Kaikisen

Título original: Kaikisen (海帰線) | Título en inglés: Tropic of the sea | Título en España: Regreso al mar | Autor: Satoshi Kon | Ilustrador: Satoshi Kon | Publicación original: 1990 | Publicación en México: N/A | Volúmenes: 1 | Género: Misterio, Fantasía, Seinen

La familia Yashiro tiene una extraña tradición, cada 60 años una sirena va con el encargado de la familia y le entrega un huevo, tomando el huevo anterior para devolverlo al mar, ellos deben cuidarlo por la sirena y, a cambio, la sirena les proveerá de peces y un mar en calma. Pero las cosas se complican cuando el padre de Yozuke prefiere sacrificar las tradiciones por la modernización.

Japón es un país que logra combinar a la perfección la tradición con lo moderno y es precisamente el balance entre esos 2 conceptos lo que, muchas veces, es la columna vertebral en varias historias japonesas. A Satoshi Kon ya lo conocemos por haber sido el director de obras maestras de la animación japonesa como Perfect blue, Los padrinos de Tokyo y Paprika, películas en las que también se tratan temas contrarios que se complementan (los sueños o fantasía y la realidad, básicamente); y es interesante descubrir la ópera prima de este gran director (aunque no sea en el mundo de la animación como tal).

Entre los puntos buenos de esta obra me gustaría mencionar su historia que, si bien no es muy original, sí que logra ser bastante entretenida, en no más de 200 páginas logra crear los cimientos suficientes de una mitología alrededor de una sirena y un pueblo japonés. El conflicto inicial entre lo tradicional (representado por el protagonista Yozuke, su abuelo y sus amigos) contra la urbanización y la modernidad (representadas por el padre de Yozuke y el Sr. Ozaki, el jefe de la empresa encargada de construir el centro hotelero y el parque de diversiones en el pueblo) se llevan de una manera tan clásica que uno no puede hacer más que dejarse llevar por las olas y disfrutar de la narrativa y el arte (un tanto rústico) de Satoshi Kon.

Lamentablemente es lo único que tiene de bueno… Ahora ¿Qué tiene de malo? Los personajes en general. El villano principal de la historia es bastante básico, es el típico sujeto vestido de traje con lentes oscuros que es malo nomas porque sí, y es tan malo que hasta se da el lujo de patear perros por si quedaban dudas de su maldad. El padre de Yozuke es el clásico padre tonto que no cree en cuentos ni en la leyenda que ha escuchado toda su vida; Yozuke es el chavo que, tras una revelación, entiende que las leyendas son reales y que debe impedir que los malos triunfen porque sí. El mensaje es meramente ambientalista y la línea divisoria entre los buenos y los malos está perfectamente definida: La naturaleza es buena, el progreso es malo; los jóvenes son buenos, los adultos son malos; La tradición es buena, la modernidad es mala. Esto último no creo que sea algo malo per se, sino más bien el problema es cómo se aborda el tema, lo que me lleva a otro punto que juega un poco en su contra, y es la duración. Son siete capítulos condensados en un único tomo, lo cuál no permite dar profundidad a los personajes, no nos deja conocer mejor sus motivaciones ni las relaciones que hay entre ellos. Esto también afecta el climax y la resolución del conflicto, los cuales ocurren muy rápido y de una manera muy anticlimática. Honestamente creo que, si la historia se hubiera extendido un par de capítulos más en los que se explicaran algunas cosas, el producto final hubiera sido un poco diferente.

¿Recomendaría este manga? En lo personal, a pesar de sus detalles, me gustó mucho (al igual que casi todo lo que involucre sirenas), pero no es una historia que recomendaría. Se nota mucho que fue el primer trabajo de Satoshi Kon y aunque no la considero tan mala como muchos otros dicen en internet, no está al nivel de las películas animadas de este director. Sí están descubriendo a Satoshi Kon, pasen de largo de este manga y mejor vean su filmografía, pero sí son de los que, como yo, disfrutan viendo las óperas primas de sus directores favoritos, entonces denle una oportunidad a Tropic of the sea.

Y ya es todo por hoy, aquí en PLAYsource terminamos el año con esta reseña, muchas gracias por acompañarnos durante todos estos meses. De parte del equipo de PLAY les deseamos un excelente inicio de año y les mandamos nuestros mejores deseos, ¡nos leemos en unos cuantos días con la primer reseña del 2020!

¡Feliz año nuevo!

Calificación PLAY: 6.3/10

Toy story 2

Título original: Toy story 2 | Título en Latinoamérica: Toy story 2 | Dirección: John Lasseter | Producción: Helene Plotkin, Karen Robert Jackson | Guion: Andrew Stanton, Rita Hsiao, Doug Chamberlin, Chris Webb, John Lasseter | Música: Randy Newman | Estudio: Walt Disney Pictures, Pixar Animation Studios | Estreno: 24/nov/1999 | Género: Animación, comedia, aventura | Protagonistas: Tom Hanks, Tim Allen, Joan Cusack, Kelsey Grammer, Don Rickles, Jim Varney, Wallace Shawn, John Ratzenberger, Jodi Benson

4 años después de Toy story, Pixar regresaba a los cines con una segunda parte. La idea de una secuela viene por parte de John Lasseter y, aunque Disney quería que saliera directamente en formato casero, al final Lasseter logró persuadirlos para que saliera en cines, aunque con una agenda bastante apretada. Tras finalizar la producción de Bichos, el equipo de Pixar comenzó a trabajar a marchas forzadas en Toy story 2, consiguiendo que la película quedara lista a escasos dos meses de su estreno. Todo un logro. Existe también la leyenda urbana de que Disney quería una dirección completamente diferente para esta secuela, ellos querían que el protagonista fuera Buzz Lightyear como miembro del comando estelar, pero Lasseter logró tomar las riendas creativas del proyecto, llevando a que Toy Story 2 fuera lo que es hoy en día, en cuanto a la idea original, ésta terminó convirtiéndose en la película “Buzz Lightyear del Comando Estelar” que continuaría en forma de serie de televisión de Disney Channel.

Siguiendo con la película en turno. La historia sigue las aventuras de Woody, Buzz y la tropa de juguetes de Andy. En esta ocasión, Woody es robado en una venta de garaje y Buzz, acompañado de Slinky, Rex, Ham y el Sr. Cara de Papa van a rescatarlo. En el camino conoceremos a nuevos personajes que no tardarían en formar parte del imaginario Disney de manera recurrente como la vaquerita Jessie y su fiel corcel Tiro al Blanco.

