Cinderella

Título original: Cinderella | Título en Latinoamérica: Cenicienta | Dirección: Clyde Geronimi, Hamilton Luske, Wilfred Jackson | Producción: Walt Disney | Guion: Ken Anderson, Perce Pearce, Homer Brightman, Winston Hibler, Bill Peet, Erdman Penner, Harry Reeves, Joe Rinaldi, Ted Sears, Maurice Rapf | Música: Oliver Wallace, Paul J. Smith | Estudio: Walt Disney Productions | Estreno: 04/mar/1950 | Género: Animación, romance, drama, fantasía, musical | Protagonistas: Ilene Woods, Eleanor Audley, Verna Felton, Rhoda Williams, James MacDonald, Luis van Rooten, Don Barclay, Mike Douglas, William Phipps, Lucille Bliss, Betty Lou Gerson

Después de tantos años endeudados y sobreviviendo a base de películas con cortometrajes, en 1950 llega la película que salvaría al estudio de la bancarrota. Fue Blancanieves quien inició el sueño, pero sería Cenicienta quien lo salvaría cuando todo parecía perdido.

La historia de la chica que pierde a su padre y comienza a ser tratada como una criada por sus propias madrastra y hermanastras, para después (por medio de un hada madrina) asistir a un baile y conseguir que el príncipe se enamore de ella ya es conocida por todos.

Con la Cenicienta, Disney vuelve a sus orígenes, aquí se reúnen por primera vez los 9 ancianos de Disney (legendario grupo de animadores) y se nos presenta a su segunda princesa oficial, nos introducen canciones que se convertirían en grandes clásicos del estudio como “Soñar es desear la dicha / A dream is a wish your heart makes”, “Bibbidi babbidi bu / Bibbidi bobbidi boo”, “La canción del trabajo / The work song” y “Esto es amor / So this is love”, además de escenas emblemáticas como la mágica transformación del vestido de Cenicienta o ese pequeño “error de percepción” en el que, gracias a la sombra, el vestido blanco se ve azul, lo que generaría que en toda la mercancía de la película lo pusieran de ese color.

También algo que hay que resaltar es el uso de los colores, las sombras que ocultan todo el rostro de la madrastra, dejando únicamente sus malvados ojos, los fondos verdes y azules que se vuelven rojos mientras Drizella y Anastasia destrozan el vestido de Cenicienta, etc. Y esas tomas que le dan mas expresividad a las facciones de los personajes, como el close up de la cara de la madrastra cuando ve la 2da zapatilla de cristal.

Ya hablamos de todo lo bueno que tiene esta cinta, pero ¿Qué tiene de malo? El problema con las “versiones” actuales tanto en DVD como en Bluray (desconozco si también en Disney+, aunque es lo más probable) es el doblaje latino. Debido a una demanda puesta por la señora Evangelina Elizondo en la década de 1990, Disney decidió redoblar varias de sus películas (Cenicienta, Blancanieves, La bella durmiente y La dama y el vagabundo, principalmente), y la calidad de este nuevo doblaje es notoriamente inferior al original, el encargado de hacerlo incluso se dio el lujo de alterar la letra de canciones clásicas y emblemáticas como “Soñar es desear la dicha” en esta película o “El príncipe azul” en La bella durmiente, en algunos momentos las voces no suenan del todo bien (en especial la del príncipe) y al inicio de la película hay una frase que no se dice en este doblaje.

Y bueno, como algo más personal que nunca me ha gustado de esta historia, es que Cenicienta sea tan jodidamente buena y desinteresada y que nunca le pusiera un “hasta aquí” a su madrastra.

En definitiva ¿La recomendaría? Sí, sí, sí y sí. Es uno de los mejores clásicos animados de Disney, ha diferencia de otros como Blancanieves, éste ha sabido envejecer bastante bien, eso sí, si quieren ver el doblaje original y escuchar la bella voz de una joven Evangelina Elizondo, tendrán que recurrir a algún viejo VHS o a la nada recomendada piratería, me han dicho que en un tal Emule se puede conseguir (guiño, guiño).

Calificación PLAY: 9.0/10

Majo no takkyūbin

Título original: Majo no takkyūbin (魔女の宅急便) | Título en Latinoamérica: Kiki, entregas a domicilio | Dirección: Hayao Miyazaki | Producción: Hayao Miyazaki | Guion: Hayao Miyazaki | Música: Joe Hisaishi | Estudio: Studio Ghibli | Estreno: 29/jul/1989 | Género: Animación, drama, comedia | Protagonistas: Minami Takayama, Rei Sakuma, Kappei Yamaguchi

Basada en el libro homónimo de Eiko Kadono, “Kiki, entregas a domicilio” nos narra la historia de Kiki, una pequeña bruja que debe comenzar su independencia, yéndose a vivir sola a un pueblo en el que no haya brujas, una vez instalada en una panadería de la ciudad portuaria de Koriko, conoce a diversos personajes que la ayudaran en su camino de convertirse en una gran bruja, como Osono y su esposo, los dueños de la panadería, Tombo, un niño con cierta fascinación a todo lo que vuele y Úrsula, una chica independiente que vive en medio del bosque y que se dedica a pintar.

