Horrorstör

Título original: Horrorstör | Título en Latinoamérica: N/A | Autor: Grady Hendrix | Editorial: Quirk books | Edición: -- | Publicación original: 23/sep/2014 | Género: Terror, comedia

Horrorstör nos narra las vivencias de un grupo de empleados de una tienda departamental (Orsk) en la que ocurren cosas extrañas como la aparición de heces fecales en uno de los sillones de exhibición o que varios empleados reciban mensajes de “Ayuda!” de números desconocidos en sus celulares. Así pues, nuestra protagonista Amy es una mujer que no está conforme con su trabajo, cree que le cae mal a su jefe Basil por lo que pide un traslado a otra sucursal pero no cuenta con que será el mismo Basil quien la ayudará a irse si es que ella y su compañera Ruth Anne lo acompañan a un turno nocturno para descubrir quién es el que ocasiona destrozos en la tienda.

Este libro se vende como una historia moderna de casas embrujadas, cambiando la casa de siempre por una tienda pero aun así sirviéndose de todos los escenarios de la casa pues la tienda está acomodada para tener dormitorios, cocina, área de niños, etc. Y la historia avanza dando tumbos de manera bastante inconstante, en ratos te da risa, en otros más te aburre, luego se pone interesante, luego pasan ciertas cosas ridículas y la resolución de algunos conflictos se realiza de manera conveniente en dos ocasiones, primero a la mitad del libro cuando uno de nuestros personajes tiene un problema y casualmente otro recuerda que siempre lleva consigo un objeto súper útil para dicha situación, aunque el dichoso objeto nunca había sido mencionado y no vuelve a aparecer después, aunque sí que se le menciona cuando otro personaje casualmente se acuerda que siempre lleva consigo otro objeto similar que le va a sacar de la situación en la que está.

Los personajes también son algo estereotipados aunque todos tienen su razón de ser así, y me refiero únicamente a Amy, Basil y Ruth Anne, porque aunque hay otros dos personajes importantes (Trinity y Matt), el autor no se molesta en desarrollarlos lo suficiente, es más, incluso hay un vagabundo que, en una página, se explica toda su vida y por qué terminó vagabundeando y algo similar pasa con Basil y Ruth Anne, cuyas vidas son explicadas a modo de pláticas casuales en una página a lo mucho, pero sirven para entender por qué dichos personajes se comportan de la manera en que lo hacen, cosa que no pasa con Trinity y Matt; Amy es un caso especial, al ser la protagonista su trasfondo es mayor.

Sin dar spoilers, la historia en general está bien, pero flojea demasiado en el tercer acto, me da la sensación de que el autor quiso explotar el tema mágico/terrorífico pero muchas situaciones se sienten fuera de lugar o de plano son ligeramente ridículas y no logran causar el efecto deseado de lo exageradas que son las situaciones narradas (aunque admito que tiene un par de escenas en las que si sientes la desesperación y frustración de los personajes), curiosamente la historia logra levantarse de nuevo en el último capítulo y en el epílogo al grado de emocionarme con esas últimas páginas y desear que hubiera un poco más, así que mala tampoco es.

Ahora, algo que me encantó fue el diseño de la edición. Todo el libro está diseñado como si fuera un catálogo de Orsk, con su plano de la tienda y todas sus áreas señaladas, un formato de envíos de mercancía y formatos de evaluación de desempeño de nuestros personajes, además de que cada capítulo se titula con el nombre de alguno de los muebles de la tienda, con su descripción, código (nota curiosa: todos los códigos incluyen el 666 de alguna manera) y los colores disponibles, y cada mueble está implícitamente relacionado con su capítulo, incluso los últimos que son, digamos, algo retorcidos.

¿Conclusión? Creo que es una buena historia, tiene sus detalles pero no tiene desperdicio, es una historia muy sencilla de leer que no necesita que te concentres demasiado.

Calificación PLAY: 8.3/10

The parent trap

Título original: The parent trap | Título en Latinoamérica: Operación cupido | Dirección: David Swift | Producción: Walt Disney, George Golitzen | Guion: David Swift | Música: Richard M. Sherman, Robert B. Sherman, Paul J. Smith | Estudio: Walt Disney Productions | Estreno: 21/jun/1961 | Género: Comedia | Protagonistas: Hayley Mills, Maureen O'Hara, Brian Keith, Joanna Barnes

Basada en el libro Das Dopelte Lottchen (Las dos Carlotas) de Erich Kästner, Operación Cupido nos cuenta las aventuras de dos gemelas separadas de pequeñas, y que de pura casualidad se encuentran en un campamento de verano. Al conocerse un poco más, ambas niñas deciden intercambiar lugares para que cada una pueda conocer al padre/madre de la otra y, de paso, tratar de que sus padres vuelvan a enamorarse.