La animación tiene una visible mejoría que puede apreciarse fácilmente en Buster, el perro de Andy, si lo comparamos a cómo se veía el perro de Sid en la primera película, aunque tanto el niño como el hombre pollo, y los demás personajes humanos en general, siguen pareciendo maniquís animados, no puedo ni imaginar cuanto sufrieron los artistas para poder, finalmente, en Monsters inc. Animar a un niño humano de forma más real. Esta película tardó 9 meses en terminarse, así que no sé que tanta culpa podamos echar a eso por la poca mejoría en la animación.

En lo musical, la banda sonora es muy similar a la primera entrega, pero Randy Newman logra superar temas clásicos como “Yo soy tu amigo fiel” y “No navegaré nunca más” con la balada insignia de Jessie: “Cuando ella me amaba”. Hay un documental muy interesante llamado “La historia de Pixar” en donde cuentan que esa canción estuvo a punto de ser recortada del filme porque creían que los niños se dormirían (caso similar a lo que querían hacer con “Parte de él” de “La sirenita”), pero cuando escucharon la canción, Tom Hanks y Tim Allen narran como todos estaban llorando por lo triste de la letra y la melodía. Finalmente decidieron incluirla interpretada por Sarah McLachlan (cantante canadiense), en lugar de un cantante masculino, como era la idea original (un gran acierto si me lo preguntan).

También me gustó cómo los demás juguetes de Andy toman un rol más activo, así podemos conocer más de sus formas de ser, y además se agregan de una manera muy orgánica a 4 nuevos juguetes: El oloroso Pete, Jessie, Tiro al blanco y el emperador Zurg, esos nuevos personajes sumados a los 6 juguetes de Andy (más el nuevo Buzz y el hombre pollo) son demasiados personajes importantes para una sola película y aún así cada uno tiene tiempo suficiente en pantalla como para que nos encariñemos con ellos o que los odiemos.

Finalmente la pregunta del millón… ¿Recomendada? Esto ni debería preguntarse, por supuesto que sí. El legado de la saga de Toy story es innegable; la música, los personajes y hasta frases se han vuelto icónicas tanto en el mundo Disney como en la cultura popular, además de que es de las pocas secuelas que iguala en calidad al producto original (y la franquicia puede presumir de ser una saga casi perfecta en cuanto a calificación).

¿Y ustedes qué opinan de esta película? ¿Les gusta? Los leemos en los comentarios.

Calificación PLAY: 9.7/10

A bug's life

Título original: A bug’s life | Título en Latinoamérica: Bichos: una aventura en miniatura | Dirección: John Lasseter | Producción: Darla K. Anderson, Kevin Reher | Guion: Andrew Stanton, Donald McEnery, Bob Shaw | Música: Randy Newman | Estudio: Walt Disney Pictures, Pixar Animation Studios | Estreno: 25/nov/1998 | Género: Animación, aventuras | Protagonistas: Dave Foley, Kevin Spacey, Julia Louis-Dreyfus

La idea original de Bichos llegó un año antes del estreno de Toy story (1995) durante un desayuno, mismo desayuno en el que nacieron las historias de Toy story 2 (1999), Monsters, inc. (2001), y Buscando a Nemo (2003).

Bichos es una de las películas más maltratadas por parte de Disney/Pixar y es algo injusto porque realmente es una excelente película. La historia es una adaptación libre de la fábula La cigarra y la hormiga de Esopo/La Fontaine, misma que ya antes adaptara Disney para una de sus Silly Symphonies en 1934, pero en esta ocasión se plantea un “What if…”, ¿Qué pasaría si los saltamontes decidieran tomar la comida por la fuerza? ¿Qué pasaría si las hormigas dejaran de ser simples obreras y decidieran defenderse de sus opresores?

Al igual que en Toy story, Bichos nos presenta a una gran multitud de personajes y tanto personajes principales como secundarios tienen su propia personalidad y características que los hacen únicos, entre las hormigas tenemos a Flik, nuestro protagonista que busca la manera de hacerle la vida más fácil a las demás hormigas, pero que por su testarudez solo les ocasiona problemas; Atta, la princesa y futura reina de la colonia; Dott, la hermana menor de Atta, quien nunca pierde la fe en Flik; y ¿Cómo olvidarnos de la justa y divertida reina?; De entre tantos saltamontes tenemos a Hopper, el líder de la banda y a su atolondrado hermano Molt; y finalmente tenemos al grandioso grupo cirquero que ayudará a Flik a defender su hogar: Struddel la oruga; Ramín el insecto palo; Francis la mariquita; Manny la mantis religiosa y su esposa Gipsy, una polilla gitana; Rossie, una viudad negra; Dim, el escarabajo Hércules, Tuck y Roll, las cochinillas húngaras y P.T. Pulga, el dueño del circo.

La animación se ve mejor de lo que, en su día, se vio en Toy story y creo que le ayudó mucho el no tener personajes humanos, aunque la animación del pájaro que sale en algunas escenas se ve ligeramente rara (me recuerda mucho a Scud, el perro de Sid), y aunque la música también me resultó demasiado similar a esta última, se ganó un premio Grammy.

Algo que también me gustó y que no había notado ni pensado cuando la vi por primera vez de recién que salió en el cine (que, de hecho, tengo una historia chistosa que involucra a Bichos y El príncipe de Egipto y cómo compramos boletos para una pero nos metimos a la otra) y es que, haciendo memoria y comparándola con todas las películas de Pixar que han salido desde entonces, Bichos es la que tiene más elementos violentos entre los que se incluyen representaciones de guerra (y muertes) actuadas por las hormigas infantes, simulación de mutilaciones por parte de varios insectos, una brutal golpiza a nuestro protagonista, el desenlace de nuestro antagonista y múltiples usos de palabras como matar o morir; quizás suene exagerado pero ni en películas como Los Increíbles hemos visto cosas así y eso que ahí son Superhéroes luchando contra villanos, además de que, al menos en el doblaje latino, hay un chiste algo subido de tono cuando Rosy dice que aún no ha “estrenado” a Dim, el escarabajo, para después corregirse y decir “entrenado”, y no sé si sea solo mi sucia mente o si ahí hay, efectivamente, un chiste sexual por parte de la viuda negra.

En conclusión ¿La recomendaría? Sí, me parece que es una película muy infravalorada y quizás la animación no sea la mejor, pero se compensa con personajes carismáticos y una historia bastante entretenida.

Me imagino que muchos de ustedes ya la vieron, así que cuéntennos qué les pareció.

Saludos!

