Aladdin

Título original: Aladdin | Título en Latinoamérica: Aladdín | Dirección: John Musker, Ron Clements | Producción: John Musker, Ron Clements | Guion: Ron Clements, John Musker, Ted Elliott, Terry Rossio | Música: Alan Menken | Estudio: Walt Disney Feature Animation | Estreno: 25/nov/1992 | Género: Animación, musical, fantasía | Protagonistas: Scott Weinger, Robin Williams, Linda Larkin, Jonathan Freeman, Frank Welker, Gilbert Gottfried, Douglas Seale

Aladdín es un joven de la calle que vive de robar, una rata callejera que se limita a sobrevivir en un reino en el que el más mínimo crimen se castiga de manera severa. Por otro lado, Jazmín es la clásica princesa mimada que cree que su situación (el ser obligada a casarse para convertirse en sultana) es peor que la pobreza extrema que vive su gente. 

Por azares del destino ambos jóvenes se conocen y sentirán el flechazo del amor a primera vista, cosa que desencadena en la supuesta muerte de Aladdín, quien será “reclutado” por Jafar, el visir del sultán, para que le consiga su tan ansiada lámpara maravillosa y así poder gobernar a sus anchas. 

Tras el éxito de “La sirenita” la dupla Musker-Clements regresa con una nueva cinta para el estudio, acompañados de nueva cuenta por otra gran dupla: Alan Menken y Howard Ashman, aunque si bien, Ashman falleció incluso antes del estreno de “La bella y la bestia”, también dejó bastantes canciones escritas para Aladdín (De las cuales, solo tres fueron incluidas debido a cambios en la historia, por lo que se requirió a Tim Rice para escribir nuevos temas) y la historia ya le había demostrado a Disney que estos 4 juntos eran un éxito garantizado. Y es precisamente la música la que le da vida a Aladdín.

Con temas clásicos como “Un salto adelante / A jump ahead”, “Un amigo fiel / Friend like me”, “Un mundo ideal / A whole new world”, este soundtrack no tiene nada que envidiarle a La bella y la bestia, con esos primeros acordes árabes, logran adentrarnos en la atmosfera de Agrabah y las canciones logran mover la historia (a diferencia de Frozen 2, de la que ya les hablaré más adelante). 

La animación es buena y aunque se siente vieja si lo comparamos con películas contemporáneas, no se siente tanto como con La sirenita. Aunque un detalle difícil de pasar por alto es que hay fotogramas bastante extraños, la mayoría involucrando a Aladdín o al genio y sus transformaciones jajaja, esto creo que se debe a los personajes sumamente caricaturizados que tenemos aquí, incluso en varias escenas el genio nos recuerda más a la animación de Tex Avery (Bugs Bunny, el pato Lucas, Porky, entre otros personajes de las famosas Fantasías Animadas de Ayer y Hoy, o Merry Melodies en inglés) que al mismo Disney, que se reconocía por sus animaciones un poco más realistas. 

Otro punto que me gustó es que la película no teme mostrar situaciones ligeramente más adultas, y no me refiero a pueblerinas que sufren del síndrome de Estocolmo, o sirenas que pactan con brujas, ni siquiera a esqueléticos reyes que quieren crear un ejército de zombis, sino más bien a que en Aladdín, vemos un claro intento de homicidio hacia el protagonista y a una princesa que utiliza su sexualidad contra el villano, escena que, por cierto, culmina con el beso más asqueroso de los clásicos animados de Disney. 

Como punto malo. Revisionando esta película me he quedado con la sensación de que Aladdín ha envejecido bastante mal pues tenemos muchísimas referencias pop de inicios de los 90 y finales de los 80, todas de mano del genio. Estamos a 18 años del estreno de la película y es más que probable que si no vivimos en Estados Unidos en ese periodo de tiempo específico, no nos suenen ni de broma nombres como Mary Hart, Ed Sullivan, Peter Lorre, Rodney Dangerfield, Adrian Cronauer, entre muchas personificaciones más que hace el genio. Esto no es algo que afecte la experiencia, pero creo que varios chistes darían más gracia si supiéramos de lo que hablan. 

Un detalle curioso es que una de las canciones (Noches de arabia / Arabian nights) sufrió de censura, la versión original que salió en el cine decía: 

"Where they cut off your ear if they don't like your face" 

“Y si ahí les caes mal, te van a mutilar” 

Mientras que, en las versiones subsecuentes, fue cambiado por: 

"Where it's flat and immense and the heat is intense" 

“Extensión colosal, resplandor singular” 

Cosa que no tiene mucho sentido pues, en español, la frase siguiente permaneció intacta, diciendo: “Que barbarie, pero es mi hogar” (refiriéndose a la mutilación). 

Y pues es todo por hoy, ¿Recomendación o anti-recomendación? Creo que hasta tonto es preguntarlo, estamos entrando en el punto más álgido del renacimiento de Disney y en toda la década de los 90, no hay una sola película de los clásicos animados que no valga la pena ver, así que en definitiva esta es una súper recomendación. 

Calificación PLAY: 8.8/10

Monsters University

Título original: Monsters University | Título en Latinoamérica: Monsters University | Dirección: Dan Scanlon | Producción: Kori Rae | Guion: Dan Gerson, Robert L. Baird, Dan Scanlon | Música: Randy Newman | Estudio: Walt Disney Pictures, Pixar Animation Studios | Estreno: 21/jun/2013 | Género: Animación, comedia | Protagonistas: Billy Crystal, John Goodman, Steve Buscemi, Helen Mirren, Peter Sohn, Joel Murray, Sean Hayes, Dave Foley, Charlie Day, Nathan Fillion

Muchos años antes de que Sulley y Mike fueran los amigos que vimos en Monsters, Inc. Ambos monstruos fueron a la universidad cono la firme determinación de convertirse en asustadores. Tras una serie de desafortunadas circunstancias, ambos ven sus carreras pendiendo de un hilo y deben declararse ganadores en las Sustolimpiadas con una fraternidad conformada por un grupo de perdedores si es que quieren retomar sus estudios. 

Honestamente, esta es una secuela (precuela, más bien) que nadie pidió y que vio la luz, más que nada por órdenes de Disney para vender muñecos y figuras. Recordemos que cuando salió Toy story, Disney inmediatamente exigió una secuela y, tras la negación de Pixar, comenzó a trabajar por su cuenta en ella, no fue hasta que la gente de Pixar vio el bodrio que estaba haciendo Disney con sus personajes que comenzaron a trabajar ellos en Toy story 2. Pues aquí ocurrió algo similar, ante la negativa de Pixar de hacer una continuación de Monsters, inc. En el 2005, Disney comenzó a trabajar en su propia secuela con el estudio Circle 7 Animation, luego vino la compra de Pixar en 2006, se desechó ese proyecto y Pixar comenzó a trabajar en la secuela. 

Comenzando por lo bueno, la animación de Pixar es una mención obligada, desde Valiente vimos el nivel de detalle en la cabellera de Mérida y ahora lo vemos en el pelaje de Sulley. 

Y creo que realmente es lo único bueno del todo. Cosa rara porque realmente no creo que tenga cosas malas tampoco, solo detalles por aquí y por allá que no dejan que la película esté a la par de grandes clásicos del estudio. 