Estoy seguro de que todos conocen la versión de 1998 protagonizada por una muy joven Lindsay Lohan (su mejor momento, si me lo preguntan), pero antes de esa versión hubo muchísimas más, y después de ella otras tantas, no lo sabía, pero parece que es un libro bastante popular alrededor del mundo.

Como puntos buenos de esta adaptación está la música, en especial el tema musical compuesto por los hermanos Sherman “Let’s get together” que cuenta con dos versiones, una interpretada por Hayley Mills y otro por Annette Funicello (a quien quizás reconozcan por el clásico tema “Pinneaple princess”, compuesta también por los hermanos Sherman), junto con un par de temas más, de los que resalta “The parent trap”, la canción de los créditos iniciales.

Los efectos especiales que usaron para duplicar a Hayley Mills son similares a los que pudimos ver en películas como “Darby O’Gill y la gente diminuta” y no se sienten falsos en ningún momento, al contrario, uno se cree que hay dos chicas en pantalla (aunque hay tomas en las que se nota que usaron una doble de cuerpo), pero en general están muy bien para la época.

En cuanto a las actuaciones… Me encantó Hayley Mills, es la primera vez que veo una película de ella y me gustó bastante lo que vi, los demás actores también cumplen, por un lado, tenemos a la malvada Vicky y a su interesada madre, o Mitch, el papá de las gemelas, aunque no terminé de congeniar con él ni con la relación tóxica que tiene con su exmujer, Maggie, quien es sumamente insoportable, al grado de llegar a golpear a Mitch sin ninguna razón aparente. Fuera de los protagonistas, los papeles de Verbena y Hecky (trabajadores de Mitch) y los papás de Maggie me gustaron muchísimo, su relación hacia las gemelas y el apoyo total que les ofrecen contrastan mucho con los papás de las niñas que se la pasan en un constante va y viene.

Si miran la sombra de la "gemela" con guitarra, podrán ver
como se difumina al llegar a la mitad de la pantalla

Finalmente, algo que nunca ha terminado de convencerme es la historia en sí, y esto viene desde el libro… Cada vez que veo la película de Lindsay Lohan (la cual me encanta) no dejo de preguntarme en la cabeza de quién cabe el repartirse los niños como si fueran propiedades cuando una pareja de divorcia, y, en serio, ¿qué clase de padres permitirían criar a su hija sin mencionarle jamás en la vida que tiene una hermana gemela que vive con su madre al otro lado del país? Siento que la historia no es el fuerte y que realmente no tiene ningún sentido lo que da pie a que se desarrolle la trama, pero quizás si leo el libro le encuentre lógica a esta situación.

Ahora ¿La recomendaría? Aquí si la tengo un poco difícil, disfruté bastante viendo esta adaptación, pero lo cierto es que disfruto más el remake de Lindsay Lohan, así que la recomendaría solo si tienen curiosidad de ver otra versión de la historia (aunque hay muchísimas adaptaciones que igual preferirían darle oportunidad a más de una), pero en caso contrario mejor vean a la buena de Lindsay.

Calificación PLAY: 7.3/10

101 dalmatians

Título original: 101 dalmatians | Título en Latinoamérica: 101 dálmatas o La noche de las narices frías | Dirección: Wolfgang Reitherman, Hamilton Luske, Clyde Geronimi | Producción: Walt Disney | Guion: Bill Peet | Música: George Bruns | Estudio: Walt Disney Productions | Estreno: 25/ene/1961 | Género: Animación, aventura | Protagonistas: Rod Taylor, Cate Bauer, Betty Lou Gerson, Ben Wright, Bill Lee, Lisa Davis, Martha Wentworth

Basada en el libro homónimo de Dodie Smith, Los 101 dálmatas nos narra la historia de Pongo, un perro dálmata que, harto de la vida de soltero (tanto de él como de su amo Roger) decide conseguirle (y conseguirse) una pareja y es así como llegan a sus vidas Anita y Perdita. ¿El resultado? Dos bodas y 15 cachorritos. Pero la malvada Cruella De Vil entra en escena y decide secuestrar a los cachorros de dálmatas para hacerse un abrigo de piel.

Confieso que esta película solo la había visto cuando era niño (Estoy casi seguro de que la vi por última vez hace más de 20 años), y fue una grata sorpresa poder verla de nuevo pues había muchas cosas que no recordaba.

Algo que notamos desde el inicio del filme es el cambio en la introducción que, siendo honesto, se ve un poco raro para una película animada de Disney, pero curiosamente es un intro divertido y la música que lo acompaña es buena.

Sin duda, lo que le da vida a los 101 dálmatas es su villano. Si en La bella durmiente tuvimos a la reina de los villanos Disney, en esta película tenemos a la 2da al mando. Y es que, a diferencia de Maléfica que es un hada, Cruella es una simple mortal. Es una mujer capaz de secuestrar a 99 cachorros de dálmatas solo para matarlos y poder tener un abrigo blanco con manchas negras, es una mujer a la que no le importan las consecuencias de sus actos (llegando incluso a querer lastimar a personas inocentes únicamente para atrapar a los perros) y que demuestra no tener empatía alguna hacia Anita y Roger, a pesar de ser su amiga.