Calificación PLAY: 9.0/10

Rupan Sansei: Kariosutoro no Shiro

Título original: Rupan Sansei: Kariosutoro no Shiro (ルパン三世 カリオストロの城) | Título en Latinoamérica: El castillo de Cagliostro | Dirección: Hayao Miyazaki | Producción: Tetsuo Katayama | Guion: Hayao Miyazaki, Haruya Yamazaki | Música: Yuji Ohno | Estudio: Tokyo Movie Shinsha | Estreno: 15/dic/1979 | Género: Animación, comedia | Protagonistas: Yasuo Yamada, Eiko Masuyama, Kiyoshi Kobayashi, Makio Inoue, Goro Naya, Sumi Shimamoto, Tarō Ishida

“Lupin III: El castillo de Cagliostro” marca el inicio de la carrera cinematográfica del director Hayao Miyazaki al ser la primera película dirigida por él (anteriormente había sido animador en Toei Animation y Telecom Animation Film, además de que había dirigido varios episodios del anime protagonizado por Lupin III, por lo que este personaje no era nuevo para él).

La historia sigue al ladrón Arsène Lupin III, quien tras robar un casino se da cuenta de que todo el dinero es falso, por lo que emprende un viaje al país de Cagliostro, lugar de donde, según los rumores, proviene el dinero falsificado. Ahí se encuentran con Clarisse, una chica que huye de los hombres del conde de Cagliostro y, lo que empieza como una aventura para descubrir al responsable de las falsificaciones, pronto se convierte en una carrera contra el reloj para evitar que el malvado Conde obligue a la princesa Clarisse a casarse con él.

Si hay algo que admirar en esta película son sus escenarios, algo característico de Miyazaki y Ghibli en particular, y de la animación japonesa en general. Todos esos planos generales en donde se muestran bellos paisajes naturales o construcciones majestuosas como el propio Castillo de Cagliostro, incluso los escenarios de interiores como el drenaje del castillo o los engranajes del reloj están muy bien logrados, y desde aquí se puede vislumbrar los inicios de la estética steampunk que tanto veremos en los filmes posteriores del director.

Los personajes son carismáticos, pero están muy estereotipados, por un lado tenemos al ladrón que en el fondo es bondadoso y buena persona; el malvado que se mueve únicamente por su codicia; La tímida princesa que espera a que la rescaten; la sensual espía femme fatale y maestra del disfraz; el amigo cómico; el samurái serio y reservado; el policía tonto con su relación de amor-odio hacia el protagonista… Demasiados clichés que no son culpa de la película en sí, si no que se vienen arrastrando desde mucho antes, lo que me lleva a lo malo de esta película.

Entre los puntos malos me gustaría resaltar dos cosas: La primera es que aunque la animación, a grandes rasgos, es buena, tiene ciertos detalles que son difíciles de ignorar como la mala proporción de algunas cosas, particularmente del auto de Lupin que, en determinadas escenas, se ve más chico de lo que en verdad debería ser; y la segunda es que la película no se siente como un solo ente, sino que es demasiado notorio que forma parte de algo más grande, lo cual es perfectamente normal si uno ya sabe que esta película es la 3ra de once que conforman la saga del personaje (siendo las últimas dos estrenadas este año 2019), un manga con alrededor de 60 tomos y una serie animada cuya última temporada se emitió el año pasado (alrededor de 190 episodios en total), casi nada. Retomando lo de los personajes, esto de ser parte de una franquicia tan grande hace que no sea necesario introducirlos o presentarlos en la película, pues se da por entendido que el público ya los conoce de mucho antes, lo que puede provocar extrañeza en algunas personas.

Finalmente, como dato curioso, John Lasseter (Toy story, Toy story 2) dijo que Cagliostro fue una de las influencias para su trabajo; Además de que varias películas han hecho tributo a Lupin y el castillo de Cagliostro, siendo las más conocidas: “Policias y Ratones” (John Musker, Ron Clements) de Disney, en la que se puede ver a Basil peleando contra Ratigan en el Big Ben (tal y como lo hacen Lupin y el Conde); En “Atlantis: El imperio perdido” (Gary Trousdale, Kirk Wise) una de las escenas finales también fue inspirada en el final de Cagliostro; y en “Los Simpson: La película” (David Silverman), la escena de Bart en el techo de su casa es un tributo al mismo Lupin, corriendo por el techo del castillo durante el rescate de Clarisse.

Ahora, ¿La recomendaría? Es una buena película, quizás no sea la mejor de Miyazaki, pero sí me gustó más que Panda Kopanda, lo malo es que, tomando en cuenta lo anterior y si son como yo que necesita saber más de los personajes, quizás puedan sentirse abrumados sabiendo que hay tanta información y tantas historias por ver, así que si planean verla solo como una película quizás no sea una buena idea (hay opciones mejores), pero si conocen al personaje o si se están adentrando al mundo de Lupin III, es una película imperdible.

¿Ustedes la han visto? ¿Qué opinan de ella?

Calificación PLAY: 6.7/10

The incredible Hulk

Título original: The incredible Hulk | Título en Latinoamérica: Hulk: El hombre increíble | Dirección: Louis Leterrier | Producción: Avi Arad, Gale Anne Hurd, Kevin Feige | Guion: Zak Penn | Música: Craig Armstrong | Estudio: Marvel Studios, Valhalla Motion Pictures | Estreno: 08/jun/2008 | Género: Superhéroes, Aventura, acción, Ciencia ficción | Protagonistas: Edward Norton, Liv Tyler, Tim Roth, Tim Blake Nelson, Ty Burrel, William Hurt

Dirigida por Louis Leterrier (Furia de Titanes (2010), Los ilusionistas, El cristal encantado: La era de laresistencia), El increíble Hulk narra cómo, después de que un accidente con rayos gamma le arruinara la vida a Bruce Banner, el científico vive una vida tranquila en Brasil, trabajando como reparador en una fábrica de refrescos, pero tarde o temprano deberá volver a su hogar con la mujer que ama para enfrentar su destino.

Sin duda alguna la película del MCU más maltratada y olvidada de todas, y no solo por la salida de Edward Norton como Bruce Banner/Hulk que, aunque digan que no, sí que afecto a la posible franquicia, sino por la falta de cariño que han demostrado hacia el personaje en general.

Algo que me gusta mucho de esta película es el tono tan serio que maneja, al igual que Iron man (Jon Favreau, 2008), esta película está muy alejada de lo que es el MCU hoy en día, el drama y la acción se aderezan con unos cuantos chistes sutiles y no al revés, y se ahonda más en el trauma y la vida del personaje que en los efectos visuales, la historia podrá ser sencilla pero funciona, las actuaciones son muy buenas, tanto Edward Norton como Liv Tyler logran cargar con el peso de ser la pareja protagonista y se nota la buena química que hay entre ambos. En los roles antagónicos tenemos a Tim Roth y William Hurt, ambos consiguen que los odiemos por su forma de ser y la actitud que toman hacia Betty y Bruce.

