Les 120 Journées de Sodome ou l'école du libertinage

Título original: Les 120 Journées de Sodome ou l'école du libertinage | Título en Latinoamérica: Los 120 días de Sodoma | Autor: Donatien Alphonse François, Marqués de Sade | Editorial: Grupo editorial Tomo S.A. De C.V. | Edición: 6ta edición | Publicación: junio, 2005 (publicación original: 1904) | Género: Erótico, sadomasoquismo

Sí, damas y caballeros, mucho antes de que E. L. James naciera y diera vida a sus famosos personajes Christian Grey y Anastasia Steele, existió un hombre que pasó 27 años encerrado en distintas cárceles, protagonizó muchos escándalos e incluso su obra llegó a situarse en la lista de libros prohibidos de la iglesia católica. Ese hombre fue Donatien Alphonse François, el marqués de Sade.

Este libro lo compré cuando tenía la tierna edad de 15 o 16 años y lo hice por dos simples razones: 1) estaba muy barato y 2) simple y llano morbo.

Los 120 días de Sodoma es todo un estuche de perversidades, la edición que tengo consta de 178 páginas, de las cuales la historia en sí abarca de la página 15 a la 74 (en teoría, porque en las primeras páginas se nos presenta, uno por uno y con lujo de detalle, a todos los personajes, y cuando digo que es con lujo de detalles lo digo en serio, cuando presenta a los hombres dice incluso cuanto miden sus miembros), las primeras y últimas páginas son un prólogo y un epílogo respectivamente y las páginas de las 75 a la 176 son toda una compilación de “pasiones” divididas en 4 partes: Simples, complejas, criminales y asesinas. 

Ahora la historia, la historia es muy sencilla y digerible, habla de 4 hombres libertinos que un día, cansados de la rutina que sus orgías diarias les ofrecen (?) deciden refugiarse en su castillo por 120 días junto con un grupo de niños y niñas, unos cuantos hombres y mujeres y 4 prostitutas que se dedicaran a contar una historia diferente cada día, para así poder disfrutar en grupo de una orgía sin fin. Realmente no hay una trama como tal, más bien simplemente se nos plantea la situación y se nos explica cómo es que transcurre ese primer día para que nosotros podamos hacernos una idea de lo que pasará en los siguientes 119. Estos cuatro héroes (como son llamados en el libro) organizan su retiro lo mejor posible, cuidando cada detalle, lo primero que hacen es casarse cada uno con la hija de otro, de modo que todo quede en familia, luego reclutan a un grupo de hombres que se encargarán de comprar o secuestrar una determinada cantidad de niños y niñas, Luego de que los cuatro hombres cerraran a cal y canto su fortaleza proceden a organizar los horarios: La hora de las comidas, la hora de dormir y, lo más importante, la hora de los cuentos. 

Como ya había dicho, cada día, para estimular la imaginación de los presentes, una prostituta se encarga de contar una historia diferente y los héroes son muy estrictos en ese sentido, quieren la cantidad máxima de detalles y eso incluye, tamaños, olores, sensaciones, etc. Entre las pasiones podemos encontrar todo tipo de perversiones y parafilias, desde pedofilia hasta necrofilia, pasando por cualquier tipo de instrumento de tortura, creo que los nombres de las pasiones dejan ese punto bastante claro. En lo personal, las pasiones criminales y las pasiones asesinas fueron las más difíciles de leer, de hecho, recuerdo que tardé un buen rato en superar la última: La pasión del diablo o Pasión del infierno.

La escritura es tediosa y aburrida, abundan las descripciones planas de los personajes, la trama es tan simplona que no termina de funcionar a modo de una historia como tal, por lo que realmente lo que brilla aquí es el catálogo de las pasiones. 

¿Lo recomiendo? Quizás, dependiendo de la persona, ¿Lo volvería a leer? Probablemente sí, probablemente no, todo depende de mi estado de ánimo a la hora de elegir libros para una relectura aunque, siendo honesto, no creo darle otra oportunidad ni a este libro ni a ningún otro del marqués, sencillamente no es lo mío (de momento). 