Algo que me gustó también, aunque ya es más de manera muy personal, es que, salvo unas escenas cómicas al mero inicio de la película, la película tiende a un tono más serio, la trama va en una espiral descendente de frustración al ver el esfuerzo que hacen Pongo y Perdita para rescatar a sus hijos de una muerte segura para después verlos sufriendo por el frio mientras se esconden de la malvada mujer que los persigue, llegó un momento en la película en que, aunque ya conocía el final, estaba al borde del asiento totalmente tenso porque parecía que Cruella los encontraría (Jaja, así de ridículo soy con algunas películas).

Algo que juega en contra de la película es la animación en general y sus fondos en particular, es la primera vez que veríamos en una película de Disney, fondos estáticos y unicolor, cosa que, si lo comparamos con las películas que le precedieron (La bella durmiente, La dama y el vagabundo, Peter Pan, entre otras), deja mucho que desear.

En cuanto a la animación de los personajes se siente un poco descuidada al mostrarnos los trazos previos, incluso, llega al grado de mostrarnos personajes coloreados de manera distinta a cómo se muestran en la mayor parte del filme. Esto no es malo per se, puesto que la animación fue hecha así a propósito para poder abaratar los costos de producción, pero eso no le quita que se sienta como un paso atrás en la calidad a la que nos tenían acostumbrados. Se nota también que aquí Disney comenzó a reutilizar diseños y animaciones de películas anteriores como es el caso de Nanny, cuyo diseño es sospechosamente similar al de las hadas de La bella durmiente; y en determinada escena se pueden apreciar a varios personajes de La dama y el vagabundo (Reina, Jock, Peg, entre otros) ayudando a correr la voz sobre los perritos secuestrados.

Ahora la pregunta del millón ¿Recomendación o antirrecomendación? La verdad es una película bonita, la música es buena y la animación, aunque se siente algo floja, no es algo que afecte mucho a la experiencia y no tiene ningún desperdicio, a pesar de su tono serio, ceo que puede ser disfrutada tanto por niños como por adultos.

Calificación PLAY: 7.3/10

Chīsana Eiyū: Kani to Tamago to Tōmei Ningen

Título original: Chīsana Eiyū: Kani to Tamago to Tōmei Ningen (ちいさな英雄－カニとタマゴと透明人間－) | Título en Latinoamérica: Héroes modestos | Dirección: Hiromasa Yonebayashi, Yoshiyuki Momose, Akihiko Yamashita | Producción: Yoshiaki Nishimura | Guion: -- | Música: Takatsugu Muramatsu, Masanori Shimada, Yasutaka Nakata | Estudio: Sudio Ponoc | Estreno: 24/ago/2018) | Género: Animación, fantasía, drama, aventura, acción | Protagonistas: Fumino Kimura, Rio Suzuki, Machiko Ono, Sōta Shinohara, Kentaro Sakaguchi, Joe Odagiri, Min Tanaka

Fue toda una sorpresa encontrarme con esta “película” en Netflix, ya tenía algunos días queriendo verla hasta que por fin se me hizo y resulta que esta película no era tal, sino que es una pequeña antología de 3 cortometrajes dirigidos por grandes eminencias de Studio Ghibli.

Sin ir mas lejos, el cortometraje “Kanini & Kanigo” tiene toda la magia de Ghibli y de la que ya les hablé en Mary y la flor de la hechicera, Hiromasa Yonebayashi tiene un estilo muy particular que se asemeja mucho al de Hayao Miyazaki y logra mezclar la cotidianeidad de la vida diaria con elementos fantásticos. En esta historia, Kanini y Kanino son dos pequeños seres con forma humana que viven con su padre en el fondo de un rio, el diseño de los personajes me hace creer que quizás sean Diminutos como en la película de Arriety, pero quien sabe. Este es el corto me más me gustó, tanto la animación como la música son maravillosas, la animación es una mezcla extraña entre animación tradicional y por computadora, y los peces se ven tan realistas que dan miedo.

El segundo corto es “Life ain’t gonna lose”. Shun es un niño que nació con una alergia letal a los huevos, razón por la que su madre hace todo lo posible por protegerlo, desde prepararle comida especial para que no coma lo que dan en la escuela, hasta comprar expresamente cosas que no contengan nada de huevo. Este corto, aunque tiene una historia lineal que abarca algunos días de la vida de Shun, muestra también diversos flashbacks de algunas ocasiones en las que el niño tuvo contacto con huevo y terminaba en el hospital. La animación es sencilla, recuerda mucho a las acuarelas de “El cuento de la princesa Kaguya” o de “Mis vecinos los Yamada”. Este segmento tiene una fuerte carga dramática y te mantiene expectante sobre qué pasará con Shun.