La historia es sumamente sencilla: es la clásica historia de un grupo de perdedores en una escuela que deben enfrentarse a los que les hacen bullying para demostrar que valen algo. Creo que la trama avanza a tropezones, al menos hasta el momento en que empiezan las Sustolimpiadas, que es cuando comienza lo interesante y vemos a nuestros protagonistas y su grupo de perdedores prepararse para las distintas competencias. 

Lamentablemente, después de lo que parece el final, la trama se estira durante otros 15 minutos para mostrarnos algo que era completamente imprescindible, pero eso sí, con algunos cameos de personajes que aparecieron en la entrega anterior. 

En cuanto a los personajes, ambos son insoportables durante la mayor parte de la película, pero sí que vemos una evolución, notablemente encaminada a sus “yos” de Monsters, Inc., ¿Eso es malo? No realmente. Incluso me gustó la manera tan tonta como hicieron que Randall odiara a Sulley. Lamentablemente, fuera de ellos tres, todos los demás personajes son estereotipos de películas escolares. 

¿La recomendaría? Lo cierto es que no es mi cinta favorita de Pixar, pero tampoco creo que sea tan mala. Es dominguera, así que, supongo, está bien como para ver en familia. 

Calificación PLAY: 7.3/10

La nuit a dévoré le monde

 Título original: La nuit a dévoré le monde | Título en Latinoamérica: La noche devoró al mundo | Dirección: Dominique Rocher | Producción: Carole Scotta | Guion: Jérémie Guez, Guillaume Lemans, Dominique Rocher | Música: David Gubitsch | Estudio: Haut et Court, Canal+, Ciné+, What the Film, CNC, WTFilms | Estreno: 13/ene/2018 | Género: Terror, drama | Protagonistas: Anders Danielsen Lie, Golshifteh Farahani, Denis Lavant, Sigrid Bouaziz

Basada en la novela homónima de Pit Agarman, esta película nos narra la historia de Sam, un músico que vive en Paris y que va a casa de su exnovia (mientras ésta tiene una fiesta) a recoger algunas que ella se llevó sin querer. Nuestro protagonista se queda dormido en un estudio esperando a que la chica decida prestarle atención y cuando despierta descubre que las personas se han convertido en zombies.

En lo personal, esta película fue una grata sorpresa. Sigue la tendencia del cine de terror en el que se trata de ser más artístico. Películas que dejan de lado el susto fácil y los jumpscares para centrarse en lo estético que resultan escenas que, en otros casos, serían perturbadoras. 

En general, la película es bastante tranquila, vemos muchas escenas de cotidianeidad (o al menos lo más cercano posible en pleno apocalipsis zombi) y pocas escenas de acción tal cual. Aquí lo importante es mostrar cómo una persona se las arregla en dicho contexto y todo el peso del filme recae en su protagonista, el actor noruego Anders Danielsen que logra transmitir bastante con su actuación, a lo largo de la historia vemos como, a pesar de estar a salvo, va decayendo por culpa del frio y la soledad. 

El problema con este tipo de películas es que pueden resultar muy lentas para algunas personas, de hecho, me parece que el principal problema de “La noche…” es que tarda bastante en despegar y, al menos durante los primeros 40 minutos sí puede llegar a ser algo “aburrida”, pero tras un suceso puntual de la trama las cosas se aceleran llevándonos hasta un final algo abrupto. Otro detalle a tener en cuenta es que nuestro protagonista se encuentra solo, por lo que la mayor parte de la película podría decirse que es muda. 

Veredicto. Si les gustan las películas tranquilas y no son fans del terror, esta es una buena opción para ver, la van a disfrutar bastante, y van a reír y llorar con el protagonista; ahora que si lo suyo son más las películas de acción o el terror un poco más comercial, o esperan algo más violento por el hecho de ser zombies, quizás prefieran ver otra cosa. 

Pero bueno, ya es todo por hoy, ¿ustedes ya la han visto? ¿Qué les pareció? 

Calificación PLAY: 9.5/10

Charlie and the chocolate factory

Título original: Charlie and the chocolate factory | Título en Latinoamérica: Charlie y la fábrica de chocolate | Dirección: Tim Burton | Producción: Brad Grey, Richard D. Zanuck | Guion: John August | Música: Danny Elfman | Estudio: Warner Bros. Pictures | Estreno: 15/jul/2005 | Género: Musical, fantasía, comedia | Protagonistas: Johnny Depp, Freddie Highmore, David Kelly, Helena Bonham Carter, Noah Taylor, Missi Pyle, James Fox, Deep Roy, Christopher Lee

Estrenada en el lejano 2005, Charlie y la fábrica de chocolate es una adaptación del libro del mismo nombre de Roald Dahl (Matilda, Las brujas, Jim y el durazno gigante) en el que Charlie, un niño de una familia humilde, contra todo pronóstico, encuentra uno de los cinco tickets dorados que les permitirá a cinco afortunados niños (y un tutor) entrar a la enigmática fábrica de chocolate del señor Willie Wonka. Durante el camino conoceremos un poco del trasfondo del Sr. Wonka, nos toparemos con los Oompa loompas y veremos como la competencia directa de Charlie (los otros niños) son eliminados uno a uno por culpa de sus mismos impulsos.

Entre los puntos buenos pondría las actuaciones de los cinco niños, mientras que el personaje de Charlie (Freddie Highmore) está hecho como alguien sumamente blanco, el resto de los niños: Violeta, Augusto, Veruca y Mike/Miguel son más negros que nada y representan distintos pecados como la envidia y la avaricia de Veruca, el orgullo y vanidad de Violeta, la gula de Augusto y la ira y pereza de Miguel/Mike; Todos estos personajes están hechos para que el espectador los odie y los niños actores lo logran a la perfección, quizás se vean un poco falsos en momentos (algo normal) pero eso no impide que les creamos sus papeles.

Y creo que realmente es lo único que rescataría de esta película.

Ahora, de lo que no me gustó y que quisiera resaltar, es el papel de Willie Wonka a manos de Johnny Depp. Antes me gustaba mucho, sentía que era un actor multifacético y que hacía personajes muy variados, y quizás sea cierto, pero los papeles por los que es más reconocido son realmente el mismo (y él mismo) con diferente maquillaje, entiéndase al joven manos de tijera, Jack Sparrow, Ed Wood, Willie Wonka, Grindelwald, el sombrerero loco, el lobo feroz y Toro. Y en el caso de Willie Wonka (que es quien nos importa aquí), es un personaje sumamente pesado e intragable y no tiene el carisma que tendría, por ejemplo, Jack Sparrow ni el nivel de actuación que Depp ha demostrado en películas como “From hell”, “The tourist” o “Public enemies”, películas en las que se sale del tipo de caracterizaciones por las que lo conoce la gente.

Otra cosa que no me gustó fue la intervención de los Oompa loompas cuando llega el momento importante de cada uno de los niños eliminados, quizás las canciones menos forzadas sean, a mi parecer, la de Augusto y la de Veruca, las otras dos no me terminan de agradar, además de que los efectos en ellos se ven, en su mayoría, ya bastante obsoletos (De hecho, creo que, en general, esta película ha envejecido bastante mal).

Fuera de esos puntos buenos y malos, todo lo demás me resultó bastante indiferente, ni siquiera la música de Danny Elfman (Los Simpson, El extraño mundo de Jack, El cadáver de la novia) logra brillar, las actuaciones de Elena Bonham Carter y del gran Christopher Lee no son tan importantes como para resaltarlas, y la fotografía (y, de hecho, los escenarios en general) son demasiado brillantes como para algo hecho por Tim Burton, funcionan al momento de comparar el interior de la fábrica con el mundo exterior que sí que es más sombrío, pero es tanto el contraste que se siente demasiado falso y exagerado en ocasiones.

