jueves, 5 de septiembre de 2019

Snow White and the seven dwarfs

Título original: Snow White and the seven dwarfs | Título en Latinoamérica: Blancanieves y los siete enanos | Dirección: David Hand, William Cottrell, Wilfred Jackson, Larry Morey, Perce Pearce, Ben Sharpsteen | Producción: Walt Disney | Guion: Ted Sears, Richard Creedon, Otto Englander, Dick Rickard, Earl Hurd, Merrill De Maris, Dorothy Ann Blank, Webb Smith | Música: Frank Churchill, Paul Smith, Leigh Hairline | Estudio: Walt Disney Productions | Estreno: 21/diciembre/1937 | Género: Fantasía, animación, musical | Protagonistas: Adriana Caselotti, Lucille La Verne, Harry Stockwell, Roy Atwell, Pinto Colvig, Otis Harlan, Scotty Mattraw, Billy Gilbert, Eddie Collins, Moroni Olsen, Stuart Buchanan

“Esclavo del espejo sal de la oscuridad.
Yo te invoco, ven a mí del más allá,
Con mi voz a través de los vientos y del fuego te conjuro,
¡Muestra tu rostro ya!
Sabio espejo consejero, saber quién es la más hermosa quiero.”

Blanca Nieves es una joven hermosa con piel blanca como la nieve, cabellos negros como el carbón y labios rojos como la sangre, su madrastra está celosa de la belleza de la chica por lo que intenta matarla, lo que orilla a Blanca Nieves a buscar asilo en una cabaña en medio del bosque, habitada únicamente por 7 enanitos.

Es muy difícil hablar de películas antiguas desde el punto de vista actual, el impacto que generaron en su época grabaciones como “La llegada del tren” de los hermanos Lumière (1895) poco o nada puede compararse al impacto que causaría hoy en día. Historias en las que un hombre de color canta y es feliz siendo un esclavo (Canción del sur, 1946) o en donde una chica espera a que llegue un hombre a rescatarla distan mucho de ser consideradas como buenas o aceptables en una sociedad actual. Entonces ¿Cómo hablar de un clásico animado cuya historia y personajes ya no reflejan los ideales de la sociedad de hoy? Facil. Verla y hablar de ella como lo que es, un legado cultural que refleja los ideales de su época, no más.

Corría el año 1934 cuando Walt Disney decidió que quería hacer un largometraje animado. Cuenta la historia que Walt se reunió con su gente y se puso a contarles el cuento de Blanca Nieves, actuando y cantando mientras lo hacía. Pronto comenzó a correrse la noticia y los medios especializados comenzaron a llamar a este proyecto como “La locura Disney”, todos decían que nadie querría ver una película animada, que la gente se cansaría de ver más de una hora de chistes, que los colores brillantes lastimarían la vista de las personas, etc. Etc.


Pero Disney lo tenía muy claro, él quería hacer su largometraje y no dejaría que nadie detuviera su sueño. Y aunque quizás todo comenzó con un ratón, fue una princesa la que le aseguró una larga vida a los estudios de Walt Disney. Para estas fechas (1934-1937) Disney ya era famoso por sus Sinfonías Tontas, una serie de cortometrajes animados que solían proyectar en los cines antes de algunas películas, lo que la gente ignoraba es que esos cortos eran experimentos para la gran apuesta, así podemos ver, por ejemplo, en “La diosa de la primavera” los primeros intentos para hacer personajes humanos menos caricaturizados. Y, aun así, uno de los principales problemas de esta película fue, precisamente, la animación humana, razón por la cual tuvieron que eliminarse escenas del príncipe (siendo la más famosa reutilizada en La bella durmiente, cuando el príncipe Felipe está preso en las mazmorras de Maléfica). Pero bueno, basta de historia.

Ya tenía fácil unos 4 años sin ver esta película y ahora que la vi no pude si no disfrutar de su sencillez y ver los guiños (o detalles) que tiene hacia otras historias, por ejemplo, vemos que Blanca Nieves viste con harapos mientras limpia el castillo (tomado de Cenicienta), vemos el beso de amor que despierta a la princesa (tomado de la bella durmiente) e incluso vemos una escena de un balcón que recuerda mucho a Romeo y Julieta. Al estar adaptando un cuento corto, el estudio pudo darse ciertas libertades creativas y extender y agregar escenas que les ayudaran a contar la historia. Que difícil es creer que una animación tan simple y sencilla haya tenido tanto impacto en Hollywood.