“Invisible” es el último segmento de esta antología y trata de un empleado que es invisible para todos los demás y que, encima, debe cargar siempre con un peso encima para mantenerse en el suelo. Este corto hace una analogía sobre lo que siente una persona ignorada, alguien que siempre pasa desapercibido, una persona que le es indiferente a los demás. Esta historia me pareció muy bonita, quizás la animación en general no esté al nivel de Kanini & Kanino, pero lo compensa al ser capaz de transmitir lo que siente el hombre invisible, su tristeza, su ira, su desesperación y su gratitud. La música de este corto me encanto, en especial cuando el hombre está a punto de irse volando o en cierto suceso que le ocurre al final.

Entre cada uno de los segmentos tenemos una colorida animación de una isla flotante, que en verdad es el proyector que va exhibiendo las películas, y al final tenemos un ending general con una bonita secuencia de los protagonistas de los tres cortometrajes saludándonos como si fuéramos el público y ellos actores de una obra de teatro.

En general es una bonita recopilación de cortos, algo corta sí, pero eso no le quita lo bien hecha que está. ¿La recomendaría? Sí, los tres cortometrajes tienen una fuerte carga emocional y al menos uno les puede gustar aunque no sean fans de la animación japonesa.

¿Ustedes ya la vieron? !Cuéntennos qué les pareció!

Calificación PLAY: 9.3/10

Captain America: The winter soldier

Título original: Captain America: The winter soldier | Título en Latinoamérica: Capitán América y el soldado del invierno | Dirección: Anthony Russo, Joe Russo | Producción: Kevin Feige | Guion: Christopher Markus, Stephen McFeely | Música: Henry Jackman | Estudio: Marvel Studios | Estreno:  04/abr/2014 | Género: Acción | Protagonistas: Chris Evans, Scarlett Johansson, Sebastian Stan, Anthony Mackie, Cobie Smulders, Frank Grillo, Emily VanCamp, Hayley Atwell, Robert Redford, Samuel L. Jackson

Alerta de Spoiler: Esta reseña podría contener algunos detalles de las tramas de las siguientes películas: Capitán América: El primer vengador y Avengers

Sleeping beauty

Título original: Sleeping beauty | Título en Latinoamérica: La bella durmiente | Dirección: Clyde Geronimi, Eric Larson, Wolfgang Reitherman, Les Clark | Producción: Walt Disney | Guion: Erdman Penner, Milt Banta, Winston Hibler, Bill Peet, Joe Rinaldi, Ted Sears, Ralph Wright | Música: Tchaikovsky, George Bruns | Estudio: Walt Disney Productions | Estreno: 29/ene/1959 | Género: Animación, musical, romance, fantasía | Protagonistas: Mary Costa, Bill Shirley, Eleanor Audley, Verna Felton, Barbara Luddy, Barbara Jo Allen, Taylor Holmes, Bill Thompson

Basada en el cuento de Charles Perrault, La bella durmiente nos narra la historia de la joven princesa Aurora, que es maldecida por la malvada Maléfica (nomas porque sí, porque no la invitaron a un bautizo) a pincharse un dedo con el huso de una rueca en su cumpleaños número 16 y, así, estar condenada a dormir hasta que reciba un beso de amor verdadero.

Confieso que desde niño he amado esta película, la animación siempre me ha parecido espectacular y la música, adaptada directamente del ballet de Tchaikovsky, no se queda atrás. De hecho, el usar esa musicalización fue un gran acierto (y me hace desear que Disney ojalá hubiera adaptado El lago de los cisnes con un tratamiento igual) y nos regala momentos musicalmente mágicos como cuando las hadas se preparan para el cumpleaños de la princesa, o cuando están durmiendo a todo el reino, incluso las escenas de Aurora y Felipe en el bosque se han vuelto clásicas y, siento, que es gracias a la canción “Once upon a dream/Eres tú el príncipe azul”.

Otro acierto por parte de Disney, fue dotar a las hadas de nombre y personalidad propia (tal y como hiciera con los enanos de Blancanieves), así en lugar de trece hadas (si no mal recuerdo del cuento original), tenemos solo 3 que conviven y pelean como si fueran hermanas, en especial Flora y Primavera, teniendo a Fauna como mediadora. Y finalmente tenemos al villano de villanos, el hada malvada Maléfica, una mujer que es mala nomas porque sí, una mujer que representa al mal encarnado, alguien a quien Disney se ha encargado de poner como la reina suprema de los villanos (esto se puede ver principalmente en los especiales de Halloween y en el videojuego de Kingdom Hearts). Fuera de los protagonistas y las cuatro hadas, los personajes no aportan realmente nada a la historia, llegando a resultar realmente irrelevantes como es el caso de la reina Leah (la madre de Aurora), que solo está ahí por estar. Los escenarios también están bastante bien hechos, desde el diseño del castillo, el bosque y la guarida de Maléfica, todos con diseños muy medievales, además de que es la única película de Disney que puede presumir árboles cuadrados.