Algo que me gustó mucho de esta película es toda esa mitología implícita que rodea a las brujas: sabemos que, al cumplir los 13 años, las brujas deben independizarse de sus padres e ir a un pueblo en donde no haya una bruja ya (lo que nos dice que solo puede haber una bruja por pueblo), se menciona también que las brujas deben tener una especialidad, que su estado de ánimo afecta sus poderes y que la relación que tienen con sus gatos es más especial de lo que creemos, pero poco más, la mayor parte de lo que sabemos es por suposiciones, por comentarios que se hacen y llegamos a entender, pero fuera de eso todo se deja a la imaginación/intuición de cada quien.

De nueva cuenta vemos la fascinación que tiene Miyazaki a los aviones, dirigibles y cualquier artefacto volador, tal y como lo viéramos de pasada con Kanta, el vecino de Mei y Satsuki en Mi vecino Totoro, aquí se nos presenta a Tombo, un personaje muchísimo más desarrollado que refleja ese amor de Miyazaki. También tenemos esos bellos escenarios de la campiña japonesa, aunque lo que predomina más es la ciudad de Koriko de estilo europeo, con su torre del reloj, su ajetreada calle, sus callejones, callejuelas e incluso una playa. Sin duda, las escenas de Kiki volando ayudan a que los animadores se luzcan con los escenarios.

Algo que noté en este nuevo visionado para el reto Ghibli es que se tratan temas como la depresión y la madurez del personaje protagonista, también se presentan personajes femeninos fuertes e independientes como lo fuera Nausicäa en su momento, aquí no solo tenemos a Úrsula y a la misma Kiki, sino que conocemos a Kokiri, la madre de Kiki; Osono, la mujer embarazada que aloja a Kiki y dos particulares personajes que no recordaba y que amé en esta ocasión: Madame y Barsa, siendo la primera una anciana amable y cariñosa, y la segunda su risueña ama de llaves, ambas mujeres viven juntas en la mansión de Madame e inspiran tanta ternura que es imposible no amarlas en las pocas escenas en las que salen. Todas ellas se nos muestran como personajes fuertes que, aunque se ayudan entre ellas, no necesitan que nadie les resuelva sus problemas, a diferencia de lo que Disney nos tenía acostumbrados hasta la fecha de esta película (Para 1989 Disney estrenaría La sirenita, dos años después La bella y la bestia, luego Pocahontas y Mulán, que son los primeros referentes a Mujeres fuertes que tiene ese estudio), y hablando de Kiki y Úrsula, me encanta esa relación tan cercana que hay entre ambas y como Úrsula ayuda a la pequeña bruja cuando ésta siente que se le viene el mundo encima.

Y no me gustaría irme sin mencionar la música de Joe Hisaishi, a diferencia de sus otras películas, aquí la música resalta mucho con un estilo muy similar al de la música surf muy de los años 60s que se disfruta bastante y le da otro aire a la cinta.

En definitiva ¿Recomendaría Kiki, entregas a domicilio? Sí, es una película entretenida con el drama justo para que los espectadores casuales no se aburran, si no la han visto, denle una oportunidad.

Calificación PLAY: 8.0/10

The adventures of Ichabod and Mr. Toad

Título original: The adventures of Ichabod and Mr. Toad | Título en Latinoamérica: Dos personajes fabulosos | Dirección: Jack Kinney, Clyde Geronimi, James Algar | Producción: Walt Disney | Guion: Homer Brightman, Winston Hibler, Erdman Penner, Harry Reeves, Joe Rinaldi, Ted Sears | Música: Oliver Wallace | Estudio: Walt Disney Productions | Estreno: 05/oct/1949 | Género: Animación, comedia, cortometrajes | Protagonistas: Eric Blore, Pat O'Malley, Colin Campbell, John McLeish, Campbell Grant, Claude Allister, Leslie Denison, Edmond Stevens, The Rhythmaires, Basil Rathbone, Bing Crosby

Al fin llegamos al final de la edad empaquetada de Disney, en esta ocasión se presentan dos clásicos de la literatura: “El viento en los sauces” de Kenneth Grahame y “La leyenda de Sleepy Hollow” de Washington Irving, siguiendo un estilo más similar al de Funand Fancy free que al de los demás filmes de cortometrajes que intentaban emular a Fantasia.