Una de las cosas que mas disfruto de esta película son sus canciones, no hay ni una sola canción que no sea conocida hoy en día a 83 años de su estreno (Deseo, Canto, Sonreír y cantar, Silbando al trabajar, Mi príncipe vendrá, Heigh-ho, La canción tonta), el score no es mi favorito pero con este nuevo visionado pude disfrutar mejor de él, de hecho, algo que llamó mi atención fue el uso de la música para transmitir lo que Tontín intenta expresar o para darle voz a los movimientos de este personaje así como a los animales del bosque, en el caso de Tontín, sus movimientos suelen ir acompañados de determinados instrumentos, algo así como ocurría en las Silly Symphonies. 

Otra de las cosas que más me gusta de Blanca Nieves son sus escenas oscuras, básicamente todas en las que interviene la reina malvada: Cuando le pregunta al espejo sobre quién es la más bella, el momento de su transformación en anciana, cuando envenena a Blanca Nieves y cuando es perseguida por los enanos son, sin duda, mis escenas favoritas de toda la película, seguidas por la escena de la Canción tonta.


Si tuviera que decir algo “malo” sería lo “vieja” que luce su animación hoy en día, lo cual realmente no es malo para mí pues nos ayuda a ver y apreciar la evolución que han tenido las películas animadas. Un detalle que antes no había notado, es la marcada diferenciación entre los segmentos, hay momentos en los que mas que una película, parece una serie de cortos unidos para formar una historia, lo que hace que se noten más los numerosos recortes que sufrió el filme antes de su estreno (Disney sentía que, aunque había muy buenas escenas, éstas afectaban el ritmo de la película), cosa que fue corregida en Pinocho.

Y creo que ya debería dejarle hasta aquí, podría hablar (o escribir) por horas y horas sobre el simbolismo que hay en la película, los cambios con respecto al cuento original o incluso tratar teorías de fans (hay una en especial que vi hace poco en Reddit en la que mencionan que Blanca Nieves muere y que el príncipe es la muerte que llega a llevársela), pero creo que eso mejor lo dejo para próximas entradas.

Ahora la pregunta del millón ¿La recomendaría? Es difícil recomendar una película animada tan “inocente” para un público que está acostumbrado a tener grandes romances “sin censura” o escenas de acción llenas de explosiones, y sí a eso se suma lo anticuada que queda actualmente la historia de Blanca Nieves, es difícil que esta película pueda ser amena o disfrutada por cualquier persona, así que muy a mi pesar no la recomendaría a menos que sea para sus niños o si, como yo, les gusta disfrutar de vez en cuando de películas antiguas, aunque, siendo honesto, creo que independientemente de los años o de lo obsoleto de la historia y los personajes, el legado cultural de Blanca Nieves es innegable y, a la fecha, sigue siendo la más bella de todas.

¿Y ustedes qué opinan? ¿La han visto? ¿Les gusta?


Calificación PLAY: 8/10

domingo, 1 de septiembre de 2019

Norman Fucking Rockwell!

Norman Fucking Rockwell!
Lana Del Rey

Empecé escribiendo esta crítica haciendo una descripción del álbum y las canciones. Pero, a estas alturas ya muchos lo han escuchado (incluso desde la filtración del mismo) así que no viene al caso volver a mencionar todo lo que la mayoría ha dicho ya.

En la primera escucha, el álbum no me dejó indiferente, pero tampoco me quedé impactado como cuando escuché Lust for Life por primera vez. Sin embargo, era justo volver a darle una nueva revisión con mayor detenimiento.

He de decir que el disco es un grower en sí, y que pese a caer mucho en la parte media del mismo, no te repele como llegó a suceder con Honeymoon e incluso con Ultraviolence. En cuanto a las letras, Lana ha madurado bastante. No está hablando de dinero ni hombres mayores cada dos estrofas. Aunque vuelve a abordar temas como el desamor, las drogas y la codependencia, se nota una clara superioridad en la ejecución de las mismas. Ejemplos podríamos poner muchos, pero empezaríamos a desvariar y esto no necesariamente tiene que convertirse en un análisis del esteticismo lírico presentado por Lizzy. Observamos varios estados de Lana en las letras, desde la graciosa frase inicial del álbum hasta la sobriedad del cierre, que ya conocíamos desde el año anterior. Tampoco podemos pasar por alto momentos memorables como en Love song, California y The Next Best American Record (que a mi, la parte de "all the roads lead to you" me ha sacado un par de lagrimillas). ¿Será que Lizzy ha dejado de ser una letrista cualquiera para convertirse en poeta?