Ahora que, si les interesa, existe una película que causó cierta controversia al no poder demostrarse que los actores eran mayores de edad. Quizás algún día la termine de ver y les traiga la crítica. 

Calificación PLAY: 2.3/10

The rescuers

Título original: The rescuers | Título en Latinoamérica: Bernardo y Bianca | Dirección: Wolfgang Reitherman, John Lounsbery, Art Stevens | Producción: Wolfgang Reitherman, Ron W. Miller | Guion: Larry Clemmons, Vance Gerry, Ken Anderson, Frank Thomas, Burny Mattinson, Fred Lucky, Dick Sebast, David Michener, Ted Berman | Música: Artie Butler | Estudio: Walt Disney Productions | Estreno: 22/jun/1977 | Género: Animación, aventura | Protagonistas: Bob Newhart, Eva Gabor, Michelle Stacy, Geraldine Page, Joe Flynn, Jim Jordan, John McIntire, Jeanette Nolan, Pat Buttram, Bernard Fox

Basada en la saga literaria “Los rescatadores y Miss Bianca” de Margery Sharp, “Bernardo y Bianca” nos cuenta la historia de dos ratoncitos: Bianca, una ratoncita de sociedad, representante de Hungría; y Bernardo, el conserje de la Sociedad Internacional de Rescate de Ratones, quienes se embarcarán en una aventura para encontrar a la pequeña Penny, que es prisionera de la malvada Madame Medusa. 

En lo personal no soy muy fan de esta película, aunque parece ser que fue muy bien recibida por la crítica en su momento, pero estamos hablando de una película que llegó después de cintas como Winnie Pooh, Robin Hood y Los aristogatos.

Creo que, para mí, el carisma de esta película yace en dos personajes específicamente, siendo el primero Penny, una niña de seis años secuestrada y explotada, que vive con miedo y que solamente anhela que alguien la adopte y la quiera, y aunque su tema musical “Somenone’s waiting for you” no brilla para nada, el solo ver a la niña llorando es suficiente para que a uno se le apachurre el corazón; y el segundo es Madame Medusa. Que mujer tan malvada. Ya habíamos visto antes a villanos carismáticos que no necesitan razones para ser malos, simplemente lo son y ya, vimos a Maléfica (La bella durmiente) que maldijo a un bebé solo porque no fue invitada a una fiesta, o a Cruella de Vil (Los 101 dálmatas) que quería matar a decenas de perritos solo por un abrigo, y aquí tenemos a uno de los villanos Disney más ignorados y subestimados de todos, y es una mujer que secuestra a una niña, la maltrata psicológicamente y la obliga a entrar todos los días a una cueva peligrosa para que consiga un maldito diamante, díganme si esta mujer no es un villano de pies a cabeza, y encima tiene a dos gigantescos cocodrilos de mascotas que usa para intimidar a Penny. Si aguanté viendo esta película fue por ellas dos. Sin duda alguna, mis personajes favoritos de toda esta edad de bronce de Disney. 

Por otro lado, la animación no es lo fuerte de Bernardo y Bianca, vemos animación reciclada (¿o cameos, quizás?) de Bambi y hay muchos detalles que, si hubieran tenido cuidado o si hubieran tenido un inspector de calidad, no habríamos visto en el corte final, como los ojos de Bernardo que, de una escena a otra pasan de estar pintados de blanco a ser del mismo color que su pelaje. 

La música tampoco logra resaltar en ningún momento y es muy fácil de olvidar, de hecho lo único que recuerdo es que mientras la veía pensaba que ese soundtrack me recordaba más a películas como “Mi amigo el dragón” (1977) o incluso a las películas animadas de Don Bluth como “Una ratoncita valiente” (1982) o “Un cuento americano” (1986), siento que quizás no es que fuera mala, solo estaba fuera de época.

Y acabo de darme cuenta de que casi ni he mencionado a Bernardo y a Bianca, nuestros protagonistas, pero es que siento que no hay mucho que decir… Bianca es una socialité húngara que, por alguna extraña razón que no explican en ningún momento, comienza a tener una relación sentimental con Bernardo, de hecho ni siquiera sabemos bien por qué lo escoge a él para que la acompañe en su misión (recordemos que es el conserje) en lugar de algún otro miembro mejor preparado. Realmente no son protagonistas carismáticos ni interesantes si los comparamos con Penny o Madame Medusa. 

