignorada seguramente. ¿Veredicto? En lo personal yo la recomendaría porque es mi gusto culposo, pero entiendo que no es ni de cerca la mejor de Disney, así que podrían verla bajo su propio riesgo jajaja.

Ahora les toca a ustedes, cuéntennos ¿Han visto esta película? y si es así ¿Qué les pareció?

¡Saludos! 

Calificación PLAY: 7.0/10