Musicalmente, no representa un gran cambio. Podríamos decir que ya la habíamos escuchado con un estilo similar en Ultraviolence, o como el de Lana Del Ray a.k.a. Lizzy Grant si es que quisieramos remontarnos más atrás. Sin embargo, nuevamente tenemos canciones bastante notables como Norman fucking Rockwell, Mariners Apartment Complex (temazo), Love song, California y hope is a dangerous thing for a woman like me to have - but i have it. Aunque, encuentro dos problemas aquí. El primero es Venice Bitch, quienes muchos han aclamado, pero yo sigo sintiendo que le sobran casi siete minutos. Y esto nos lleva directamente al segundo problema: la progresión del ábum. Los primeros minutos de Venice Bitch están tan a la altura de la majestuosidad de Mariners Apartment Complex, pero después de eso tenemos las improvisaciones de Lana y Antonoff haciendo que la canción en cuestión dure casi 10 minutos. En algún punto, al menos yo, me llego a perder o comienzo a disociar. Lana no es Sufjan para hacer canciones de casi media hora. Aparte, la ubicación de Venice Bitch en el tracklist, hace que la energía del álbum caiga. Aunque Fuck it I love you repunta un poco, me parece mejor idea haber colocado Doin' Time antes que esta.

De una cosa estamos seguros: Lana jamás podrá superar Born To Die. Lo que sí puede hacer, es crear obras notables. Un claro ejemplo es NFR!, y aunque en estos momentos nos sigue gustando un poco más LfL como el segundo mejor álbum de Lana, podría ser que en un futuro cambiemos de opinión. Pregúntenme nuevamente dentro de un año, y veremos.

Calificación PLAY

8.3 / 10


 

viernes, 30 de agosto de 2019

Spider-man: Far from home


Título original: Spider-man: Far from home | Título en Latinoamérica: Spider-man: Lejos de casa | Dirección: Jon Watts | Producción: Kevin Feige, Amy Pascal | Guion: Chris McKenna, Erik Sommers | Música: Michael Giacchino | Estudio: Columbia Pictures / Marvel Studios / Pascal Pictures | Estreno: 02/julio/2019 | Género: Superhéroes, Aventura, acción, comedia, romance | Protagonistas: Tom Holland, Samuel L. Jackson, Zendaya, Cobie Smulders, Jon Favreau, J.B. Smoove, Jacob Batalon, Martin Starr, Marisa Tomei, Jake Gyllenhaal.

“A donde sea que vaya veo su cara.”

Esta entrada podría contener (y de hecho lo contiene) un spoiler importante de Avengers: Endgame

sábado, 24 de agosto de 2019

The dark crystal


Título original: The dark cristal | Título en Latinoamérica: El cristal encantado | Dirección: Jim Henson, Frank Oz | Producción: Jim Henson, Gary Kurts | Guion: David Odell, Jim Henson | Música: Trevor Jones | Estudio: Universal Pictures | Estreno: 13/diciembre/1982 | Género: Fantasía, aventura | Protagonistas: Joseph O’Conor, Stephen Garlick, Lisa Maxwell, Billie Whitelaw, Percy Edwards, Barry Dennen

En un mundo extraño, los Urskeks vivían apaciblemente hasta que su cristal encantado se fragmentó y los Urskeks se dividieron en 2 seres distintos: los Místicos y los Skeksis (skekses en su idioma original). Los Skeksis son seres malvados que gobiernan desde su castillo, torturan y esclavizan a los Podlings, e intentaron exterminar al clan de los Gelflings para que no pudieran efectuar la profecía en la que uno de ellos, al producirse la conjunción de los tres soles, restauraría el cristal encantado y terminaría con la existencia de los Skeksis. Es aquí en donde comienza la historia de Jen, un joven elfo sobreviviente del clan de los Gelflins, cuyo destino es poder cumplir con dicha profecía.