Lo malo que tiene, a mi parecer, no tiene nada que ver con la película en sí, si no más bien con la película como parte de una saga y es que, al ser el único personaje del MCU cuya franquicia fue descontinuada, nos quedamos con demasiadas preguntas sin responder y demasiados puntos abiertos, por ejemplo, ¿Qué pasó con Bethy Ross? Sabemos que el general Ross sigue siendo parte del Universo de Marvel, pero ¿Y su hija? Bruce jamás vuelve a hacer mención alguna de su gran amor; ¿Qué pasó con el Sr. Azul aka El líder? Aunque esa escena final del Sr. Azul apuntaba a que se convertiría en un villano de futuras secuelas, Marvel optó por deshacerse de él en un cómic spin-off, en el que vemos como Black widow lo encierra en S.H.I.E.L.D, cosa que, por supuesto no sabes si, como yo, no has leído el comic.

Y para no perder la costumbre, viene la pregunta del millón ¿La recomendaría? Sí, no creo que Hulk sea una mala película, creo que incluso la pondría en mi top 10, es difícil compararla con otras películas del MCU más actuales, sí, pero creo que sí está al nivel de las cinco que conforman la primera fase, quizás solo Iron man 2 no sea tan buena.

Calificación PLAY: 8.7/10

The lion king

Título original: The lion king | Título en Latinoamérica: El rey león | Dirección: Jon Favreau | Producción: Jon Favreau, Jeffrey Silver, Karen Gilchrist | Guion: Jeff Nathanson | Música: Hans Zimmer | Estudio: Walt Disney Pictures, Fairview Entertainment | Estreno: 19/Jul/2019 | Género: Animación, Drama, Aventura, Musical | Protagonistas: Donald Glover, Seth Rogen, Chiwetel Ejiofor, Alfre Woodard, Billy Eichner, John Kani, John Oliver, Beyoncé Knowles-Carter, James Earl Jones.

Dirigida por Jon Favreau (Ironman, Iron man 2, El libro de la selva), El rey león es el último remake/adaptación de Disney y, al igual que su primer versión, es una adaptación libre de la historia de Hamlet de William Shakespeare que narra la historia de Simba, un joven león que ve arruinada su vida cuando su malvado tío asesina a su padre para así poder gobernar él.

Jon Favreau ya nos había traído el que, a mi parecer, es el mejor remake de uno de los clásicos animados de Disney: El libro de la selva. El cual también es protagonizado, en su mayoría, por animales de CGI, por lo que no era del todo descabellado que quisieran repetir la fórmula para El rey león, aunque siento que no lo consigue del todo.

Visualmente la película es hermosa, la fotografía es muy bella (aunque siento que le faltó algo de color) y la animación de cada uno de los personajes es fantástica, la música ni se diga, el trabajo de Elton John y Hans Zimmer desde la película original es sencillamente sublime, no hay (a la fecha) una sola canción que la gente no conozca de esta película y no tengo palabras para describir el score, temas como Lea Halalela y Busa son fácilmente identificables por cualquier persona aunque no estén familiarizados con soundtracks de películas. Entre los puntos que me gustaron de esta adaptación, me gustaría resaltar el hecho de que no extendieran la película con escenas inventadas como hicieran con Dumbo, La Cenicienta, La bella y la bestia, etc.

Ahora, mi principal problema con esta película es la falta de alma o de carisma de los personajes, la idea era que los animales se vieran de la forma más realista posible y lo consiguieron a la perfección, pero es eso mismo lo que hace que le falte expresividad a esta película, especialmente en escenas musicales como “Yo quisiera ya ser el rey” y “Hakuna matata” en las que, principalmente Simba joven, carece de medios para mostrar algún tipo de emoción, ni siquiera con la muerte de Mufasa (SPOILER!) transmite lo que transmitía el Simba de 1994.

Otra cosa que no me gusto, y eso ya es algo sumamente personal, es que en la escena en la que Simba va corriendo para regresar a la Roca del rey a derrocar a Scar cambiaran la música original (Busa) por una canción que, cuando vi la película, me pareció que eran puras vocalizaciones muy molestas en el doblaje latino, fue mayúscula mi sorpresa al ver que esa canción que sonaba tan mal era Spirit de Beyonce, la cual no me gustó en su idioma original, pero con el doblaje de Latinoamérica suena peor.

¿La recomendaría? La verdad no lo creo, es una película entretenida y muy bonita visualmente, pero no se compara con la experiencia y el placer que provoca ver la versión original, de hecho, estoy seguro de que no la vería de nuevo aunque la pasaran en la tele un domingo que no tuviera nada que hacer.

¿Ustedes ya la vieron? ¿les gustó? Cuéntenos en los comentarios que opinan de esta nueva versión de El rey león.

Calificación PLAY: 7.0/10

Shakira in Concert: El Dorado World Tour

Título original: Shakira in Concert: El Dorado World Tour | Título en Latinoamérica: Shakira en Concierto: El Dorado World Tour | Dirección: James B. Merryman, Shakira | Producción: Shakira, James B. Merryman |

Guion: - | Música: Shakira | Estudio: Sony Music | Estreno: 13/nov/2019 | Género: Concierto, documental | Protagonistas: Shakira

A un año de finalizada la gira promocional para su álbum El Dorado, Shakira estrenó (por fin) el espectáculo que grabó en Los Angeles en agosto del año pasado. El Dorado World Tour contó en total con 54 fechas, comenzando en junio del 2018 en Hamburgo, Alemania y finalizando en noviembre del mismo año en Bogotá, Colombia.

En general la película está bien, no soy fan de que me intercalen escenas de un concierto con un documental (prefiero que me pongan el concierto íntegro y el documental por separado), pero tampoco es que lo deteste.

Dejando de lado que no me gusta el formato “Concierto-Documental-Concierto-Documental”, me gustó mucho lo que vi en el documental, cómo se armó el espectáculo, los problemas que tuvo Shakira cuando perdió la voz, el proceso de composición y grabación de canciones como Perro fiel y Chantaje, y toda esa onda nostálgica a la Shakira del pasado en contraste con la Shakira actual y su faceta como cantante y madre de familia, sin duda es un documental muy para fans, pero sin dejar de interesar a escuchas casuales con esos temas que se escucharon hasta el cansancio en el radio. En cuanto al concierto en sí, lo amé desde que tuve la oportunidad de verlo en vivo el año pasado, es un concierto sencillo que no se compara a artistas como Madonna o Beyoncé, de hecho ni siquiera es equiparable a El Tour de la Mangosta (2003) de la misma Shakira, pero tiene un cierto encanto que, a pesar de sus evidentes fallas, no pude dejar de notar.