Al ser dos cortometrajes basados en libros, se nos presentan por medio de escenas live action en una biblioteca, el primer segmento nos narra la historia de J. Tadeo Sapo, mejor conocido como el “Señorito Sapo”, un aristócrata inglés que, siguiendo los pasos de otros grandes personajes reales como Lord Byron o literarios como Dorian Gray, no escatima en nada con tal de satisfacer sus impulsos y deseos, por más extraños que estos parezcan. Así pues, al inicio de la historia vemos que su nueva “afición” es recorrer la campiña a lomos de su nuevo amigo Cirilo Nuncamiente, destrozando todo a su paso y ocasionando que su riqueza familiar se vaya en reparar los daños.

En toda mi vida, debo confesar que esta película era la única de todos los clásicos animados de Disney que jamás había visto completa, había visto únicamente el segmento de “La leyenda de Sleepy Hollow”, pero, aunque tengo claros recuerdos de que tenía un VHS titulado “El viento en los sauces” (que mostraba al señorito Sapo conduciendo un auto rojo al lado de otros personajes que, después, sabría que eran el Sr. Topo y el Sr. Ratón), jamás vi esta película, nunca me llamó la atención y ahora que por fin pude apreciarla, creo que no terminó de convencerme.

El señorito Sapo es de esos protagonistas que caen mal desde el inicio, es egoísta, presumido, obsesivo y no le importa perjudicar a sus amigos con tal de satisfacer sus deseos y en ningún momento se siente culpable o se arrepiente de sus actos, salvo cuando el perjudicado es él mismo.  Afortunadamente el resto de los personajes no son así y uno disfruta hasta de los villanos y esa persecución tan divertida que, incluso, fue reutilizada en “El libro de la selva”. Fuera de eso, este mediometraje no brilla ni por su soundtrack, ni por su estilo de animación que se parece muchísimo al de las Silly symphonies de 20 años atrás.

El segundo segmento nos narra las aventuras de Ichabod Crane, un supersticioso, glotón y bastante feo profesor que se muda al pueblito de Sleepy Hollow en donde se enamora de la bella Katrina van Tassel, consiguiendo que Hueso, el matón del pueblo, se ponga en contra suya y comience una guerra entre los dos por el corazón de Katrina, una guerra que terminaría involucrando al fantasma del jinete sin cabeza.

Tengo muy gratos recuerdos de esta película. Este segmento se disfruta bastante, la música es muy buena y tiene algunas canciones memorables (aunque no al nivel de clásicos como “Fabula ancestral” o “Mi príncipe vendrá”) y si tienen la oportunidad de ver el doblaje latinoamericano con la voz de Tintan, no se arrepentirán. La animación es sencilla pero las escenas del jinete sin cabeza son bastante buenas (mi parte favorita, la verdad) y yo creo que sí podrían asustar a más de un niño.

Algo que me gustó es que el protagonista no es tan pesado como el señorito Sapo, pero también tiene lo suyo, se aprovecha de su posición para comer gratis en las casas de sus alumnos y su interés por Katrina es meramente monetario pues es la hija de hombre más rico de Sleepy Hollow; Katrina, por su parte, tampoco es una santa, desde el principio se da a entender que solo juega con Ichabod para molestar a Hueso; y finalmente Hueso, aunque es uno de los villanos de la historia, se siente como el personaje más natural y honesto, le gusta Katrina porque es bonita y no se molesta en ocultar los celos que siente, a diferencia de Ichabod, no finge para agradar a los demás.

Si acaso algo no me gustó es el final, siento que ese par de minutos extras y esa explicación que dan, arruinan el ritmo y la historia que llevaban armando desde la escena de la fiesta en casa de los van Tassel.

Ahora… ¿La recomendaría? Definitivamente sí, y aunque “El viento en los sauces” no es malo, creo que si se disfruta menos que la historia de Ichabod.

Calificación PLAY: 7.8/10

Gekijō-ban Poketto Monsutā Kimi ni kimeta!

Título original: Gekijō-ban Poketto Monsutā Kimi ni kimeta! (劇場版ポケットモンスター キミにきめた！) | Título en Latinoamérica: Pokemon ¡Yo te elijo! | Dirección: Kinuhiko Yuyama | Producción: Satoshi Shimohira, Susumu Matsuyama, Atsushi Chiku, Hidenaga Katakami | Guion: Shōji Yonemura | Música: Shinji Miyazaki | Estudio: OLM, Inc., Toho | Estreno: 15/jul/2017 | Género: Animación, aventura | Protagonistas: Rica Matsumoto, Ikue Ōtani, Unshō Ishizuka, Masami Toyoshima, Megumi Hayashibara, Shinichiro Miki, Inuko Inuyama, Shoko Nakagawa, Kanata Hongō, Shiori Sato, Arata Furuta, Ryōta Ōsaka

Es difícil hablar de una película perteneciente a una franquicia que te gusta cuando sabes que, al ser un anime noventero (aún vigente) y que al estar más relacionado con niños que con adultos, propicia que la gente madura lo tache a uno de infantil o inmaduro, pero en fin, comencemos.