Ya tenía muchísimos años sabiendo de la existencia de esta película, incluso tengo vagos recuerdos de haber visto fragmentos con mi papá (al igual que de la película Laberinto) y la verdad es que nunca me había llamado la atención, incluso con la llegada de la nueva serie de Netflix para finales de este mes seguía sin interesarme. Hasta que un día decidí darle una oportunidad, estaba aburrido y tenía ganas de ver alguna película que no requiriera mucha atención y ésta fue la elegida. Sobra decir que dejé de hacer lo que estaba haciendo para dedicarme únicamente a verla.

De entrada, amé las marionetas, el diseño de cada una de las razas es impecable, desde la apariencia putrefacta de los Skeksis, la sabiduría que reflejan los Místicos, la inocencia y ternura de los Podlings, hasta la belleza de los Gelflings. Y es precisamente eso lo que aporta toda la magia que tiene esta película. En lo personal siento que la historia no es su fuerte, se siente algo básica (lo clásico en las historias de fantasía), pero se complementa muy bien con todo ese imaginario que hay en el planeta Thra.


Por un lado, tenemos a Jen, un joven Gelfling que fue rescatado por los Místicos de la masacre efectuada por los Skeksis, prácticamente fue criado para ser un héroe y cumplir con la profecía. En su misión se topará con otros carismáticos personajes como la bruja Aughra, quien lo ayudará a llegar al castillo de cristal; Kira, otra Gelfling sobreviviente que logró escapar de la masacre gracias a los Podlings. Tenemos también algunas otras razas como los zancudos, unos curiosos cuadrúpedos que viven en el bosque; los Garthim que son los insectos gigantes que sirven de ejército para los Skeksis o los murciélagos de cristal, entre otros seres fantásticos que habitan este mundo.

El soundtrack fue compuesto por Trevor Jones e interpretado por la Orquesta sinfónica de Londres y, aunque no llega a ser del todo memorable, sí que es bastante bueno, temas como The dark cristal overture y Love theme tienen ese tono épico que uno espera encontrar en este tipo de películas y otras como Gelfling song tienen cierto aire de nostalgia.


Algo que me parece curioso de esta película es el trabajo que debió representar hacer una película Live action a base de puras marionetas y lo difícil que debió ser lograr que todas las tomas salieran bien sin que se vieran las personas que las manipulaban. Si tuviera que señalar algo malo sobre El cristal encantado sería lo básico de su historia. Es el viaje del héroe resumido en una hora y media, pero es un problema menor que se compensa con creces al ver todo el imaginario que hay dentro de la misma (y que espero se incremente y se ahonde más en él con la nueva serie de Netflix).

¿La recomendaría? Por supuesto, sean o no fans de la fantasía, me parece que es una película que pueden disfrutar muchísimo, tiene un carácter básicamente infantil, pero no deja de tener sus escenas "fuertes" (que incluyen sacarle la energía vital a un ser vivo) y ligeramente "aterradoras" (mis respetos a las escenas de los Skeksis y los Garthim). Sin duda una película que no le pide nada a las producciones actuales y que, a pesar de los años, sigue manteniendo una estética bastante agradable que no se ha visto maltratada por la edad.

Calificación PLAY 9/10

domingo, 18 de agosto de 2019

Toy Story 4

Título original: Toy story 4 | Título en Latinoamérica: Toy story 4 | Dirección: Josh Cooley | Producción: Jonas Rivera, Mark Nielsen | Guion: Stephany Folsom, Andrew Stanton | Música: Randy Newman | Estudio: Walt Disney Pictures / Pixar Animation Studios | Estreno: 21/junio/2019 | Género: Animación, comedia, aventura | Protagonistas: Tom Hanks, Tim Allen, Joan Cusack, Annie Potts, Tony Hale

Nueve años después del excelente final de trilogía de la saga de Toy story, llega una película que, si bien es un poco innecesaria, logra mantener el nivel de las 3 películas anteriores.

En esta nueva entrega, Bonnie, la niña que recibió de Andy al grupo de juguetes protagonistas (cuya nueva vida ya hemos podido vislumbrar en los cortometrajes de la saga), debe ir al jardín de niños por primera vez, ahí, gracias a Woody, crea a su primer amigo: Forky, un muñeco creado a partir de basura que misteriosamente cobra vida y aquí comienza la odisea de Woody, Buzz y compañía por evitar que este muñeco se lastime y vuelva al basurero.