Lo que sí no me gustó fue la edición del audio, y es curioso porque la edición que hicieron para la película es diferente a la de los audios oficiales, hay muchos cortes especialmente notorios cuando ella deja de cantar y se pasa a un puente instrumental (como ejemplo tenemos Whenever, wherever, en donde le suben de más el volumen a su playback y se lo bajan a la música, pero cuando deja de cantar suben de golpe la música), en algunos casos más específicos tenemos que, en La tortura, la voz de Albert Menendez cuando presenta a Alejandro Sanz no se escucha tan clara como en el audio oficial, en She Wolf, los coros están sumamente editados, aunque aquí sí estoy 90% seguro que usó frases pre-grabadas desde el principio y detallitos así.

Y otro detalle que no pude dejar escapar como buen fan es todas las veces que menciona que esta es la gira con los conciertos más largos de su carrera, específicamente dos horas, cosa que menciona muchas veces. Me parece curioso esa insistencia siendo que cuando fui a verla en vivo el concierto no duró más de una hora y cuarenta y cinco minutos, e incluso si uno ve la duración de los tracks oficiales, estos ni siquiera llegan a la hora y media, en fin.

¿Lo recomendaría? Si son fans de Shakira sí, si son escuchas casuales no creo que lo disfruten tanto.

Calificación PLAY: 7.7/10

Fantasia

Título original: Fantasia | Título en Latinoamérica: Fantasía | Dirección: Samuel Armstrong, James Algar, Bill Roberts, Paul Satterfield, Ben Sharpsteen, David D. Hand, Hamilton Luske, Jim Handley, Ford Beebe, T. Hee, Norman Ferguson, Wilfred Jackson | Producción: Walt Disney | Guion: Joe Grant, Dick Huemer | Música: Johann Sebastian Bach, Pyotr Ilyich Tchaikovsky, Paul Dukas, Igor Stravinsky, Ludwig van Beethoven, Amilcare Ponchielli, Modest Mussorgsky, Franz Schubert | Estudio: Walt Disney Productions | Estreno: 13/noviembre/1940 | Género: Fantasía, animación, musical | Protagonistas: Leopold Stokowski, Deems Taylor, Julietta Novis, Walt Disney, James McDonald, Paul J. Smith

Corría el año de 1936 cuando Mickey comenzó a perder algo de popularidad por lo que se ideó un cortometraje que volviera a colocar al ratón ante los reflectores, así nació "El aprendiz de brujo".

Desde el inicio, esta producción se vio plagada de problemas, iniciando por el elevado costo que supuso solamente el cortometraje de "El aprendiz...", lo que llevo a idear un largometraje completo formado por más cortometrajes ambientados con pura música clásica, pero Disney no se quería conformar con "tan poco", quería que las personas que vieran la película sintieran que estaban ante una orquesta real. Así nació el sonido Fantasound, un audio repartido en varios canales: por un canal las personas escuchaban los instrumentos de percusión, por otro canal escuchaban las cuerdas, etc. Y he aquí otro problema: Los cines no querían invertir en un equipo de sonido que prácticamente solo se usaría en esa película.

A pesar de todo, llegó el día del estreno, las críticas se dividieron y aunque la mayoría de los críticos alabaron la película, los comentarios negativos insistían en que Disney no era nadie para imponer sus propias imágenes en clásicos de la música (decían que la gente debería ser libre de imaginar lo que ellos quisieran al escuchar esas piezas musicales... Y en parte tenían razón), hubo críticas hacia el segmento de los dinosaurios por "atacar" el mito religioso de Adán y Eva, e incluso hubo padres de familia que se quejaron del final por ser demasiado aterrador. Aun así, a diferencia de Blanca nieves y Pinocho, Fantasía ha sabido envejecer con estilo y, aunque está muy lejos de ser la película más famosa de los estudios, sin duda no le pide nada a grandes clásicos como La bella y la bestia o La bella durmiente.

¿Qué puedo decir de esta película? Crecí con ella y casi estoy seguro de que marcó mi infancia más que otras películas de Disney. La película se divide en 8 segmentos, cada uno representa las imágenes que imaginaban los artistas al escuchar determinadas piezas musicales, comenzando el viaje con “Tocata y fuga en re menor”, un corto que se basa únicamente en imágenes abstractas que se dejan llevar por el ritmo sin ningún significado en especial. A esta pieza introductoria le siguen clásicos como la “Suite del Cascanueces”, representada con hadas, flores y peces que se mueven al ritmo de la música; “El aprendiz de brujo” que narra la historia de cómo Mickey desobedece al mago Yensid y termina con una horda de escobas zombies que no dejan de lanzar agua a una fuente, este cortometraje es, sin duda, lo que la gente recuerda cuando piensa en Fantasia, la animación logró volver a posicionar a Mickey dentro del gusto de la gente y, a la fecha, el vestuario rojo con el gorro azul es uno de las imágenes clásicas del ratón.

Los siguientes cortos representan los más polémicos; por un lado tenemos “La consagración de la primavera” un viaje desde el big bang hasta la extinción de los dinosaurios. Muchas personas criticaron a Walt Disney porque este cortometraje contradecía sus creencias religiosas al mostrar algo contrario al mito de Adán y Eva, cosa que no fue muy bien vista por los religiosos de la época; y después llega la “Sexta sinfonía” de Beethoven, este fragmento siempre fue de mis favoritos al estar representado por criaturas mitológicas, vemos a la familia de Pegaso, el caballo alado de Perseo; unicornios, sátiros, centauros, Zeus, Baco, y una bella representación de la luna, el sol, el arcoíris y la noche, ¿Qué podría tener de malo esta parte? La polémica vino de parte de dos personajes: Otika y Sunflower. Dos centauras de color que fungían como sirvientes para los demás centauros. Estos personajes contaban con todos los estereotipos racistas de la época hacia las personas de raza negra por lo que, en 1969, sus escenas fueron eliminadas de la cinta, como si nunca hubieran existido (Afortunadamente en Youtube pueden encontrar el segmento completo).

Finalmente nos encontramos con 2 segmentos un tanto dispares: “La danza de las horas” muestra una divertida rutina de ballet protagonizada por hipopótamos, cocodrilos, avestruces y elefantes, y al finalizar esta escena, con un reloj destruido se da paso a “Una noche en el monte pelado” y el “Ave María”, en donde las fuerzas del mal salen de noche a efectuar una macabra danza a los pies de Chernabog, un demonio gigante que habita en el Monte a las afueras de un pueblo y quienes vuelven a sus guaridas tras los primeros rayos de sol.