Pero en fin ¿Recomendación o no? Creo que sí la recomendaría, siento que el mérito de esta película es que Disney se arriesgara a tener una historia un poco más madura (y más viendo que venimos de Winnie Pooh que era puramente infantil), así que si no la han visto a estas alturas, no duden en echarle un ojo. 

¡Y ya nos adentramos en la Edad oscura de Disney! La siguiente reseña del estudio será de “El zorro y el sabueso”, a ver cómo le va jajaja. 

¡Saludos! 

Calificación PLAY: 7.0/10

Mars attacks!

Título original: Mars Attacks! | Título en Latinoamérica: ¡Marcianos al ataque! | Dirección: Tim Burton | Producción: Tim Burton, Larry J. Franco | Guion: Jonathan Gems | Música: Danny Elfman | Estudio: Warner Bros. | Estreno: 13/dic/1996 | Género: Comedia, Ciencia ficción | Protagonistas: Jack Nicholson, Glenn Close, Annette Bening, Pierce Brosnan, Danny DeVito, Martin Short, Sarah Jessica Parker, Michael J. Fox, Rod Steiger, Tom Jones, Lukas Haas, Natalie Portman, Jim Brown, Lisa Marie, Sylvia Sidney

Creo que ¡Marcianos al ataque! Era de las pocas películas clásicas de Tim Burton que no había visto antes y vaya que ya le traía ganas. La historia es muy sencilla, es un hipotético caso en el que los marcianos llegan a la tierra y comienzan a invadirnos, más que nada, por culpa de un incompetente presidente de los Estados Unidos (Jack Nicholson) y su equipo de aduladores. En la historia también se nos presentan una serie de personajes secundarios que, realmente, lo único que hacen es brindarnos diferentes perspectivas de la invasión y, de paso, agregar más tiempo al metraje.

Algo que no sé si me agradó o no, pero que me llamó la atención fue la gran cantidad de estrellas que hubo en este filme, desde el mismo Jack Nicholson como el presidente de los Estados Unidos (y como Art Land), hasta Michael J. Fox (Volver al futuro) como un periodista, Sarah Jessica Parker como la reportera, un jovencísimo Jack Black como el soldado hermano de Lukas Haas (El renacido, Zoolander), Glenn Close y Natalie Portman como la esposa e hija del Sr. Presidente, Tom Jones (un cantante británico ), Danny DeVito (Batman regresa), Pierce Brosnan (James Bond), Annette Bening (Capitán Marvel) entre unos cuantos más. ¿Qué es lo que pasa aquí? Que son DEMASIADOS actores/personajes para una película que apenas dura poco más de hora y media, se pierde muchísimo tiempo (casi los primeros 40 minutos son introducción de personajes) presentando a todos los personajes “protagonistas”, en serio todos se nos presentan como personajes importantes, cuando lo cierto es que realmente solo un par son los únicos cuya subtrama realmente importa y da la sensación de que esa introducción tan larga es solamente para decirnos “¡Hey! ¡Vean a todos estos actores de renombre aquí!”

Siguiendo con los personajes, todos son clásicos estereotipos de películas estadounidenses, desde las rubias tontas y superficiales, la familia de rednecks estúpidos cuyo hijo menor es el más listo y noble, el presidente que quiere quedar bien con todo el mundo, el héroe por accidente, el militar que quiere solucionar todo con guerra, etc. Y todos, todos pecan de tontos. ¿Es esto malo? No forzosamente.

Un punto bueno (pero insignificante) de la película son los guiños y parodias que hacen respecto a ciertas situaciones de los Estados unidos (los héroes de guerra, el amor y paz de los hippies, las películas de ciencia ficción, la disección de un alien, entre otros), ¿Sirve esto para salvar la película? No lo creo.