En los puntos buenos de este filme, creo que está de más hablar del nivel de animación que tiene Pixar, desde películas como Brave (2012) y Monsters University (2013) se han comenzado a notar innumerables detalles en la animación, cabellos, texturas y escenarios y en esta ocasión hay numerosas imágenes en internet que lo prueban. Randy Newman regresa con la música de esta entrega y, si bien las canciones nuevas suenan a algo típico de la franquicia, no están al nivel de temas como Yo soy tu amigo fiel, Cuando ella me amó, Cambios extraños o No navegaré nunca más. En cuanto a la banda sonora en general, es bueno escuchar los temas nuevos fundirse con temas ya conocidos como los leitmotif de Woody y Buzz, no hay temas que sobresalgan, pero tampoco es que los necesiten, la música de Toy story (franquicia) es muy fácil de reconocer.


Otro punto bueno es la adición de los nuevos juguetes, aquí además de Woody y Buzz tenemos el regreso de Bo Peep y la introducción de Gabby Gabby y su séquito de muñecos de ventrílocuo (los Bensons) como los villanos principales, tenemos una subtrama con 2 peluches de feria: Ducky y Bunny (algo inecesaria a mi parecer, rescataría solamente un 20% de las escenas en donde aparecen este par), Duke Caboom, un amigo de Bo que los ayuda en los momentos importantes de la trama y, el eje principal de esta entrega, Forky: el juguete creado a partir de basura.

Algo que me gustaría confesar es que, de recién que se dio a conocer la apariencia de Bo Peep en esta película tenía mis dudas, pero creo que en general su personaje estuvo bastante bien, me gustó ver su historia y cómo maduró su personaje a lo largo de todos los años que estuvo ausente, y fue interesante ver como su capa era al mismo tiempo su vestido, aunque en Toy story 1 el vestido era parte de la porcelana. Detalles más, detalles menos.

La historia es otro de los puntos fuertes, aunque la trama principal sea el básico “vamos a rescatar a un juguete”, el villano en turno está tan bien desarrollado que le da un giro interesante, me gustó porque nada tiene que ver con los villanos de las películas anteriores, ni siquiera sigue el canon de los villanos Pixar (el falso amigo) y, siendo honesto, creo que ni siquiera lo consideraría un villano de verdad. A ese grado está como personaje.


Ahora hablemos de qué tiene de malo… Realmente no es algo malo, solamente en lo personal, no me gustó que se ignoraran a todos los juguetes ya conocidos, personajes como Jessie, Dolly, Trixie, Rex, Hamm, Slinky, los señores Cara de papa, el señor Espinas y Buttercup aparecen únicamente en escenas puntuales, si tuvieron 4 líneas de dialogo (cada uno) en toda la película se me hacen muchas (aunque honestamente no las conté). Eso sí, me gustó que tuvieran su momento grupal al final de la película, da la sensación de que más que individuos son un solo ente, una familia.

Como ya lo mencioné un poco más arriba, el 80% de las escenas de Bunny y Ducky son totalmente innecesarias, sus chistes y diálogos son algo repetitivos por lo que llegan a cansar un poco… Y creo que realmente eso es lo único “malo” que tiene Toy story 4.

¿Recomendaría esta película? Por supuesto, quizás no la ponga al mismo nivel que Toy story 3 (el cual había sido un cierre perfecto), pero sí logra ser un final digno para uno de los personajes más queridos y reconocidos de Disney/Pixar.

¿Ustedes ya la vieron? ¿Qué les pareció? ¿Les gustó? ¿La recomiendan?

Calificación PLAY: 9/10

Pd: Antes de irme me gustaría hablar del desarrollo de 3 personajes: Woody, Forky y Gabby Gabby. No creo que lo que voy a poner a continuación sean graves spoilers, pero igual pondré la alerta de SPOILERS a partir de aquí. Si ya vieron la película, pueden seguir leyendo, en caso de que no lo hayan hecho vayan a verla y después leen lo que sigue.

Saludos!

Al principio sentí que Woody daba un retroceso en su personalidad, ya no es el Woody de Toy story 3, ni siquiera es el Woody de Toy story 2, hay momentos en la trama en los que Woody parece aquel juguete que, en 1995, tirara a Buzz por la ventana, se siente como un personaje algo intenso y molesta en ocasiones las actitudes que toma hacia sus amigos (en cierta escena llega a decir que él jamás abandona a un juguete, pero lo dice mientras abandona a sus amigos), pero tras analizarlo un poco pude ver que me equivocaba.