En definitiva ¿La recomendaría? No, creo que tanto Johnny Depp como Tim Burton tienen mejores películas que ésta, aquí hay cosas que, simplemente, no terminan de convencerme, quizás para los niños está bien, no lo voy a negar, pero fuera de ese público esta película no ofrece nada interesante.

Ahora les toca a ustedes, dígannos ¿Qué piensan de esta película? ¿Les gusta?

¡Saludos!

Calificación PLAY: 6.7/10

Beauty and the beast

 

Título original: Beauty and the beast | Título en Latinoamérica: La bella y la bestia | Dirección: Gary Trousdale, Kirk Wise | Producción: Don Hahn | Guion: Linda Woolverton | Música: Alan Menken | Estudio: Walt Disney Pictures | Estreno: 22/nov/1991 | Género: Animación, romance, musical | Protagonistas: Paige O'Hara, Robby Benson, Richard White, Jerry Orbach, David Ogden Stiers, Angela Lansbury, Rex Everhart, Jesse Corti

Basada libremente en el clásico cuento de hadas, “La bella y la bestia” nos narra la historia de Bella, una pueblerina con grandes aspiraciones que gusta de menospreciar a los demás pueblerinos mientras estos cantan sobre lo rara que es. Luego de que su padre fuera secuestrado por una temible bestia, Bella se ofrece como sustituto a cambio de que lo liberen y aquí empieza el romance estocólmico de rigor. 

Uno de los grandes aciertos de esta cinta es la música de Alan Menken y las canciones escritas por Howard Ashman, dupla compositora de los memorables temas de La sirenita. Grandes canciones clásicas de Disney aparecen aquí: “Fábula ancestral / Beauty and the beast”, “Nuestro huésped / Be our guest”, “Algo ahí / Something there”, e incluso la música por sí sola es fácilmente reconocible y le da a la cinta una esencia que no veíamos en Disney desde “El libro de la selva” (obviando a “La sirenita”, por supuesto). Lamentablemente Howard Ashman falleció 8 meses antes del estreno de la película y no pudo ver el resultado final de su trabajo, aunque él siempre supo que la película sería un éxito. 

La animación es bellísima, ha envejecido incluso mejor que La sirenita (que sí se le nota un poco lo viejo) y al verla en pleno 2020, es difícil creer que esta película ya esté por cumplir 30 años, aunque claro que tiene sus retoques como el reflejo de Bella antes de la escena del baile, que no estaba ahí en el momento de su estreno, pero lo cierto es que, aún así, la escena del baile es espectacular, ese escenario del salón tan fácilmente identificable es muy bueno, las pinturas de ángeles en el techo, el candelabro colgando... Todo en esa escena es memorable.

Gastón, el villano en turno, es un ser despreciable, machista, misógino, presumido, arrogante. Todo un patán. No es muy listo, pero funciona. Aunque quizás eso juegue en contra de Bella que es poco más que perfecta (buena hija, amable, bonita, lista, esbelta, culta, inocente, etc. etc. etc.).

Como punto en contra. Creo que la historia me choca un poco. Hay una anécdota en la que mencionan que tuvieron que eliminar la canción “Human again” porque abarcaba “varios meses” de la estancia de Bella en el castillo de la bestia, lo cual tendría mucho más sentido para mí que lo que vimos en la película. Básicamente el romance de Bella y Bestia dura algunos días y, sin embargo, hay tomas en las que vemos que está todo cubierto de nieve (canción: Something there), incluso cuando el papá de Bella sale a buscarla hay nieve, pero cuando Bella sale del castillo de Bestia, la nieve desaparece y ya no vuelve a aparecer en la película. Siento que, en la historia, les falló un poco la cronología de los eventos. Y eso sin contar que lo que hay entre Bella y Bestia es más un síndrome de Estocolmo que amor, pero bueno...

Conclusión. Creo que Beauty and the beast es una vista obligatoria en la filmografía de Disney, aunque el renacimiento del estudio de animación se dio con La sirenita, fue esta cinta la que marcó un antes y un después en las películas animadas (incluso se convirtió en la primer película animada en ser nominada a la categoría de “Mejor película” de los premios Oscar, antes de la creación de la categoría de “Mejor película animada”), salvo detalles puntuales de la trama, esta cinta es fácilmente lo mejor que ha dado Disney en cuanto a animación (seguida muy de cerca por El rey león). 

Y a ustedes ¿Qué les parece esta película? 

Calificación PLAY: 9.8/10

Mononoke-hime

Título original: Mononoke-hime (もののけ姫) | Título en Latinoamérica: La princesa Mononoke | Dirección: Hayao Miyazaki | Producción: Toshio Suzuki | Guion: Hayao Miyazaki | Música: Joe Hisaishi | Estudio: Studio Ghibli | Estreno: 12/jul/1997 | Género: Animación, fantasía | Protagonistas: Yōji Matsuda, Yuriko Ishida, Yūko Tanaka, Kaoru Kobayashi, Masahiko Nishimura, Tsunehiko Kamijō, Akihiro Miwa, Mitsuko Mori, Hisaya Morishige

Ashitaka es un joven príncipe Emishi, en el periodo Muromachi, que tras enfrentarse a un demonio recae sobre él una maldición que amenaza con terminar con su vida y su única posibilidad de salvarse es ir al bosque del Dios Ciervo. En su camino encontrará la razón por la que el demonio al que mató se convirtió en eso, conocerá a la peligrosa dama Eboshi y a San, una misteriosa chica lobo. 

Tenía muchísimos años sin ver esta película y la verdad quedé gratamente sorprendido. “La princesa Mononoke” tiene un encanto y una magia natural en todas sus escenas que difícilmente hemos visto (o incluso veremos) en una película de Disney, por decir algo. Aquí logramos empatizar rápidamente con nuestros protagonistas, tenemos a una “villana” que es en verdad una mujer fuerte que ve por su pueblo y que nos recuerda demasiado a la princesa Kushana de “Nausicäa”, tenemos esa clásica pelea entre la urbanización y la naturaleza que tantas veces ha planteado Ghibli pero aquí toma un matiz más crudo al mostrarnos descarnadas y violentas escenas de una guerra entre humanos y dioses moribundos. 

La música de Joe Hisaishi nunca decepciona, aunque los temas cantados pasan un poco desapercibidos si uno los compara, por ejemplo, con temazos como el de Totoro (Tonari no Totoro), Susurros del corazón (Country road), El castillo en el cielo (Kimi o nosete) o Recuerdos del ayer (Ai wa Hana, Kimi wa sono Tane), pero fuera de eso es un placer escuchar este score, especialmente el tema principal “La leyenda de Ashitaka”. 

La película toma el tema ambiental de “siempre” pero de una manera más dura, hay escenas que no escatiman en sangre y mutilaciones, además de que es precisamente la música la que añade un tinte nostálgico, uno no puede evitar sentir pena por ambos bandos (humanos y naturaleza) mientras luchan en una batalla sin fin.