Fantasía tiene muchas cosas buenas, pero me gustaría resaltar dos puntos técnicos: La imagen y el sonido. Fantasía fue la precursora del sonido Surround (llamado “Fantasound” por Disney) y fue la primera película en utilizarlo; y la calidad de la animación es impecable. Ambos apartados estuvieron tan bien logrados en su época que, en recientes ediciones, casi no han tenido necesidad de una remasterización.

Como puntos en contra podemos decir que es una película muy lenta y puede sentirse pesada y tediosa en ciertos puntos (principalmente el principio de Toccata y Fuga, el intermedio y La consagración de la primavera), por lo que puede llegar a resultar aburrida para muchas personas. Otra cosa que ya mencioné y que también le jugó un poco en contra fueron los personajes con estereotipos racistas, aunque esto no es culpa de la película ni de la empresa, simplemente eran concepciones muy habituales de la época y la sociedad que, con el paso del tiempo, comenzaron a ser mal vistas.

¿La recomendaría? Sí. Creo que, de toda la Edad dorada de Disney, Fantasía es mi película favorita (lo es desde que era un niño), aunque no es para cualquier público, lo admito. Así que si no son fans de la música clásica, los cortometrajes o si, de plano, no están dispuestos a ver más de dos horas de cortometrajes mudos musicalizados con orquesta, quizás prefieran ver otra cosa.

Calificación PLAY: 09/10

Día de muertos

Título original: Día de muertos | Título en Latinoamérica: Día de muertos | Dirección: Carlos Gutiérrez Medrano | Producción: Estefani Gaone | Guion: Eduardo Ancer, Juan J. Medina | Música: Juan Pablo Miramontes, Alejandro Romero Godínez | Estudio: Metacube, Symbosys Technologies | Estreno: 08/mar/2019 | Género: Animación, comedia | Protagonistas: Fernanda Castillo, Alan Estrada, Memo Aponte

Seamos honestos, esta película llamó la atención por el escándalo que se formó en torno a ella y a Coco de Disney/Pixar. Para quien no lo sepa, todo se remonta al 2005, año en que los productores de Día de muertos quisieron registrar la marca para su película, cosa que el IMPI les negó rotundamente porque no se podía registrar una tradición mexicana, pasaron los años y en 2012 Disney quiso registrar “Día de muertos” ¿Y qué creen que pasó? Pues el IMPI admitió su petición porque #MéxicoMágico. A partir de aquí se inició una batalla legal y, sorprendentemente, ganó el equipo mexicano, pudiendo registrar “Día de muertos” aunque únicamente para su uso en mercancía, aún así un gran logro.

Han pasado dos años desde que se estrenó Coco, un tiempo prudente para poder al fin disfrutar de Día de muertos y confieso que me siento algo decepcionado.

La historia nos narra como un pueblo entero logró ocultarse de la muerte por culpa de un hombre ambicioso que, al final, fue castigado y encerrado en el limbo. Aquí comienzan las aventuras de Salma, una chica huérfana que muere por conocer a sus verdaderos padres, al grado de desobedecer a todo lo obedecible posible y poner en riesgo a su familia adoptiva y a todo el pueblo solo para poder satisfacer sus egoístas deseos. Salma está acompañada por Jorge y Pedro, otros chicos huérfanos que, a diferencia de su amiga, han sabido superar la pérdida de sus padres.

Algo que me llamó la atención desde que vi esta película anunciada fue el cast, siendo el trío protagonista conformado por Fernanda Castillo (El señor de los cielos), Memo Aponte (Buscando a Nemo, Los increíbles) y Alan Estrada (Hoy no me puedo levantar, Alan x el mundo), pero no pasaron ni 15 minutos de la película cuando ya no soportaba sus voces, aunque aclaro que no era por ellos, el guion de la película es malísimo y está lleno de chistes fáciles y repetitivos (en especial se nota eso en la parte en la que hacen un chiste sobre veganos y cinco segundos después repiten el mismo chiste), sí hay un par de chistes buenos, pero están en la introducción, de ahí en adelante son chistes para provocar una risa fácil en los niños.

Siguiendo con el guion… Tiene algunos fallos y cosas que no se entienden muy bien, por ejemplo, ¿Quién era el tipo que vendía antigüedades? ¿Cómo es que “X personaje” de la nada es un experto en magia al grado de recitar hechizos de memoria cuando 15 minutos antes ni siquiera sabía que podía hacer magia? Si está prohibido acercarse a la isla ¿Por qué tienen botes al alcance de cualquier persona? ¿Cuál fue el papel del axolote de mascota? ¿Cuál fue el papel de las tres calaveritas minions? Cosas así, sumadas a los terribles diálogos son las que me hacen culpar más al guion que a los actores.

El personaje de Salma sigue mucho los patrones gringos de personaje insoportable, es berrinchuda, tonta e ingenua. No le importa lastimar a las personas que la aman con tal de cumplir sus caprichos y al final se pinta como la heroína cuando lo único que hizo fue detener todo lo que ella mismo inició. En cuanto a los dos hermanos, su función principal es hacer comentarios “graciosos”, literalmente se pasan media película contando chistes mientras ayudan a Salma a encontrar a sus padres y la otra media película se la pasan contando chistes mientras intentan encontrar a Salma. El único personaje medianamente interesante es Doña Sara (un tributo a Sara García, la abuela de México) pero no logra brillar en ninguna escena.

Otro detalle es la edición, hay muchas tomas que no tienen una buena transición, por ejemplo, hay una en particular en donde se está abriendo un portal al mundo de los muertos y uno esperaría que se viera a un fantasma salir de ahí como se vio en otras escenas, pero no, la toma del portal se corta de la nada y en la siguiente ya está el fantasma en frente de otro personaje. ¿Y es necesario que mencione las faltas de ortografía en los créditos? Pues una que alcancé a notar a simple vista fue que pusieron “superisor” en vez de “supervisor”, creo que es obvio que no hizo bien su trabajo jajaja.

Aunque no todo es malo, si hay algo que me gustó mucho fue el diseño de sus personajes, desde Jorge y Pedro, doña Sara, las tres calaveritas minions me parecieron más lindas que el axolote, y cómo olvidar el diseño de Salma en la segunda mitad de la película. Eso sí que me gustó.

Ahora ¿La recomendaría? La verdad es que no, siento que tiene fallas muy grandes y es una pena porque la historia daba para mucho, no tiene un solo momento que te haga emocionarte o simpatizar con los protagonistas, todo es bastante plano al grado de hacer que nos cuestionemos si en verdad era necesario esperar dos años por esta cinta cuando, aún así, tanto el director como los productores iban a evocar en todas las entrevistas a Coco y el problema que era estar a su sombra.