Con el estreno en febrero pasado de "Pokemon: Mewtwo Contraataca - Evolución", decidí echarle un ojo a algunas películas de la franquicia, y creí que “Pokemon: ¡Yo te elijo!”, al ser la vigésima película de Pokemon sería una buena idea para empezar, este filme es una especie de “adaptación libre” del anime original pero ubicada en una línea temporal alternativa, funcionando (también) como un reboot de la saga. Al igual que en la famosa caricatura de los noventa, aquí vemos a Ash Ketchum, quien recién va a comenzar su viaje pokemon, y que, tras quedarse dormido, no puede elegir al pokemon que será su compañero y debe “conformarse” con Pikachu, el pokemon ratón eléctrico que le quedó al profesor Oak.

Tal y como pasa en el anime, Ash y Pikachu no congenian muy bien que digamos, pero su relación mejora luego de ser atacados por un grupo de Spearows y tras ver al legendario Ho-Oh, quien suelta sobre Ash una pluma arcoíris y, tras esa breve introducción, comienza el recorrido de Ash con todo y su épico y clásico opening en un montaje musical que resume parte de la trayectoria de Ash.

Ahora ¿Qué tiene de bueno? La animación es muy buena, se nota una gran mejora entre esta película y sus predecesoras. Otro punto a favor es que recurre mucho a la nostalgia, incluye muchas escenas clásicas del anime como lo es cuando Ash encuentra a Charmander en la lluvia o cuando se despide de Butterfree y eso, en cierta medida, se agradece, y más cuando pasada la primera parte, la historia toma su propio rumbo, alejándose de la trama que ya todos los fans conocen para introducirnos al Pokemon legendario de turno, que en este caso son Ho-Oh y Marshadow, también se presentan personajes nuevos como Verity, Sorrel y Cross que reemplazan a Misty y Brock como los compañeros de Ash y a Gary como el enemigo en turno, y, de igual manera, se expande un poco más el universo Pokemon de Kanto, introduciendo a varios Pokemon de diversas generaciones/regiones.

¿Qué tiene de malo? A pesar de sus diferencias con el anime, esta película recurre mucho, muchísimo a la nostalgia y eso es un arma de doble filo, ya expuse porqué la nostalgia es buena, y ahora toca decir porqué es mala. Esta película fue hecha por los veinte años de Pokemon, está hecha para los fans de antaño y, por eso mismo, nos presenta personajes ya conocidos por todos pero más a modo de cameos como es el caso de Erika, la líder del gimnasio de ciudad Azulona, Gary, la contraparte de Ash en el anime, o incluso el mismo equipo Rocket que solo está de adorno en la trama, no tienen ni la más mínima participación, solo están ahí para recordarnos la importancia que tuvieron en la serie, veinte años atrás. Y si a eso le sumamos la inclusión de personajes sin trasfondo y que solo ayudan a que Ash avance (con todo y la inclusión de los tres perros legendarios: Entei, Raikou y Suicune, que realmente tampoco aportan nada), eso hace que la película se sienta sin vida.

Otro detalle que no terminó de convencerme es el nuevo legendario Marshadow que no sabemos si es bueno, neutral o si solo quiere ver al mundo arder. También, sin entrar en spoilers, el final es un coitus interruptus de pies a cabeza, toda la película te anticipa “algo” y, cuando esto llega, simplemente la escena se va a un fundido a negro.

En fin, realmente no es una película que necesite mucha concentración de nuestra parte, solo es para pasar un buen rato y, de paso, expandir un universo ya existente ¿La recomendaría? Si les gusta la franquicia de Pokemon, adelante, la van a disfrutar como niños chiquitos (o a sufrir si son puristas). Si, por el contrario, no son fans de los monstruos de bolsillo, pueden vivir perfectamente sin ella, no se perderán de nada.

¿Ustedes ya la han visto? ¿Les gusta esta saga/franquicia? ¡Cuéntennos sus opiniones en los comentarios!

Calificación PLAY: 7.0/10

Iron man 3

Título original: Iron man 3 | Título en Latinoamérica: Iron man 3 | Dirección: Shane Black | Producción: Kevin Feige | Guion: Shane Black, Drew Pearce | Música: Brian Tyler | Estudio: Marvel Studios, Walt Disney Studios Motion Pictures | Estreno: 03/may/2013 | Género: Acción, comedia | Protagonistas: Robert Downey Jr., Gwyneth Paltrow, Don Cheadle, Guy Pearce, Rebecca Hall, Stéphanie Szostak, James Badge Dale, Jon Favreau, Ben Kingsley

Alerta de Spoilers: Esta reseña podría incluir puntos importantes de las películas anteriores del Universo Cinematográfico de Marvel.