Lo importante en esta película es la relación de Woody con Forky, vemos a un Woody cansado, desplazado y que no encuentra su lugar, es un juguete de los años 60, durante toda su vida su misión ha sido hacer feliz a su niño, llámese Andy o Bonnie, y se frustra al no poder hacerlo; entonces llega Forky. Forky no es un juguete en forma y durante su trayecto en la película vemos a Woody cediéndole su puesto (y no solo a él, sino a sus amigos Jessie y Buzz), en esta película la misión de Woody ya terminó y el vaquero hace el mayor sacrificio de todos para salvar a su nuevo amigo. Si pudiera resumir el viaje de Woody sería con el breve intercambio de frases que Buzz tiene con Rex, en donde el dinosaurio pregunta si Woody es ya un juguete perdido y Buzz responde: No, ya no está perdido.


Gabby Gabby, la antagonista, es una muñeca perdida en el mismo sentido que Woody, sus motivaciones no son, ni de cerca, como las de Lotzo. Y dificilmente se le podría catalogar como villana, no quiero entrar mucho en spoilers, pero sus últimas escenas son muy buenas, a diferencia de Woody que tuvo su desarrollo en 4 películas, la historia de Gabby Gabby se narra en un par de minutos, la muñeca cuenta su historia y poco después tenemos un climax injusto e inesperado para finalizar con un bonito final. Así como Lotzo, Sid y el hombre pollo reciben su merecido al final de sus respectivas películas, Gabby Gabby también lo hace gracias a Woody (aunque no de la manera en la que él lo espera).

Y creo que era todo lo que necesitaba decir... Por cierto ¿Se quedaron hasta el final después de créditos? Es una tontería pero, en lo personal, me pareció bastante satisfactorio.

FIN DEL SPOILER

¡Saludos! (de nuevo)

lunes, 12 de agosto de 2019

Día del cine mexicano



¡Bienvenidos a una nueva entrada!

En esta ocasión quiero hacer algo diferente a lo que hemos estado escribiendo en el blog, y es que este jueves, 15 de agosto, es el día del cine mexicano.

Quizás muchos no supieran sobre esta celebración, de hecho yo tampoco la conocía hasta hace poco que decidí ampliar mis gustos cinéfilos y empecé a ir seguido a la cineteca y el cineforo de mi ciudad (Guadalajara). Entonces… Resulta ser que en abril del 2017 se aprobó una iniciativa para que cada 15 de agosto se celebrara el aporte cultural de la cinematografía mexicana y, de paso, promover la industria nacional. La idea es que este día se rinda homenaje al cine mexicano como expresión artística.

En lo personal no me considero un gran fan de lo que se produce en mi país, de hecho muchas personas me han llegado a tachar de malinchista, y quizás tuvieran un poco de razón. Pero ¿Cómo poder disfrutar de un cine en donde predominan comedias malas e historias de narcos? Después de varios años de menospreciar el cine de mi país, me di cuenta de que mi principal problema era que no encontraba películas acordes a mis gustos y después de investigar vi que en este país no se apoya al cine que no incluya risas fáciles o que glorifique al narcotráfico y la solución a mi problema vino de la mano del cine independiente, los distintos festivales y de directores que se arriesgan a salir del estándar mexicano. Por eso mismo decidí que, para ir calentando motores y celebrar este día, me gustaría recomendarles cinco películas mexicanas que de verdad he disfrutado (sin orden específico), no son películas que considere las mejores ni mucho menos, únicamente son películas que tuve la oportunidad de ver y que, por una u otra razón, me gustaron.

martes, 6 de agosto de 2019

Meary to Majo no Hana

Título original: メアリと魔女の花 (Meary to Majo no Hana) | Título en Latinoamérica: Mary y la flor de la hechicera | Dirección: Hiromasa Yonebayashi | Producción: Yoshiaki Nishimura | Guion: Riko Sakaguchi, Hiromasa Yonebayashi | Música: Takatsugu Muramatsu | Estudio: Studio Ponoc | Estreno: Julio/2017 | Género: Fantasía, animación | Protagonistas: Yūki Amami, Hana Sugisaki, Hikari Mitsushima, Ryunosuke Kamiki

En un escenario que mezcla la fantasía con el steampunk y que nos recuerda a tantas obras de Studio Ghibli, “Mary y la flor de la hechicera” abre con una batalla mágica en una isla flotante, en donde una joven bruja pelirroja huye en su escoba voladora dejando tras de sí fuego y explosiones, dando paso a la cotidianidad de la campiña inglesa.