El diseño de los personajes es espectacular en especial el del Dios Ciervo, Ashitaka y su alce Yakul, los demonios que atacan a los Dioses y los tiernos Kodamas que ya se han vuelto clásicos para el estudio. Y me encanta como Ghibli logra siempre poner personajes femeninos fuertes sin estarlo gritando y auto alabándose como lo hace Disney. Aquí tenemos a dos mujeres en ambos bandos de la guerra; por un lado, San que es la princesa Mononoke (ni loba ni humana) protegiendo al bosque y la naturaleza junto con su tribu de Lobos; y por otro lado la dama Eboshi que lidera a un pequeño pueblo que se dedica a la fundición y elaboración de armas, difícilmente podríamos llamarla la villana porque es mucho más que eso. También hay un tema interesante que me recordó mucho a las chicas que reparan el avión de Porco en Porco Rosso, pues cuando los hombres se van son ellas las que luchan y protegen su estilo de vida, y eso sin contar que muchas de ellas son exprostitutas que, en sus propias palabras, nunca habían sido respetadas hasta que llegó la dama Eboshi. 

Ahora ¿Qué tiene de malo? Creo que algo que jugó mucho en contra de esta película en este nuevo visionado que tuve fue el doblaje al español de ZIMA Entertainment (la distribuidora del filme en México), ya había notado algunas fallas en Kiki, entregas a domicilio, pero aquí hay demasiadas y son más evidentes. Si uno ve la película doblada y con subtítulos va a notar que muchas frases vienen desfasadas y cambian indiscriminadamente de personaje, hay frases que dice Ashitaka en español cuando en verdad las debió decir uno de los hombres de Jigo/Jiko lo que provoca cierta confusión pues carece de sentido que lo diga Ashitaka, por ejemplo: en una escena vemos que Jigo/Jiko mueve la boca, sin embargo no se escucha nada, cuando sí que aparecen subtitulos de lo que dice originalmente; en otras ocasiones cambian las conversaciones, en particular hay una escena en la que, en japonés, Ashitaka pregunta por San y otro personaje le contesta con su ubicación, en el doblaje pregunta por la situación del bosque y el otro personaje le contesta con la ubicación de San, lo cual, de nuevo, no tiene ningún sentido. Esto, obviamente, es culpa de ZIMA, no de Ghibli.

Otro detalle a tener en cuenta pero que no es algo malo como tal es que la película es muy larga (más de dos horas) y la historia es algo densa, por lo que no la recomendaría para niños (además de ciertas escenas de muerte y mutilaciones) ni para personas que no disfruten de historias un poco más “adultas” en una película de “caricaturas”. 

En fin, creo que no me falta nada más que decir y solo queda pasar al veredicto. 

¿Recomendación o antirrecomendación? Súper recomendada, no hay más. Es una película excelente, visualmente hermosa y con un bonito (y crudo) mensaje sobre la naturaleza y el hombre, si no la han visto denle una oportunidad, no se van a arrepentir y si ya la vieron cuéntennos en los comentarios qué les pareció, ¡Los leemos! 

Saludos :) 

Calificación PLAY: 10/10

The rescuers: Down Under

Título original: The rescuers down under | Título en Latinoamérica: Bernardo y Bianca en Cangurolandia | Dirección: Hendel Butoy, Mike Gabriel | Producción: Thomas Schumacher | Guion: Jim Cox, Karey Kirkpatrick, Byron Simpson, Joe Ranft | Música: Bruce Broughton | Estudio: Walt Disney Pictures | Estreno: 16/nov/1990 | Género: Animación, aventura | Protagonistas: Bob Newhart, Eva Gabor, John Candy, Adam Ryen, George C. Scott, Tristan Rogers

“Basada” libremente en los libros de Margery Sharp (y digo “basada” entre comillas porque realmente solo tomaron a los personajes protagonistas), en esta ocasión tenemos a un Bernardo que lucha contra sus inseguridades para proponerle matrimonio a Bianca mientras ambos ratoncitos se ven inmiscuidos en otro caso de secuestro infantil en Australia, en esta ocasión un niño que quiere defender a una majestuosa águila. 

¿Cómo hablar de esta película? Creo que, de todos los clásicos anteriores, Bernardo y Bianca era la que menos merecía una secuela. De hecho, la película no hace más que repetir la fórmula de la primera parte, llevándonos en esta ocasión a Cangurolandia (Australia), rescatando (de nuevo) a un niño de un adulto (de nuevo) que solo le interesa el dinero que pueda sacar de vender unos huevos de águila (en vez de un diamante).

A mi parecer, realmente lo único bueno de esta cinta es la animación. Disney se lució con el diseño del águila, nos da una de las escenas más bonitas de sus películas animadas (el vuelo de Marahute) y se corrigieron algunos de los detalles que vimos en la primera parte (como los ojos de Bernardo que cambiaban de color), pero ya. 

La historia es algo aburrida y los personajes son cero carismáticos, si acaso el ratón Jake podría ser el que más resalte, pero eso no salva a la película. Como villano, McLeach deja mucho que desear, es malo, sí, pero nada más; Cody como nuestro niño en peligro solo está ahí para mover la trama de Bernardo y Bianca (drop tittle), el triángulo amoroso entre Bernardo, Bianca y Jake sale sobrando, hay personajes molestos como todos los animales (incluyendo a Wilbur, el albatros que reemplaza a Orville de la cinta original), y siento que se intenta ocasionar la lástima que nos provocaba Penny, pero fallando estrepitosamente en el intento.

La música tampoco logra despegar en ningún momento, me parece que hay un tema musical, pero es tan random que ni siquiera lo recuerdo. Y, viendo la filmografía de Mike Gabriel (uno de los co-directores), realmente no tiene nada bueno en el apartado de dirección, salvo Pocahontas, de ahí en más parece que lo suyo es, más que nada, la animación (La sirenita, El rey león, La princesa y el sapo, Valiente, Frankenweenie), mientras que de Hendel Butoy (el otro co-director) no hay absolutamente nada, solo que dirigó un par de segmentos de Fantasía 2000 (El soldadito de Plomo y Pinos de Roma). Nada más.

Veredicto. Me parece que esta película es la que menos recomendaría de todo este renacimiento de Disney, se nota la mejora en la animación, pero eso no es suficiente para hacer de esta película algo que valga la pena ver. Por lo que “Cangurolandia” es una antirrecomendación inmediata. 

¿Ustedes ya la vieron? ¿Qué les pareció? ¿Les gustó? Los leemos en los comentarios :) 

Calificación PLAY: 5.3/10

Captain America: Civil War

 

Título original: Captain America: Civil War | Título en Latinoamérica: Capitán América: Civil War | Dirección: Anthony Russo, Joe Russo | Producción: Kevin Feige | Guion: Christopher Markus, Stephen McFeely | Música: Henry Jackman | Estudio: Marvel Studios, Walt Disney Studios Motion Pictures | Estreno: 06/abr/2016 | Género: Acción | Protagonistas: Chris Evans, Robert Downey Jr., Scarlett Johansson, Sebastian Stan, Anthony Mackie, Don Cheadle, Jeremy Renner, Chadwick Boseman, Paul Bettany, Elizabeth Olsen, Paul Rudd, Emily VanCamp, Tom Holland, Frank Grillo, William Hurt, Daniel Brühl

ADVERTENCIA: Posibles spoilers de Avengers: Era de Ultrón y Capitán América: El soldado del invierno.