Históricamente, sabemos que esta película fue un gran fracaso para Warner (y no es para menos, de seguro todo el presupuesto se les fue en los actores), pero con el tiempo ha obtenido un status de clásico de culto y lo cierto es que es una película bastante divertida de ver, no debe tomarse en serio, la trama es sencilla, las subtramas algo innecesarias, los efectos son malos a propósito y no dudo que lo mismo haya pasado con el guion, quiero creer que la película es mala porque así fue planteada desde un inicio, como una parodia de las famosas películas de ciencia ficción de los años sesenta/setenta. Ahora ¿La recomendaría? Si te gustan las películas de Tim Burton, las comedias de risa fácil y, en general, las películas que no te hagan pensar ni concentrarte demasiado, entonces esta película es para ti. Si, por el contrario, no soportas alguna de esas cosas, puede que más que disfrutar esta película, la sufras.

¿Ustedes ya han visto esta pequeña joya? ¡Cuéntennos en los comentarios que tal les parece!

Calificación PLAY: 7.7/10

Avengers: Age of Ultron

Título original: Avengers: Age of Ultron | Título en Latinoamérica: Avengers: La era de Ultrón | Dirección: Joss Whedon | Producción: Kevin Feige | Guion: Joss Whedon | Música: Brian Tyler, Danny Elfman | Estudio: Marvel Studios, Walt Disney studios | Estreno: 01/may/15 | Género: Acción | Protagonistas: Robert Downey Jr., Chris Hemsworth, Mark Ruffalo, Chris Evans, Scarlett Johansson, Jeremy Renner, Don Cheadle, Aaron Taylor-Johnson, Elizabeth Olsen, Paul Bettany, Cobie Smulders, Anthony Mackie, Hayley Atwell, Idris Elba, Stellan Skarsgård, James Spader, Samuel L. Jackson

Alerta de spoilers: Esta reseña podría contener spoilers de las siguientes películas: Thor: el mundo oscuro, Iron man 3, Capitán América y el soldado del invierno y Avengers

The many adventures of Winnie the Pooh

Título original: The many adventures of Winnie the Pooh | Título en Latinoamérica: Las aventuras de Winnie Pooh | Dirección: John Lounsbery, Wolfgang Reitherman | Producción: Wolfgang Reitherman | Guion: Larry Clemmons, Ralph Wright, Vance Gerry, Xavier Atencio, Ken Anderson, Julius Svendsen, Ted Berman, Eric Cleworth | Música: Richard M. Sherman, Robert B. Sherman, Buddy Baker | Estudio: Walt Disney Productions | Estreno: 11/mar/1917 | Género: Animación, antología, musical | Protagonistas: Sterling Holloway, John Fiedler, Junius Matthews, Paul Winchell, Howard Morris, Bruce Reitherman, Jon Walmsley, Timothy Turner, Sebastian Cabot

“Las aventuras de Winnie Pooh” es el clásico animado número 22 de Walt Disney y aquí se retoma una de las épocas “oscuras” del estudio: La era empaquetada. En esta nueva película tenemos 3 cortometrajes previamente estrenados hasta diez años antes y, por lo mismo, se le considera la última película animada en la que participó el mismo Walter Disney pues él aún vivía cuando se estrenó el primer corto (Winnie Pooh y el árbol de miel, 1966) y supervisó la producción del segundo (Winnie Pooh y el bosque encantado, 1968). Algo que diferencia esta película de otras de las empaquetadas es que en esta ocasión se modificaron los finales de cada corto para hacer una historia más lineal. 

Ahora sí, vayamos por partes. El primer corto (… el árbol de miel) nos narra los intentos de Winnie Pooh para conseguir algo de miel, los cuales van desde “disfrazarse” de nube negra hasta pedirle algo de miel a su amigo Conejo, quedándose atascado en su madriguera. El segundo corto (… El bosque encantado) trata sobre como el cambiante clima del bosque de los 100 acres afecta el día normal de sus habitantes, tenemos segmentos de vientos fuertes que terminan tumbando la casa de Buho y hasta una inundación. También se nos introducen a los Efelantes y las Wartas en una secuencia que reutiliza animación de los elefantes rosas de Dumbo. El tercer cortometraje es “Winnie Pooh ¡y Tigger también!” de 1974 en el que se profundiza un poco más en el personaje de Tigger y su relación con otros como Conejo y Rito; y, finalmente, tenemos una secuencia nueva para la época que narra la despedida de Pooh y Christopher Robin.