Entre las curiosidades de esta película podemos decir que utiliza escenas descartadas de las anteriores películas de princesas de Disney, como cuando Maléfica captura al príncipe Felipe y éste escapa del calabozo (originalmente pensada para el príncipe Ferdinand de Blancanieves, se eliminó porque los animadores tenían dificultades animando figuras masculinas que lucieran “reales”), y la escena final del baile sobre nubes entre Aurora y Felipe (originalmente pensada como un sueño de Cenicienta y el príncipe Encantador, eliminada por alentar la trama).

Si tuviera que decir algo malo al respecto de esta película, sería algo ligeramente ajeno a la película en sí, y es el redoblaje mexicano. Hace ya muchos años, Disney no quiso pagarle regalías de las ediciones caseras a las actrices mexicanas que hicieron las voces en español de varias de sus películas (Blancanieves, Cenicienta, La bella durmiente y La dama y el vagabundo son las que recuerdo), y para evitar las demandas interpuestas por esas mujeres, Disney México optó por hacer un nuevo doblaje, mucho más barato y de menor calidad que el trabajo realizado anteriormente, lo que ocasionó que películas como Cenicienta y La bella durmiente perdieran las letras originales de sus canciones y las voces que todo el mundo conocía, y en esta película es especialmente notorio en la voz de Maléfica, cuyo nivel actoral de la actriz de doblaje no logra transmitir la maldad de la voz original y se queda muy por debajo de, incluso, la madrastra de Cenicienta (lo cual ya es mucho decir).

En definitiva, ¿la recomendaría? Sí, sí y sí. Es una película bellísima, la animación es muy buena, la música también y la historia tiene un muy buen balance entre acción, romance, comedia y canciones, lo único que recomendaría es que, si conocieron el doblaje original, véanla en su idioma original (o en algún otro), así se evitarán corajes por lo malo de las “nuevas” voces en español latino.

Calificación PLAY: 9.0/10

Frankenstein

Título original: Frankenstein | Título en Latinoamérica: Frankenstein | Dirección: James Whalen | Producción: Carl Laemmle Jr. | Guión: Francis Edward Faragoh, Garrett Fort, Robert Florey, John Russell | Música: Bernhard Kaun | Estudio: Universal Pictures (EUA, 1931) | Estreno: 21/nov/1931 | Género: Terror | Protagonistas: Colin Clive, Mae Clarke, John Boles, Boris Karloff, Edward Van Sloan, Frederick Kerr

Esta película ya había tenido la oportunidad de verla hace algún tiempo y en su momento me gustó mucho, no me pareció tan terrorífica como debió parecerlo en 1931 pero eso no le quitó ningún mérito para mí. Y cuando terminé de leer la historia original decidí volver a ver tan maravillosa película y cuál fue mi sorpresa al ver lo desvirtuado de la historia. Y aunque ya después me enteré de que esta versión sigue el camino marcado por una obra de teatro de 1927 en lugar de la obra original, la “decepción” al ver que no era fiel al libro ya estaba ahí. 

La película comienza directamente con el doctor Henry (?) Frankenstein y su acompañante jorobado Fritz recolectando cuerpos para hacer a la criatura y finalizando el armado con un cerebro de criminal que el ayudante roba de la universidad. Aquí se nos presenta lo que con el paso de los años se convertiría en el prototipo de científico loco y otra diferencia importante es que el Dr. Frankenstein aquí es un hombre que en los primeros minutos de la película en que la criatura ya está viva, no duda en defenderla a capa y espada y negar rotundamente a los comentarios del Dr. Waldman acerca de que su creación es una abominación.

Sin restarle calidad a la película (que a mi parecer sigue siendo excelente), es imposible no notar todas las diferencias que tiene con la historia original, comenzando por el cambio en el nombre del protagonista: Víctor en el libro y Henry en la adaptación. También es notoria la ausencia de Henry Clerval, el mejor amigo de Frankenstein y que en la película lo más cercano que podemos encontrar a este personaje es Víctor Moritz, amigo tanto de Frankenstein como de Elizabeth. Otras ausencias menos importantes como la de la madre y los hermanos del protagonista, Justine, Felix y su familia e incluso al otro protagonista, Walton, el capitán por el que vamos conociendo la desgraciada historia de Frankenstein y su criatura. Uno como lector podría echarlos de menos pero realmente solo hubieran estorbado en esta adaptación. 