The little mermaid

 Título original: The Little mermaid | Título en Latinoamérica: La sirenita | Dirección: Ron Clements, John Musker | Producción: John Musker, Howard Ashman | Guion: Ron Clements, John Musker | Música: Alan Menken, Howard Ashman | Estudio: Walt Disney Pictures, Walt Disney Animation Pictures | Estreno: 17/nov/1989 | Género: Animación, musical, romance, fantasía | Protagonistas: René Auberjonois, Christopher Daniel Barnes, Jodi Benson, Pat Carroll, Paddi Edwards, Buddy Hackett, Jason Marin, Kenneth Mars, Edie McClurg, Will Ryan, Ben Wright, Samuel E. Wright

Basada en el cuento homónimo de Hans Christian Andersen, todos conocemos la historia de Ariel, la sirenita que sueña con vivir en la superficie junto con los humanos, que se enamora del príncipe Eric y que le vende su alma a la bruja del mar para tener piernas e ir en busca de su amor. 

Lo cierto es que La sirenita es una de mis películas animadas favoritas de Disney y me es muy difícil ser completamente imparcial, de hecho, es esta película, junto con Splash (1984) la responsable de que comenzaran a gustarme las sirenas y que me hicieran querer saber más de ellas, cosa que me llevó a descubrirlas como seres mitológicos. Pero empecemos por lo bueno de esta película.

Creo que la esencia de La sirenita recae más que nada en su música. La historia de Ariel no sería la misma sin temas que ya son clásicos entre la gente, no hay nadie que no conozca canciones como “Bajo del mar/Under the sea”, “Parte de él/Part of your world”, “Pobres almas en desgracia/Poor unfortunate souls” o “Bésala/Kiss the girl” y eso es gracias a la dupla mágica de Howard Ashman y Alan Menken (quienes también trabajarían juntos en Aladdín y La bella y la bestia, hasta el prematuro fallecimiento del Sr. Ashman). 

La animación también es bellísima, se nota una animación más limpia que lo que vimos en películas anteriores (Aristogatos, Los 101 dálmatas) aunque hay escenas en las que el cuerpo de Ariel se ve muy raro y algo desproporcionado, pero los paisajes en general, y las escenas del barco, el castillo junto a la playa o la batalla final son buenísimas, en esta película trabajó Glen Keane, actualmente uno de los grandes animadores de Disney, antes él ya había animado a varios personajes como Gurgi y la princesa Eilonwy de “El caldero mágico”, a Penny de “Bernardo y Bianca” y al dragón Elliot de “Mi amigo el dragón”, entre otros. Para “Oliver y su pandilla” Glen Keane creó a sus primeros personajes, y de ahí brincó a diseñar a la sirenita. A este señor le debemos la creación de Ariel, Bestia (La bella y la bestia), Aladdín, Pocahontas, Tarzan, entre muchos más.

Pasando a lo malo, no es algo malo de la película por sí misma, sino que se viene acarreando desde la fuente original, y es que algo que es más que obvio al ver películas basadas en cuentos de hadas es que su definición de amor está demasiado obsoleta o idealizada, y eso hace que en la época actual nos parezca inverosímil o incluso tonto que una persona deje toda su vida para irse detrás de alguien que ni siquiera conoce y que no es seguro que le corresponda (que quizás sí haya gente que haga eso, pero no es lo común). Es un caso similar, por ejemplo, al de Romeo y Julieta, quienes suelen ser considerados como el romance perfecto, la representación del amor verdadero en toda su magnificencia, pero a la gente se le olvida (o no lo saben) que es un romance de 3 días en el que murieron 4 personas, incluyendo la pareja protagonista. Aquí, la primer princesa Disney que no es un personaje completamente pasivo decide de buenas a primeras abandonar su vida y a su familia para irse detrás de un hombre que ni siquiera la conoce y que puede o no aceptarla en su vida (de hecho, siempre he creído que el príncipe estaba en todo su derecho de rechazar a la sirenita sin ningún problema ni ningún tipo de culpa de que se convierta en espuma de mar). 

En fin, ¿recomendación o antirrecomendación? Hasta la pregunta ofende. La sirenita marca un antes y un después en las películas animadas de Disney, su legado tanto para Disney como para la animación en general es innegable, aunque se viera opacada un par de años después por La bella y la bestia. Sí no la han visto, échenle un ojo, y si ya lo hicieron, cuéntennos qué les pareció y si les gusta o no esta adaptación de Walt Disney. 

Calificación PLAY: 9.5/10

Brave

 Título original: Brave | Título en Latinoamérica: Valiente | Dirección: Mark Andrews, Brenda Chapman | Producción: Katherine Sarafian | Guion: Mark Andrews, Steve Purcell, Brenda Chapman, Irene Mecchi | Música: Patrick Doyle | Estudio: Walt Disney Pictures, Pixar Animation Studios | Estreno: 22/jun/2012 | Género: Animación, fantasía | Protagonistas: Kelly Macdonald, Emma Thompson, Billy Connolly, Julie Walters, Robbie Coltrane, Kevin McKidd, Craig Ferguson

“Valiente” nos narra la historia de Mérida, una princesa escocesa del reino de Dunbroch, que no quiere ser como las demás princesas, ella quiere ser libre de elegir lo que quiera en la vida, cosa que a su madre no le parece. Por azares del destino, Merida conoce a una bruja y, por puro berrinche, embruja a su madre para que le cumpla todos sus caprichos. 

Empecemos por lo bueno de esta cinta. La animación es bellísima, como siempre en todas las películas de Pixar y es a partir de esta película en la que vemos un nivel de detalle supremo, el cabello de Mérida es una chulada, los detalles del tapiz que teje la mamá, los escenarios boscosos, todo en este apartado es hermoso… menos los personajes masculinos que están hechos para ser feos a propósito jajaja. 

La música de Patrick Doyle (Thor, Harry Potter y el caliz de fuego, Cenicienta, etc.) está plagada de gaitas escocesas que ayudan mucho en la ambientación de la película, hay un par de canciones (cantadas en español por la cantante mexicana Yuridia) pero realmente pasan sin pena ni gloria, a diferencia de otros temas como la canción de Mor’du interpretado por Billy Connolly (el rey Fergus) o la canción gaélica “A Mhaighdean Bhan Uasal” con Emma Thompson (la reina Elinor) que van muy acordes con la temática de la cinta.

Ahora, creo que el único punto malo como tal es uno muy recurrente en las películas infantiles y es el menospreciar a los padres en favor de los hijos. En esta película y en otras de princesas (Mulán, La sirenita, Aladdín, Frozen), las protagonistas anteponen sus deseos sobre lo que se les enseña, lo cual no es malo por sí mismo, pero la manera en que se plasma no es siempre la mejor, y un ejemplo de cómo esto puede terminar mal lo podemos ver en Frozen: cuando Anna conoce a Hans e inmediatamente quiere casarse porque es su sueño, es lo que siempre quiso y su malvada hermana no la entiende y solo se quiere interponer entre ella y su verdadero amor. Creo que todos aquí sabemos qué ocurre al final de esa película. 

En “Valiente”, la malvada madre de Mérida quiere obligarla a casarse, quiere obligarla a que se comporte con educación, obligarla a estudiar (¡Qué horror!) y obligarla a ser una reina en el futuro. La bondadosa hija no hace ningún mal en romper las reglas, ella está en su derecho porque es su deseo y su sueño siempre ha sido ser libre (y es comprensible hasta cierto punto), pero ¿Qué pasa aquí? Es más fácil pedir que se cambie la actitud de la malvada madre que cambiar la propia, de hecho, desde que vi esta película en el cine en el 2012 creí que el final no era el adecuado. Sin entrar en spoilers, siempre me pareció que debió de haber ocurrido todo lo contrario a lo que en verdad pasa, para que Mérida aprendiera su lección. En fin, esa es solo mi percepción.