Siendo honesto, “Las aventuras de Winnie Pooh” es una película bonita, sí, pero solo si eres un niño de entre 1 y 7 años. Aunque hay escenas que recuerdo con muchísimo cariño (como Pooh atorado en la madriguera de Conejo, la canción de la gimnasia o la canción de Tigger) lo cierto es que la inocencia e ingenuidad de los personajes no se presta para que los adultos disfrutemos de esta película. Lo único que sí me gustó es que la animación está hecha emulando un libro, así que podemos ver a los personajes interactuando con el narrador y con las mismas letras escritas en sus páginas (algo que veríamos después en el videojuego de Kingdom Hearts). 

La música es bonita también, pero nada memorable ni que resalte en comparación de otras producciones, creo que los hermanos Sherman han tenido mejores trabajos (Mary Poppins, por ejemplo) y aquí sus canciones no logran brillar tanto aunque si tenemos algunas que sobresalen como “Es Winnie Pooh”, Elefantes y Wartas”, “La gimnasia” y “Lo que hay de prodigio en los Tiggers” pero de nuevo, están hechas para un público meramente infantil.

En fin. ¿Lo recomendaría? Lamentablemente no, esta película es completamente infantil y está muy bien si tienen algún niño pequeño en casa, pero si quieren apreciar una buena película animada, entonces esta no es la mejor opción. 

Calificación PLAY: 6.0/10

M ~Ai Subeki Hito ga Ite~

Título original: M Aisubeki Hito ga Ite (M 愛すべき人がいて) | Título en Latinoamérica: N/A | Dirección: Takao Kinoshita, Manabo Asō | Producción: - | Guion: Osamu Suzuki | Música: Kan Sawada | Estudio: TV Asahi/AbemaTV | Estreno: 18/abr/2020 | Temporadas: 1 | Género: Romance, drama, comedia, musical | Protagonistas: Kalen Anzai, Shohei Miura, Alan Shirahama, Minami Tanaka, Masanobu Takashima

La joven Ayu sueña con irse a vivir a Tokyo y convertirse en actriz, desafortunadamente las cosas (y la vida como actriz) no salen tan bien como ella esperaba y, tras acompañar a una amiga al famoso club Velfine, conoce al productor musical Masa quien se encargará de convertir a Ayu en una artista. 

Basada en la novela homónima de Narumi Komatsu, que nos cuenta los primeros años de fama de la cantante Ayumi Hamasaki y de su relación con su productor Max (Masa) Matsura, “M” (para abreviar) se toma ciertas libertades creativas en favor de hacer que la trama sea un poco más entretenida y curiosamente funcionan, quizás no como yo hubiera querido, pero funcionan. 

Entre las cosas buenas que tiene “M” la mas resaltable es como juegan con la nostalgia de los fans de Ayumi Hamasaki y que se nota con detalles tan simples como ver a Masa escuchando los demos musicales que formarán los primeros temas de Ayu, entre los que destaca la música de A Song for xx, o cuando Ayu dice de forma casual frases que los fans ya conocen de alguna de sus canciones, de ahí pasamos a escenas completas como en la que Ayu escribe, precisamente, la letra de A Song for xx, y tenemos también escenas que nos recuerdan sospechosamente a tomas de sus videoclips, como una Ayu completamente inmovil entre el público que baila en el club Velfine o Ayu viendo por la ventana de un auto en movimiento. Cosas que están ahí más para los fans que para un televidente promedio. 

La historia es buena con todo y sus detalles, y esto lo digo como fan de la cantante, si no eres fan de Ayumi o si de plano no la conoces, es muy probable que no disfrutes tanto de esta historia.