Calificación PLAY: 5.7/10

Panda Kopanda

Título original: Panda Kopanda (パンダ・コパンダ) / Panda Kopanda: Amefuri Circus no Maki (パンダ・コパンダ 雨降りサーカスの巻) | Título en Latinoamérica: Las aventuras de Panda y sus amigos | Dirección: Isao Takahata | Producción: Shunzo Kato | Guion: Hayao Miyazaki | Música: Msahiko Satō | Estudio: Tokyo Movie Shinsha | Estreno: 17/dic/1972; 17/mar/1973 | Género: Animación, infantil | Protagonistas: Kazuko Sugiyama, Kazuo Kumakura, Yoshito Ohta, Yasuo Yamada

“- Soy un Pandita

- Soy un Tigrito”

Mimiko es una pequeña niña que vive con su abuela, cierto día su abuela debe salir de viaje por lo que deja a Mimiko sola, y aquí es donde empiezan sus aventuras. Más temprano que tarde, Mimiko se encuentra a un pequeño pandita y a su papá, quienes terminan viviendo con la niña, formando así una familia bastante extraña. Eso es a grandes rasgos la historia del primer cortometraje de los dos que conforman esta entrega.

Corría el año de 1972 cuando llegó a Japón la fiebre Panda, esto debido a la llegada de dos pandas gigantes al zoológico Ueno como parte de la diplomacia Panda (el gobierno chino “regala” pandas a determinados países como muestra diplomática, práctica que ha existido desde la dinastía Tang, cuando la emperatriz Wu Zetian envió un par de pandas al emperador japonés Tenmu en el 685 d.c). Aprovechando el boom del suceso, el equipo creativo conformado por Isao Takahata, Hayao Miyazaki, Yoichi Kotabe y Yasuo Otsuka crearon la historia de Panda Kopanda y, debido a su éxito en los cines japoneses, en 1973 se estrenó Panda Kopanda and the Rainy-day circus. A México esta cinta llegó de mano de ZIMA entertaiment, como parte de su colección de Hayao Miyazaki/Studio ghibli.

Estos breves cortometrajes los vi por primera vez hace muchísimos años, tantos que, la verdad sea dicha, ni siquiera recordaba de qué trataban y al verlos de nuevo no podía dejar de pensar en lo ridícula que era la historia en general.

En el primer cortometraje se nos presentan los personajes principales que nos acompañarán por los siguientes 30-40 minutos. Siendo Mimiko la niña que se queda viviendo sola y que, por azares del destino, encuentra a Pandita y a Papanda, un par de pandas que se escaparon del zoológico y que terminan de conformar la triada protagonista. Aunque en algunas ocasiones los pandas, al ser animales salvajes, asustan a la gente, parece ser que para todos en el pueblo es bastante normal que ellos vivan con una niña, que hablen y que actúen como humanos, y eso sin contar el hecho de que Mimiko tome el rol de la mamá de Pandita y, a su vez, el de hija de Papanda, todo muy raro.

El segundo corto comienza con la llegada de un circo, cuyos encargados, mientras buscan a un pequeño tigre que se escapó, nos recuerdan que para un humano común y corriente esos pandas no son normales, al salir gritando asustados cuando se topan con Papanda. En esta parte, la historia gira en torno a la amistad de Pandita con Tigrito y de cómo una lluvia torrencial logra ocultar el pueblo completo bajo el agua (con todo y el tren de los animales del circo incluido).

Tras ese resumen, no creo que sea necesario hablar de lo rara (y ridícula) que resulta la historia, así que pasemos a hablar de la animación que es bastante estándar de la época, me recuerda mucho a series como Heidi o Remi. El diseño de personajes, en especial Papanda, se asemeja mucho a los de Mi vecino Totoro, quiero creer que ambos pandas más Tigrito fueron hechos para verse adorables, pero Papanda tiene momentos en los que pone una sonrisa bastante creepy, en especial cuando habla del bosque de bambús. En cuanto a la música, es lo que podemos esperar de cualquier serie o película de anime de la época, nada destacable salvo el opening que, si la ven, se quedará en su mente por bastante tiempo (como la canción de la goma de mascar Tripledent de Intensa-mente), y creo que ya no hay más que decir.

¿La recomendaría? No creo. Quiero creer que para los niños resulte divertida, y quizás para algunos adultos como yo también (más que nada por lo ridículo de las situaciones), pero no creo que sea una película que disfrute la mayoría de las personas, y es que realmente es un filme meramente infantil con diálogos infantiles, es bonita, sí, pero eso no la salva para los adultos.

¿Ustedes la han visto? ¿Qué les pareció?

Calificación PLAY: 06/10

The Addams family

Título original: The Addams family | Título en Latinoamérica: Los locos Addams | Dirección: Conrad Vernon, Greg Tiernan | Producción: Gail Berman, Conrad Vernon, Alex Schwartz, Alison O'Brien | Guion: Matt Lieberman | Música: Mychael Danna, Jeff Danna | Estudio: Metro-Goldwyn-Mayer, Universal Pictures | Estreno: 11/oct/2019 | Género: Animación, comedia | Protagonistas: Oscar Isaac, Charlize Theron, Chloë Grace Moretz, Finn Wolfhard, Nick Kroll, Snoop Dogg, Bette Midler, Allison Janney

Los locos Addams es una nueva versión/adaptación animada de la famosa familia de los sesenta, aquí vemos como son perseguidos por la gente “normal” al grado de que, el día de la boda entre Homero (Gomez) y Morticia, la joven pareja, junto con Dedos (Thing) y el tio Lucas (Fester), se ve obligada a huir y encontrar un nuevo hogar acorde a sus tradiciones. Pasan los años y a la vida de la pareja se incorporan Largo (Lurch), su incondicional mayordomo, y sus dos hijos: Merlina (Wednesday) y Pericles (Pugsley), y es entonces cuando la familia debe enfrentarse a un nuevo desafío, la urbanización del pantano que rodeaba su mansión (un antiguo hospital psiquiátrico) y con ella la llegada de Margaux Needler y su comunidad “asimilación”, un grupo de personajes cuyo lema de vida es que ser diferente a los demás es lo peor que podemos ser.

Para empezar, esta película es meramente infantil, aunque eso no le exenta de tener un par de chistes “macabros”, en especial los que envuelven al voyerista y acosador tío Lucas, pero fuera de eso es muy inocente. La animación es algo pobre, creo que únicamente sobresale el escenario del pantano con la mansión de fondo que se muestra al inicio de la película, de ahí en más, esta película se encuentra muy lejos de, al menos, las últimas 10 películas de Pixar, y de otras como Los Croods, Cómo entrenar a tu dragón o Shrek, lo cual si (a mi parecer) le baja un poco la calidad al producto final.