Otro gran acierto es, sin duda, los hermanos de Mérida. A diferencia del papá y los tres Señores que buscan comprometer a sus hijos con la princesa cuyos chistes son ligeramente malos, las escenas de los trillizos son bastante divertidas sin llegar a ser forzadas (en su mayoría). La inclusión de toda esa mitología alrededor de los fuegos fatuos, la bruja del bosque, la historia de Mor’du y los monolitos también es buenísima, me hubiera gustado que ahondaran un poco más en el simbolismo, pero lo poco que lo hicieron quedó bastante bien para una película infantil. 

¿Recomendación o antirrecomendación? Valiente es una de esas películas que uno debe ver sí o sí, quizás pierda un poco su toque con cada nuevo visionado, pero no tiene ningún desperdicio. Creo que sí la pondría (rozando) en mi top 10 de Pixar. 

¿A ustedes qué les parece esta película? 

Calificación PLAY: 9.2/10

Oliver & Company

Título original: Oliver & company | Título en Latinoamérica: Oliver y su pandilla | Dirección: George Scribner | Producción: Kathleen Gavin | Guion: Jim Cox, Tim Disney, James Mangold | Música: J.A.C. Redford | Estudio: Walt Disney Pictures, Walt Disney Feature Animation, Silver Screen Partners III | Estreno: 18/nov/1988 | Género: Animación, musical | Protagonistas: Joey Lawrence, Billy Joel, Natalie Gregory, Cheech Marin, Bette Midler, Robert Loggia, Richard Mulligan, Roscoe Lee Browne, Sheryl Lee Ralph

Basada libremente en la novela “Oliver Twist” de Charles Dickens, el clásico animado número 27 de Walt Disney nos narra la historia de Oliver, un gatito callejero que termina siendo reclutado “sin querer” por Dodger, un perro perteneciente a la pandilla canina de Fagin, un ladronzuelo algo estúpido.

¿Por dónde empezar? Esta película llega en un momento en el que la animación de Disney ya ha tocado su punto más bajo y se siente como un soplo de aire fresco, porque no es una mala cinta, simplemente se siente un poco rara dentro del canon de los clásicos (para la época), pero eso no quiere decir que sea mala. 

La historia es muy sencilla y el climax tarda en llegar y dura muy poco, llevándonos a un final bastante desabrido. La música no termina de convencerme, ni en cuanto a las canciones ni al soundtrack, aunque no deja de ser interesante escucharla pues sigue una tendencia muy marcada en cuanto a las composiciones para las películas animadas de los 80, con música más contemporánea (jugando con el rock y el jazz), tenemos aquí también la primera de muchas canciones escritas por el gran Howard Ashman para Disney (La sirenita, La bella y la bestia, Aladdín) y que, lamentablemente, no es tan memorable como sus trabajos posteriores.

“Oliver y su pandilla" sigue la tradición y el estilo que manejaba el estudio desde Los 101 dálmatas, La dama y el vagabundo, Los aristogatos y El zorro y el sabueso; llegando a tener cameos de algunos personajes de esas cintas (especialmente de los perros de La dama y el vagabundo, que también ya habían hecho su aparición en Los 101 dálmatas). El diseño de personajes está muy bien hecho, especialmente para Oliver y el cast canino, las expresiones que vemos en el rostro del protagonista se ven muy bien y nos hacen empatizar más fácilmente con él. Pero eso no ocurre con el cast humano. Lo que me lleva a los puntos en contra: los personajes humanos carecen por completo de carisma, ya sea el ladrón Fagin, la niña Jenny (cuyo diseño está calcado de Penny de “Bernardo y Bianca”), o incluso el villano en turno: Sykes (que nos recuerda bastante a Rattigan de Policias y ratones). 

Siguiendo con los personajes, siento que se abusa demasiado de los estereotipos en la pandilla de Dodger, desde Einstein que es la fuerza bruta del grupo (y con el nombre de un genio), hasta Rita (la chica fuerte, única en el grupo, con interés romántico por el líder), pasando por Tito (típico que si sale un perro chihuahua tiene que ser mexicano), Francis (el que en apariencia es agresivo pero que en verdad es todo un poeta amante de las bellas artes) y sin olvidarnos de Dodger (la mente maestra, el mejor y el favorito del grupo); o incluso Georgette (la típica Poodle creída de sociedad) aunque esto no es malo per se, si es molesta la falta de originalidad al momento de elegir al grupo. Eso sí, desconozco si así sean los equivalentes en la fuente original.

Un dato curioso y que me pareció divertido mientras veía la película es que la voz de Dodger en el doblaje de México/Latinoamérica es la misma voz de Sebastián de La sirenita, y cuando uno lo nota (practicamente desde la primera canción) es imposible dejar de imaginarse al chaperón de Ariel. 

Ahora sí. ¿Veredicto? Nos encontramos ante una película un poco menospreciada simplemente por la época en la que vio la luz y que se vio opacada por los filmes siguientes (a partir de la siguiente cinta entramos en el renacimiento de Disney), pero, como dije al inicio, no es mala. De hecho, confieso que le tenía muy poca fe (no recordaba absolutamente nada de la trama) y fue una grata sorpresa. No es la gran película Disney, pero sí es bastante entretenida y dominguera 

Ahora les toca a ustedes ¿Qué les parece esta película? ¡Leemos sus comentarios! 

¡Saludos! 

Calificación PLAY: 6.8/10

Mimi o Sumaseba

 Título original: Mimi o Sumaseba (耳をすませば) | Título en Latinoamérica: Susurros del corazón | Dirección: Yoshifumi Kondō | Producción: Toshio Suzuki | Guion: Hayao Miyazaki | Música: Yuji Nomi | Estudio: Studio Ghibli | Estreno:15/jul/1995 | Género: Animación, romance, drama | Protagonistas: Yōko Honna, Issei Takahashi, Takashi Tachibana, Shigeru Muroi, Shigeru Tsuyuguchi, Keiju Kobayashi

Basada en el manga del mismo nombre de Aoi Hiragi, “Susurros del corazón” narra unos días en la vida de Shizuku Tsukishima, una chica de 14 años adicta a la lectura, y es su adicción a los libros los que la llevan a un misterioso nombre: “Seiji Amasawa”, un chico que ha sacado antes de la biblioteca todos los libros que ella lee. A partir de aquí tenemos una historia de romance juvenil mezclada con escenas de fantasía mientras ambos jóvenes intentan descubrir qué es lo que quieren de la vida.

La primera vez que vi esta película la amé, todo al respecto de ella me había gustado, literalmente la tenía en un pedestal, sin embargo, en esta nueva revisión descubrí que no me terminó de convencer y eso es algo muy triste.

Esta película fue el primer y último trabajo como director para Studio Ghibli del animador Yoshifumi Kondō (Lupin III, Panda Kopanda, El pequeño Nemo), una promesa en el mundo de la animación que contaba con todo para convertirse en el sucesor de Miyazaki, y que lamentablemente falleció en 1998 por una disección aórtica provocada por el estrés y el exceso del trabajo al que se vio sometido al trabajar en Susurros del corazón y La princesa Mononoke (amo a Ghibli, pero esto habla muy mal del estudio).