Ahora vayamos por la criatura (o el monstruo como lo llaman en los créditos). Aunque en un principio dan a entender que la criatura es malvada solo por tener un cerebro perteneciente a un criminal, las escenas en las que la criatura comete algún asesinato son o por accidente o en defensa propia, así que realmente es imposible tenerle miedo a un ser que solo inspira compasión. La actuación de Boris Karloff es muy buena y el maquillaje que se ideó para esta cinta marcó la imagen que futuras generaciones tendrían acerca de la criatura y es que cuando pensamos en este ser en particular a todos nos viene a la mente un ser gigante de cabeza plana con tornillos en el cuello, basta con recordar a Herman Munster (The munsters), Largo (The Addams family) o incluso con buscar el nombre de Frankenstein en google podemos apreciar cientos de imágenes en las que predomina el aspecto del monstruo de esta película.

Como ya comentaba, la historia fue modificada para que luciera más aterradora, y aunque cuenta con algunos ligeros huecos en la trama, así como un final que llega demasiado pronto, nos regala escenas clásicas que perduran hasta nuestros días como la breve interacción de la criatura con la niña del lago, la persecución por las montañas (con todo y pueblerinos armados con antorchas y pinchos) y que culmina con el enfrentamiento en el molino, o incluso la criatura entrando en la habitación de una Elizabeth vestida de novia, todas ellas son escenas clásicas que habremos visto en más de una adaptación o parodia. 

Sin duda, aunque no sea fiel al libro original, estamos ante una grandiosa película, un clásico tanto del cine de terror como del cine en general, Stephen King dijo alguna vez que no podemos entender lo que es el terror hasta que no viéramos las películas de monstruos que aparecieron en la década de los 30 y si bien, lo que causaba miedo en esa época puede parecernos ya obsoleto, sirve para entender las bases del género y la verdad, son películas que no tienen ningún desperdicio. 

Calificación PLAY: 8.3/10

WALL·E

Título original: WALL·E | Título en Latinoamérica: WALL·E | Dirección: Andrew Stanton | Producción: Jim Morris | Guion: Andrew Stanton, Jim Reardon, Andrew Stanton, Pete Docter | Música: Thomas Newman | Estudio: Walt Disney Pictures, Pixar Animation Studios | Estreno: 27/jun/2008 | Género: Animación, Ciencia ficción | Protagonistas: Ben Burtt, Elissa Knight, Jeff Garlin, Fred Willard, John Ratzenberger, Kathy Najimy, Sigourney Weaver

WALL·E nos cuenta la historia de un pequeño robot basurero que se encarga de prensar toda la basura que hay en un planeta tierra abandonado y devastado por la contaminación, en su camino se cruzará EVA, un robot cuya tarea es explorar la tierra en búsqueda de algún indicio que le permita a la raza humana regresar a su planeta.

Después de haber visto la vida de un grupo de juguetes, de una colonia de hormigas, la búsqueda desesperada de un pez payaso por su hijo secuestrado, una pequeña rata que anhela ser un gran chef, una familia de superhéroes, entre otros. Pixar logró sorprendernos de nuevo en aquel verano del 2008 con un protagonista cuyo vocabulario se limita a “Wall-e”, “Eva”, “Directiva” y poco más.

Confieso que esta película no la vi cuando salió, e incluso por varios años tuve ideas erróneas respecto a ella y pasó mucho tiempo antes de que le diera una oportunidad. Sobra decir que la amé.

WALL-E entra en un género que, creo, Pixar no había tocado antes y no ha vuelto a tocar desde entonces, que es la ciencia ficción. Nos presenta un mundo postapocalíptico abandonado a su suerte y, al mismo tiempo, una utopía en el axioma, que es el crucero espacial en el que viven los herederos de los últimos humanos. Todo esto a setecientos años de haber abandonado el planeta. La historia nos pone elementos que quizás reconozcamos de alguna de las historias de Isaac Asimov e introduce personajes robots “buenos” y “malos” en base a las leyes de la robótica de “Yo, robot” (tenemos, por ejemplo, a un robot que rompe claramente las dos primeras leyes).

Y hablando de los personajes, creo que ni Nemo (Buscando a Nemo) ni Remy (Ratatouille) lograron hacer que sintiera tanta empatía como lo consiguió WALL-E después de los primeros diez minutos de película y es que, aunque sea un robot, sus movimientos están cargados de emociones, sus ojos son muy expresivos y es muy fácil notar cuando tiene miedo, cuando está feliz, cuando duda y cuando tiene la determinación de hacer algo como ayudar a EVA.