Mary es una joven niña pelirroja que se muda a la casa de campo de su abuela Charlotte, mientras explora los bosques colindantes a la propiedad de su abuela se encuentra con dos gatos: Gib y Tib, quienes (sin quererlo, al parecer) llevan a la niña hacia una valiosa y extraña flor azul que florece cada 7 años.

Basada en el libro “The Little broomstick” de Mary Stewart, Mary y la flor de la hechicera es la primer película de Studio Ponoc, un nuevo estudio que surge buscando ocupar el vacío que nos dejó la desaparición de Studio Ghibli y, de momento, parece que va por buen camino. Y es que, Mary tiene todos los elementos de cualquier filme Ghibli, desde el diseño de personajes hasta muchas de las tomas y/o planos, y esto es gracias a su director Hiromasa Yonebayashi quien dirigió las películas de Arriety y El recuerdo de Marnie para dicho estudio, incluso el compositor Muramatsu Takatsugu ya había trabajado junto a Yonebayashi-san en la película de El recuerdo de Marnie.



Para ser una obra prima, la animación es bellísima, los escenarios campestres, las escenas en Endor (la escuela de magia) las secuencias de vuelo en la escoba voladora y la batalla final, todo está muy bellamente animado. Otro punto que me gustó es el imaginario que maneja, al ser la transmutación mágica uno de los ejes centrales de la película, era de esperarse que veríamos una increíble cantidad de fauna, tanto mágica como no-mágica.

Otro punto a favor es la forma en la que se desarrolla la historia (al menos hasta llegar al final). Creo que es algo que me gusta mucho de la narrativa japonesa en las películas animadas en general. En “Mary y la flore de la hechicera” me gustó mucho el ritmo lento y el tiempo que se toman para presentar a sus personajes, como muestran lo cotidiano en la vida de Mary y su abuela y como introducen los elementos mágicos, primero lentamente y poco a poco (una flor, unos gatos, la niebla) y luego de golpe (el primer vuelo en escoba y la presentación de Endor).

Pero no todo lo que brilla es oro y esta película no es perfecta, de hecho, su gran virtud también juega un poco en su contra, y sí, me refiero a ese parecido a Studio Ghibli. En lo personal, cuando vi esta película, no podía dejar de pensar en varias películas de ese estudio, principalmente en Kiki: entregas a domicilio, El viaje de Chihiro, El castillo en el cielo, Nausica y Ponyo en el acantilado. De hecho, eso me da a pensar que, quizás para este debut, Studio Ponoc quiso irse a lo seguro con cosas que ya saben que han funcionado en el pasado, por lo que no hay algo innovador en esta película (y hablando de parecidos… ¿Soy yo el único que vio una referencia a Harry Potter en una de las escenas en los salones de Endor?).

El climax también es muy rápido y anticlimático, durante toda la película te están preparando para un gran final, incluso minutos antes de que llegue a esa escena se ve todo bastante prometedor y, sin embargo, el desenlace no dura ni 5 minutos. Siento que me hizo falta un poco más de confrontación mágica, algo que hubiera podido compensarse con unos cuantos minutos más, en fin.


Siento que soy un poco injusto al comparar en todo momento a esta película con las realizadas por el studio Ghibli, pero en lo personal, como fan de sus películas, es lo que me motiva a ver los futuros proyectos de studio Ponoc, después de todo Mary es su primer película, con el tiempo irán tomando su propio camino y su propio estilo, pero para ser un comienzo, Mary está bastante bien.

¿La recomendaría? Claro que sí, por su animación, su desarrollo, sus personajes y su historia siento que es una película que vale la pena ver. Aunque si no son fans de películas animadas y/o japonesas en general, quizás sea una película que prefieran evitar.

¿Ustedes ya la vieron? ¿Qué les pareció? ¿Les gustó? ¿La recomiendan?

Calificación PLAY: 8/10

Nos mudamos

Cuando nació PLAYsource, hace ya año y medio, la idea era hacer reseñas, entre un amigo y yo, de todo lo que nos gustara: Series, películas,...