Tanto la animación como la historia son muy sencillas y, como en la mayoría de las películas del estudio, ahí radica el encanto de “Susurros del corazón”. No tenemos espíritus del bosque ni peleas por el medio ambiente, solo un sencillo romance entre dos chicos de secundaria en una ambientación que nos recuerda mucho a cintas como Recuerdos del ayer y Puedo escuchar el mar. 

La música también es muy sencilla y no se compara en nada con los majestuosos soundtracks de Joe Hisaishi, pero tampoco es mala, de hecho, recuerdo que cuando vi esta película hace como 10 años quedé enamorado del tema “Country roads” (un cover de “Take me home, country roads” del cantante John Denver) y, con este nuevo visionado, reafirmo que es una muy buena versión. 

Un detalle curioso es que se toca de manera superficial el recurrente tema del progreso, la eterna batalla entre urbanización y la tradición de un modo bastante peculiar: en la actualización del registro de la biblioteca que visita Tsukishima y es curioso porque es precisamente el antiguo método (tarjetas insertadas en las solapas de los libros) lo que permite que nuestros protagonistas se conozcan.

Como puntos en contra… La historia me pareció algo lenta incluso para el estándar del estudio y siento que le faltó algo para que terminara de engancharme como antes y es que me pasó exactamente lo contrario que con “Recuerdos del ayer”, una película que no me gustó hace 10 años y que ahora pongo en mi top de favoritas del estudio. Quizás sea que he crecido y que el amor adolescente ya no conecta tanto conmigo mientras que el tema de los arrepentimientos de una persona en sus 30 se asemeja más a mi situación personal propia. Sí, creo que es eso. 

Ahora ¿Recomendación o antirrecomendación? El hecho de que no la disfrutara tanto como antes no le quita que sea una historia bonita con muchas escenas memorables y una animación de calidad, así que sí, sí la recomendaría para cuando tengan ganas de ver algo que no necesite mucha concentración o para ver con la familia (niños incluídos). 

¿Ustedes ya han visto esta joya ignorada del Studio Ghibli? ¿Qué les pareció? 

Calificación PLAY: 7.8/10

Yu-Gi-Oh! The movie: Pyramid of light

Título original: Yu-Gi-Oh! The movie: Pyramid of light | Título en Latinoamérica: Yu-gi-oh! La película | Dirección: Hatsuki Tsuji | Producción: Lloyd Goldfine, Katia Milani, Michael Pecerlello | Guion: Michael Pecerlello, Norman J. Grossfeld | Música: Elik Alvarez, Joel Douek, Freddy Sheinfeld | Estudio: 4Kids Entertainment, Studio Gallop, Warner Bros. Pictures, Toho | Estreno: 13/ago/04 | Género: Animación, fantasia, Aventura | Protagonistas: Shunsuke Kazama, Kenjiro Tsuda, Hidehiro Kikuchi, Maki Saito, Junko Takeuchi, Tadashi Miyazawa, Jiro J. Takasugi, MAsanori Ikeda

Yu-gi-oh! La película nos sitúa entre la tercer y la cuarta temporada del anime que, si no me equivoco, es después del torneo de Ciudad Batalla, y nos presenta a un Yugi poseedor de las tres cartas de Dioses Egipcios, lo que lo convierten en el blanco de todos los duelistas del mundo. Por otro lado tenemos a un Kaiba obsesionado con derrotar a Yugi y que termina despertando a Anubis, el enemigo en turno que, junto con la pirámide de la luz, intentará destruir al faraón y con él, al mundo entero.

Tenía mis dudas sobre si debía reseñar esta película, pero supongo que nada pierdo haciéndolo. Para empezar, si no eres seguidor de la serie animada o del juego de cartas este filme no tiene nada que pueda interesarte, de hecho tampoco aporta nada nuevo al anime y solo sirvió para introducir algunas cartas nuevas al juego, imitando a la franquicia animada más popular de ese tiempo: Pokemon.

La película en sí es bastante mala, la historia es terrible y los personajes insoportables, en especial Kaiba con esa tonta obsesión que no le permite ver que solo está metiendo la pata. No sé si sea porque ya crecí (aunque actualmente sigo jugando el juego de cartas por diversión) pero esta película me aburrió bastante y, aunque no dudo que 4kids (la distribuidora del anime en América) tenga su parte de la culpa, lo cierto es que en gran parte de la película tenemos diálogos plagados de chistes y comentarios absurdos, e incluso el duelo, que se supone que debía ser el momento cumbre de la historia, se ve arruinado constantemente por esa cantaleta de “La amistad todo lo puede” y por las escenas innecesarias de Yugi y compañía en el rompecabezas del milenio.

La animación creo que mantiene la calidad de la serie, así que tampoco ofrece nada nuevo, igual que la música. El diseño de las cartas nuevas (especialmente ambas esfinges) es muy bueno, pero hasta ahí.

¿Veredicto? Anti recomendación. Si no les gusta el anime o el juego difícilmente van a disfrutar esta película, y si sí les gusta, pues igual difícilmente la van a disfrutar.

Calificación PLAY: 3.3/10

The great mouse detective

Título original: The great mouse detective | Título en Latinoamérica: Policías y ratones | Dirección: Ron Clements, Burny Mattinson, Dave Michener, John Musker | Producción: Burny Mattinson | Guion: Pete Young, Vance Gerry, Steve Hulett, John Musker, Ron Clements, Bruce Morris, Matthew O'Callaghan, Burny Mattinson, Dave Michener, Mel Shaw | Música: Henri Mancini | Estudio: Walt Disney Pictures | Estreno: 02/jul/1986 | Género: Animación, aventuras | Protagonistas: Vincent Price, Barrie Ingham, Val Bettin, Susanne Pollatschek, Candy Candido, Diana Chesney, Eve Brenner, Alan Young

Basada en los libros infantiles de Eve Titus “Basil of Baker Street”, esta película nos narra la historia de Basil, un ratón detective al más puro estilo de Sherlock Holmes que debe resolver el misterio del secuestro del juguetero Hiram Flaversham y de su hija Olivia, el cual está relacionado con su archienemigo, el profesor Ratigan.

Narrada desde el punto de vista del Dr. Dawson, un ratón bonachón recién llegado de Afganistán y que se ve “embarrado” en los problemas de la niña Olivia, la ratoncita que busca a Basil para que encuentre a su padre. 

Después de haber visto “El caldero mágico” esta película resultó una muy grata sorpresa, la historia es bastante entretenida, la animación da un salto espectacular en comparación con los filmes anteriores (especialmente la escena final en los engranajes del Big Ben, una clara alusión a la escena final de “El castillo de Cagliostro” de Hayao Miyazaki), a diferencia de la película anterior, aquí se logra tener un buen equilibrio entre personajes carismáticos y un trasfondo oscuro sin que deje perder su toque para niños, y eso que tiene una escena en particular que sí podría sacar un buen susto a algún distraído. 

Si acaso siento que flojea un poco en la música y aunque cuenta con un par de canciones, solo el tema de Ratigan “The world’s greatest criminal mind” logra resaltar y creo que yo sí lo posicionaría en el top ten de canciones de villanos (comentario aparte, sería interesante hacer un top así en cuanto termine el reto sobre los clásicos, aunque todavía falta para eso). 