En cuanto a la música, la estoy escuchando mientras escribo esto y no es mi favorita, la inclusión de temas famosos del musical “¡Hello, Dolly!” como “It only takes a moment” o “Put on your Sunday clothes”, o la grandiosa “La vie en rose” con la voz de Louis Armstrong le dan más vida tanto a la banda sonora como a la película, hacen que la historia y el sentido de preservar cosas de una humanidad perdida se sienta más real y el tema de los créditos finales “Down to Earth”, aunque no sea un clásico y no sea tan famoso como “You’ve got a friend in me” de Toy story, me gustó más que los temas que escuchamos en Monsters, inc. Por ejemplo (Y a estas alturas no recuerdo si películas como Bichos, Los Increíbles o Buscando a Nemo cuentan con temas cantados).

Otro punto bueno de esta película son los temas que toca, como la decadencia del ser humano por culpa de la tecnología que ellos mismos crearon, y aunque es gracioso ver a esas personas gorditas incapaces de comunicarse entre ellos a no ser que sea a través de una pantalla, de no poder apreciar cosas sencillas como las estrellas (o el hecho de tener una piscina), seres que ni siquiera pueden moverse por su propia cuenta; no deja de ser una realidad a la que ya vamos encaminados.

El tema ecológico, que hemos visto hasta el cansancio en varias películas de Studio Ghibli, es por primera y última vez tocado por Pixar y es parte fundamental de la trama pues es la contaminación lo que empuja a los humanos a huir del planeta tierra, incluso hay un momento en el que el capitán del axioma tiene una revelación sobre cuál fue la principal razón por la que la tierra sucumbió que me pareció bastante bonito y emotivo; y el último tema de interés de la película es cuando la tecnología se vuelve contra uno, lo cual termina en esos humanos debilitados.

Y creo que ya no hay nada más que decir, al respecto de WALL-E, ¿La recomendaría? Definitivamente. Es una película tierna con personajes cautivadores, una historia entretenida y un muy bonito mensaje, a mi parecer es la mejor película de Pixar y siento que difícilmente va a ser superada, así que si no la han visto denle una oportunidad y si ya la vieron, cuéntennos qué les pareció.

Calificación PLAY: 10/10

Lady and the tramp

Título original: Lady and the tramp | Título en Latinoamérica: La dama y el vagabundo | Dirección: Clyde Geronimi, Wilfred Jackson, Hamilton Luske | Producción: Walt Disney | Guion: Erdman Penner, Joe Rinaldi, Ralph Wright, Don DaGradi | Música: Oliver Wallace | Estudio: Walt Disney Productions | Estreno: 22/jun/1955 | Género: Animación, romance, musical | Protagonistas: Barbara Luddy, Larry Roberts, Bill Thompson, Dallas McKennon, Bill Baucom, Verna Felton, Peggy Lee

 “La dama y el vagabundo” es de esos poco clásicos de Disney que nos narra una historia de vida cotidiana, aquí no hay magia, no hay madrastras malvadas ni hadas madrinas, solo una perrita de casa, un perro callejero y una tía malvada que lleva a la perrita a que le pongan un bozal por culpa de sus odiosos gatos.

La historia de esta película es muy sencilla y su pre-producción se remonta a 1937, año en que se estrena Blancanieves y los siete enanos (Igual que muchas otras tantas películas de Disney), pero se fue retrasando porque Disney no estaba conforme con los trabajos realizados por Joe Grant y otros animadores. Al final (1949) Grant abandonó el estudio pero Disney continuó con su historia, obviamente sin darle crédito alguno a Grant (algo muy común para el señor Walt Disney).

Después de este pequeño trasfondo toca preguntarnos ¿Qué tiene de bueno esta película? El dibujo y diseño de los personajes es muy bonito, todo el cast canino es sumamente tierno, aunque quizás lo diga como amante de los perros que soy.

Algo que también me pareció interesante son los temas “adultos” que toca, desde la escena de la perrera en donde, no conformes con mostrarnos la tristeza del lugar (con todo y perros llorando) vemos a un perrito siendo llevado a sacrificar; la “deshonra” de Reina en donde hasta sus vecinos se plantean que uno de ellos debe casarse con ella para que los demás no hablaran a sus espaldas (esto me dio mucha risa porque, aunque no lo dicen explícitamente, dan a entender que, tras pasar la noche con Golfo, la perrita quedó embarazada); el impacto de la llegada de una mascota y de un bebé al núcleo familiar, entre otros temas más que difícilmente sean entendidos por niños.

Ahora ¿Qué podría tener de malo La dama y el vagabundo como para no gustarle a la gente? Esto no es malo per se, pero siento que la animación sigue el mismo patrón que las dos películas anteriores (Peter Pan y Alicia), es como si Disney hubiera estado tan ocupado produciendo Cenicienta y La bella durmiente que descuidó bastante a estas tres. Otro detalle que quizás podría no gustar es que los personajes no tienen el suficiente carisma como para resaltar, y la historia es demasiado lineal y sencilla. La música tampoco es su fuerte, salvo por tres canciones: La clásica Bella notte, el tema de los gatos siameses y la espléndida He’s a tramp. Fuera de esos temas la música va de mala a regular en la mayor parte de la película.