El diseño de personajes es lo más típico y básico que se podría esperar al respecto de esta familia, se siente la idea de que lo raro no es malo al grado de que “asusta” más el diseño de las personas normales que el de los “monstruos” caricaturizados de la familia protagonista, pero aún así no me termina de convencer de todo. Y el guion sigue el mismo camino, la historia es muy sencilla y se centra en la primicia central de la franquicia, que es el de mostrar que lo diferente no es malo, pero ¿Qué pasa aquí? Que eso no es suficiente para completar un metraje de casi hora y media, por lo que se recurre a dos subtramas que terminan uniéndose a la trama principal, por un lado, tenemos a Merlina que quiere conocer el mundo y por el otro a Pericles que está por celebrar su Mazurca, dos subtramas algo innecesarias, la verdad (tan innecesario como tener a Snoop Dog en el papel del tio Cosa [cousin Itt]). En cuanto a la música… Realmente no es algo que sobresalga, lo único que es de agradecerse es que respetaran el tema original de los años sesenta.

¿La recomendaría? En lo personal me gustó, no es una mala película como tal, pero tampoco es una película que volvería a ver, siento que no ofrece nada nuevo, ni como parte de la franquicia Addams ni como película animada, así que tampoco es que se pierdan de mucho si no la ven, como les dije al principio es una película meramente infantil, y en ese sentido sí que cumple.

  

Calificación PLAY: 6.0/10

Pinocchio

Título original: Pinocchio | Título en Latinoamérica: Pinocho | Dirección: Ben Sharpsteen, Hamilton Luske, Bill Roberts, Norman Ferguson, Jack Kinney, Wilfred Jackson, T. Hee | Producción: Walt Disney | Guion: Ted Sears, Otto Englander, Webb Smith, William Cottrell, Joseph Sabo, Erdman Penner, Aurelius Battaglia | Música: Leigh Harline, Paul J. Smith | Estudio: Walt Disney Productions | Estreno: 07/febrero/1940 | Género: Fantasía, animación, musical | Protagonistas: Cliff Edrwards, Dickie Jones, Christian Rub, Mel Blanc, Charles Judels, Evelyn Venable, Frankie Darro

“Prueba que eres bueno, sincero y generoso y llegarás a ser un niño de verdad.”

Una noche, en su casa, un viejo carpintero de nombre Gepetto termina su última marioneta, Pinocho. El anciano desea que ésta fuera un niño de verdad y, mientras duerme, el hada azul cumple su deseo. Basada en el libro homónimo del italiano Carlo Collodi (24-nov-1826 / 26-oct-1890), Pinocho cuenta las desventuras de una pequeña marioneta que sucumbe a las tentaciones en todas las oportunidades que tiene.

A pesar de haber salido tan solo tres años después que Blancanieves (el principio de su producción coincidió con el final de esa última y con la de Bambi), Pinocho muestra avances significativos en cuanto a la animación pues vemos un repertorio de personajes dominado por figuras masculinas, mismas que tanto trabajo les habían costado en su película anterior aunque, la verdad sea dicha, los personajes siguen siendo caricaturizados y ninguno intenta tener el realismo que se quería lograr con el príncipe, además de que sirvió para experimentar con el movimiento de objetos, lluvia, escenas bajo el agua y efectos mágicos como los que envuelven al hada azul.

Otra diferencia con respecto a su antecesora es la ilación de la historia. En Blancanieves teníamos demasiados cortes a negro que hacían que la película se sintiera como una serie de cortos muy bien definidos, en Pinocho estos cortes a negro sirven para separar las 3 partes de la película: La introducción con Stromboli como villano, El desarrollo con la trama del cochero y la isla de los juegos, y el desenlace en el estómago de Monstro.

Mientras Blancanieves es un cuento con el cual los animadores y guionistas podían experimentar y quitarle o añadirle cosas, Pinocho era una novela y aunque la idea era adaptarlo lo más fiel posible, algunos cambios eran inevitables. Básicamente Disney hizo todo lo posible por endulzar y darle un poco más de carisma al personaje protagonista que, en su versión original, es bastante pesado, frio, cruel, rudo y es muy difícil sentir algún tipo de empatía por él. Dichos cambios llevaron a un Pinocho dulce, tierno e inocente, pero incapaz de llevar por sí solo todo el peso de la historia por lo que hubo que cambiar también a Pepe Grillo para darle más protagonismo.

Musicalmente hablando, Pinocho tampoco cuenta con tantas canciones como Blancanieves, tiene únicamente 5 de las cuales solo una no es tan famosa: Little wooden head, interpretada por Gepetto, e investigando un poco vi que, precisamente esa canción, en el soundtrack no cuenta con letra, lo que quizás sea la razón por la que la gente se olvidara de ella. Caso contrario al tema “When you wish upon a star” que alcanzó tanta fama al grado de convertirse en el tema principal de Disney y que podemos escuchar en todas sus películas desde entonces.

Pinocho nunca ha sido una de mis películas favoritas, me cuesta mucho trabajo conectar con el protagonista. A diferencia de Blanca Nieves, película que disfruté mucho, Pinocho me aburrió bastante. Entre las pocas cosas que me gustaron está el doblaje argentino (muy superior al redoblaje mexicano de Blanca Nieves) y todas las intervenciones de Gepetto, de hecho, después de aproximadamente 4 años de haber visto esta película, corroboré que Gepetto es mi personaje favorito, el cómo está animado, los movimientos que realiza y sus diálogos hacen que sea fácil conectar con él al ser la imagen típica de un abuelo cariñoso.

Algo que no estoy seguro de si me gusta o no son los villanos. En total tenemos cinco: El honrado Juan, Gideon, Strombolli, el cochero y Monstro. Todos entran y salen de la historia en momentos puntuales, ninguno tiene un final salvo el dejar la historia cuando ya no son necesarios. No siento que sean malos personajes porque todos cumplen con sus objetivos de malos, pero tampoco creo que estén al nivel de villanos Disney memorables como Úrsula, Maléfica o Scar.

¿La recomendaría? Si son amantes de la animación, por supuesto que sí deberían verla por todos los avances que implicó para su época, pero fuera de eso no la recomendaría. Lo que son las películas de Pinocho, Dumbo y Bambi se encuentra muy lejos de estar entre mis favoritas, siendo Pinocho la que más insufrible me ha parecido al volverla a ver, si Blanca Nieves ha envejecido un poco mal, Pinocho está un paso más allá y muestra escenas que hoy en día serían más que criticadas (especialmente aquellas en la isla de los juegos, cuando los niños son castigados y cuando Pinocho fuma un puro).

Pero cuéntenos ¿Ustedes qué opinan de esta película? ¿Les gusta? ¿La recomendarían? Nos gustaría leer sus opiniones.

Saludos!

Calificación PLAY: 07/10