El diseño de los personajes me recuerda mucho a los que ya vimos en Robin Hood, incluso el parecido entre Basil y Robin es bastante pero no es algo que moleste como el caso de Baloo y el pequeño Juan que uno era una mera calca del otro; Basil es un personaje con mucho carisma, creo que es debido a que está basado en Sherlock Holmes y me recuerda mucho a personajes como Sheldon de The big bang theory, Tony Stark de Iron man o a muchas de las adaptaciones del mismo Sherlock, incluso su evolución narrativa es similar a lo que veremos con varios personajes de Marvel, que comienzan sus cintas con un notorio egocentrismo hasta que reciben un golpe de humildad, en este caso gracias a Ratigan que tampoco se queda atrás. Basado en el personaje de Moriarti, Ratigan es una rata a la que le molesta que le recuerden su origen, al igual que todo villano tiene un objetivo fundamental que se ve interrumpido por nuestro héroe, es desalmado al grado de matar a quien le llame rata (aunque sea de su bando) y, tal y como hiciera Cruella en Los 101 dálmatas, Ratigan también se deja llevar por su lado más salvaje en las escenas finales. Fuera de ellos dos, los demás personajes son algo genéricos, en especial Dawson, una calca de lo que todos tenemos en mente como el Dr. Watson; tenemos también a Fidget, el murciélago minion de Ratigan que proporciona el desahogo cómico en ciertas escenas; obviamente están Olivia y su padre que funcionan solo como elemento motor de la historia y poco más. Y, por cierto, hay un cameo de un personaje de Alicia en el país de las Maravillas.

Algo que me llamó la atención es la cantidad impresionante de armas que aparecen aquí, recordemos el cortometraje de Pecos Bill fue mutilado para eliminar la única escena con una pistola y ni digamos lo que le hicieron al desaparecido corto de The Martins and the Coys. Por lo que es raro que esta película no haya sido editada para ocultar todo eso (Me da curiosidad si siquiera la incluyeron en el catálogo de Disney+, con eso de que han censurado tantas cosas por tonterías tan simples como un escote o una secadora). 

Otro dato curioso es que esta sería la primera película del estudio dirigida por la dupla de Ron Clements y John Musker, ambos fueron animadores en “En el zorro y el sabueso” y contribuyeron en “El caldero mágico”, sin embargo, aquí despegaría su carrera y serían mejor conocidos por sus 3 filmes siguientes: La sirenita, Aladdín y Hércules. 

¿Veredicto? Completamente recomendada, estoy consciente de que no es la mejor película de Disney (al igual que el caldero mágico) pero tiene un no-sé-qué que cautiva, es divertida, entretenida y ligeramente más oscura que lo típicamente Disney, así que si no la han visto denle una oportunidad y cuéntenos qué les pareció. 

¡Saludos! 

Calificación PLAY: 8.0/10

Ant-man

Título original: Ant-man | Título en Latinoamérica: Ant-man, el hombre hormiga | Dirección: Peyton Reed | Producción: Kevin Feige | Guion: Edgar Wright, Joe Cornish, Adam McKay, Paul Rudd | Música: Christophe Beck | Estudio: Marvel Studios | Estreno: 17/jul/2015 | Género: Acción, aventuras, comedia | Protagonistas: Paul Rudd, Evangeline Lilly, Corey Stoll, Bobby Cannavale, Michael Peña, Tip "T.I." Harris, Anthony Mackie, Wood Harris, Judy Greer, David Dastmalchian, Michael Douglas

Basada libremente en los cómics homónimos de Marvel, en “El hombre hormiga” conocemos a Scott Lang (Paul Rudd), un exconvicto que, a pesar de querer hacer las cosas bien, termina robando (de nuevo) la casa del viejo Hank Pym, quien en su juventud fuera un superhéroe junto con su esposa, superhéroe que pasó al olvido y terminó convirtiéndose en un mito, a petición del propio Hank. Y así, durante la película vemos el origen de Scott como héroe mientras se enfrenta a una versión malvada de sí mismo: Yellowjacket.

Creo que uno de los principales aciertos de esta película son los efectos especiales, las reducciones del hombre hormiga, el entorno y los insectos que le dan nombre se ven muy bien y no se siente que hayan envejecido mal como otras películas de las mismas fechas. La escena de la lucha final con Thomas (el tren protagonista de Thomas y sus amigos) es muy divertida, creo que se siente fresca en comparación de otras escenas, tanto de acción como de comedia.

Y hablando de comedia, como ya he ido mencionando en varias películas anteriores, de Iron man 2 a la fecha los chistes malos y forzados han ido ganando terreno por encima de la acción (que, se supone, debería ser el género primario) Desde Star Lord (Guardianes de la galaxia) hasta Scott Lang (el hombre hormiga) y pasando por Tony Stark (Iron man), Thor (Thor), todos los protagonistas (a excepción de Capitán América) se han ido convirtiendo en máquinas de chistes conforme avanzan sus respectivas sagas, sé que es tonto que a estas alturas me queje de eso cuando realmente las únicas películas serias han sido las 4 primeras de la Fase 1, pero no deja de ser un detalle negativo que la gran mayoría de los chistes hayan envejecido mal (me refiero a que dejan de ser graciosos con cada nuevo visionado). 

Como punto totalmente en contra, las escenas de acción (salvo la escena final que ya mencioné arriba) no me gusta como se ven, de por sí pensar en un superhéroe que se llama “hombre hormiga” da algo de risa, verlo pelear a golpes en su tamaño reducido es sencillamente ridículo, y sí, me refiero principalmente a la pelea con Falcon. 

Otra cosa que noté, es que es la 2da vez en la franquicia en la que se hace referencia a un Stark como culpable del desarrollo de un personaje en una película que no pertenece a Iron man; lo vimos en el personaje de Ultrón en “Avengers: Age of Ultron” con Tony Stark como el creador (dato curioso: En los cómics es realmente Hank Pym quien lo crea) del villano, y lo vemos aquí con Hank Pym y su relación con Howard Stark (responsable indirecto de que Pym decida ocultar su traje). Y esta es una situación que veremos en varias películas más adelante, siendo las más notorias pertenecientes a la sub-saga de Spider-man. Y quizás no sea tan molesto a estas alturas, pero después de varias películas que se cuelgan del héroe más famoso que tiene el MCU si cansa un poco. 

Un detalle que tampoco se puede dejar pasar es la inclusión de los clásicos estereotipos del mexicano en Estados Unidos, los llamados “pochos”, que como todo buen cliché racista sirven de alivio cómico (por si no fue suficiente con el protagonista), son los segundones (igual que los héroes afroamericanos en Iron man y Capitán América), están ligados a la vida delictiva y, a pesar de que demuestran ser listos (a excepción de Luis) son estúpidos para dar risa. Como mexicano que soy, no es un cliché que me moleste particularmente (de hecho, Luis me pareció gracioso la primera vez que vi la película), pero estoy seguro de que más de uno salió ofendido en su momento, así que es un factor a tomar en cuenta. 

Conclusión. No creo que Ant-man sea una mala película, al contrario, tanto la acción como la comedia se sienten frescas como en su momento pasó con Guardianes de la galaxia, el problema viene cuando uno la ve de nuevo pues es de esas películas que con cada visionado van perdiendo su toque. 

¿Ustedes que opinan de esta película? ¿Les ha llegado a molestar, como a mí, tanto chiste forzado? ¡Los leemos en los comentario!

¡Saludos!

Calificación PLAY: 8.0/10