¿La recomendaría? En lo personal no me parece que sea una mala película, me gusta a secas pero no para verla ni seguido ni varias veces y creo que en esta ocasión no la recomendaría del todo, a menos que te gusten las historias sencillas y los perritos.

Calificación PLAY: 7.7/10

Dark (Temporada 3)

Título original: Dark | Título en Latinoamérica: Dark | Dirección: Baran bo Odar | Producción: Baran bo Odar, Jantje Friese, Quirin Berg, Max Wiedemann, Justyna Müsch | Guion: Baran bo Odar, Jantje Friese, Ronny Schalk, Marc O. Seng, Martin Behnke, Daphne Ferraro | Música: Ben Frost | Estudio: Wiedemann & Berg Television, Netflix | Estreno: 27/jun/2020 | Temporadas: 3 | Género: Ciencia ficción, thriller | Protagonistas: Louis Hofmann, Lisa Vicari, Jördis Triebel, Walter Kreye, Karoline Eichhorn, Stephan Kampwirth, Arnd Klawitter, Paul Lux, Julika Jenkins, Lisa Kreuzer

Por fin el fin de semana pasado se estrenó la última temporada de Dark, y tras el cliffhanger que dejó, la historia se retoma justamente en el momento en que terminó ésta y se agrega, no una nueva época, sino un nuevo mundo, una realidad diferente, en esta ocasión nos toca conocer el mundo de Eva, un mundo en el que Mikkel nunca viajó al pasado y, por lo tanto, un mundo en el que Jonas nunca nació, salvo Jonas los personajes siguen siendo los mismos pero las situaciones se adecúan a los cambios, provocando que el apocalipsis en el mundo de Eva suceda aproximadamente 6 meses antes de que ocurra en el mundo de Adam, por lo que ahí la carrera por evitarlo es más apremiante.

De entrada es curioso ver situaciones que vimos en las temporadas anteriores pero adecuadas a un contexto diferente, en esta temporada, una y otra vez se nos presentan varias situaciones “repetidas” pero desde distintas perspectivas y ligeramente diferentes. La historia se enreda aún más de lo que ya estaba (pero sin llegar a ser inentendible) y, sin embargo, en solo dos episodios los guionistas logran resolver todas las incógnitas de una manera bastante satisfactoria. En estos días he estado leyendo comentarios del tipo “Les va a gustar si es que la entendieron” o “No creo que sea para ti porque no cualquiera la entiende”, ya saben, el típico fandom que se cree superior por ver algo que “no todos entienden”, sin embargo creo que uno de los mayores logros de la serie es llegar a un desenlace sencillo gracias a la habilidad de sus guionistas.

La música es cosa seria, desde la primer temporada quedé enamorado del tema “Goodbye” de Apparat (extraído de su álbum “The devil’s walk” del 2011) pero el score de Ben Frost no se queda atrás, además de que algunos episodios tienen canciones que suenan en escenas puntuales antes de sus respectivos finales (curiosamente la única selección musical que no me gustó fue la del episodio final, pero fuera de eso me encantaron los temas musicales y el soundtrack).

Algo que me gustó muchísimo fue el manejo del villano, a lo largo de los 8 episodios llegamos a conocerlo aún más y entendemos la mayoría de sus decisiones a lo largo de la serie, la serie maneja muy bien esa dualidad del héroe con su némesis y lo logra de una manera bastante creíble (basicamente en algunas escenas vemos su "creación") y aunque eso hizo que me gustara más como personaje, sin duda alguna mi favorita siempre será Claudia Tiedeman, madre mía que personaje tan más genial, tan humano y a la vez tan místico, las actrices que la interpretan me parecieron excelentes y todo s arco narrativo desde la 2da temporada está muy bien llevado.

Como puntos malos, la verdad sigue sin convencerme el actor de Jonas, quizás sea más porque así es el personaje que por el actor en sí, pero de verdad es frustrante verlo en pantalla y ver, en especial, como a pesar de todo lo que ha vivido, no es capaz de relacionar cosas tan sencillas a pesar de que varios otros personajes se las han explicado con anterioridad.

Un punto a tomar en cuenta que no es ni bueno ni malo es que la serie se enreda aún más y complica más las cosas en los 6 primeros episodios de esta temporada y es en los últimos dos en los que obtenemos de golpe todas las respuestas, sí está muy bien llevado, pero personalmente me hubiera gustado que profundizaran un poco más, en especial en el capítulo 7 que es, a mi parecer, el mejor de toda la temporada.

Creo que de sobra está decir que les recomiendo ampliamente esta serie, si leyeron hasta aquí quiere decir que ya la vieron así que mejor cuéntennos directamente sus comentarios. ¿Les gustó? ¿Les decepcionó? ¿Esperaban más?

¡Saludos!

Calificación PLAY: 9.3/10