Como algo ni bueno ni malo mencionaría las actuaciones, ninguna es sobresaliente y salvo las que mencionaré como puntos malos, todas están más o menos decentes, aunque sí decaen un poco llegando al final. Las escenas del supuesto éxito de Ayu en el Tokyo Dome (con las canciones de M y Boys & Girls), además de que están ahí solo de relleno tienen tan bajo presupuesto que hacen que uno piense mal de la versión real (vamos, que si yo no hubiera visto las presentaciones reales que emulan esas escenas me hubiera dado un poco de grima pensar que algo así hizo la gran diva nipona). La actuación de Kalen Anzai es regular y uno comienza a tomarle cariño después del capítulo 2 o 3 aunque se estanca demasiado rápido y no termina de brillar teniendo, por ejemplo, a los personajes de Masa (Shohei Miura) y Rukawa (Alan Shirahama) que tienen más carisma que ella. 

Ahora vayamos a lo malo de este dorama… Los personajes del director Ohama (Masanobu Takashima) y la loca secretaria de Masa, Reika Himeno (Minami Tanaka), son sumamente pesados. Entiendo la necesidad de un villano que le haga la vida imposible a nuestra protagonista (de hecho, aquí tenemos 4 que hacen exactamente lo mismo), pero no hay ni una sola escena de estos dos en los que no de pena ajena su actuación y eso que la actuación de todos es bastante cuestionable. He leído comentarios de diversa gente alabando al personaje de Reika (al grado de que le hicieron una miniserie a modo de spin-off) pero yo la verdad no lo compro y estoy completamente seguro de que hubiera disfrutado más este dorama si ese personaje sencillamente no existiera. Un caso similar es el del director Ohama, cuya actitud hacia los protagonistas realmente no tiene mucho sentido, digo… ¿Es el director de una disquera y quiere que su propia disquera fracase solo por su competencia interna con Masa? cuando realmente lo más lógico es pensar que si Masa triunfa, triunfan todos ¿O no?, también tenemos actuaciones deplorables entre los extras y personajes sin importancia como la secretaria de Ohama que solo tiene una línea repetida 100 veces a lo largo de los 7 episodios, o las chicas “extras” del grupo AXELS que solo repiten lo que dicen las otras dos y, estoy casi seguro que ni siquiera tienen nombre.

Otro detalle que realmente no es culpa de la serie en sí, sino más bien de la situación actual del Covid-19, es que los últimos 2 episodios se sienten muy apresurados. En estos se le dejó de dar importancia a temas como la actuación de la protagonista (literalmente hay una escena en la que no puede cantar por estar llorando, sin embargo en ningún momento vemos ese llanto), la relación entre Masa y Ayu se acelera demasiado aunque irónicamente se alarga más de lo que duró realmente (en la vida real su relación es de 2 años, 1998 y 1999; en el dorama la relación se estira hasta mediados del 2000), se obvian también muchas cosas como el éxito de sus singles, y la cronología que iban manejando tan bien comienza a diferir con las fechas reales (cosas como la presentación de appears en el 2000 cuando en verdad fue en 1999; o que ganara el Japan Record Award de 1999 cuando lo ganó en el 2001). Detalles más, detalles menos. En fin. 

Veredicto. Creo que “M” no es algo que yo recomendaría a cualquier persona que no esté familiarizada con la cantante Ayumi Hamasaki, con el escenario musical japonés o con la cultura nipona, de plano. Así que, aunque en lo personal me gustó más de lo que esperaba, en este caso es una anti-recomendación. 

Calificación PLAY: 6.7/10

Toy story 3

Título original: Toy story 3 | Título en Latinoamérica: Toy story 3 | Dirección: Lee Unkrich | Producción: Darla K. Anderson | Guion: Michael Arndt, John Lasseter, Andrew Stanton, Lee Unkrich | Música: Randy Newman | Estudio: Walt Disney Pictures, Pixar Animation Studios | Estreno: 12/jun/2010 | Género: Animación, comedia, aventura | Protagonistas: Tom Hanks, Tim Allen, Joan Cusack, Don Rickles, Wallace Shawn, John Ratzenberger, Estelle Harris, Blake Clark, Jeff Pidgeon, Ned Beatty, Michael Keaton, Jodi Benson, John Morris

Han pasado 10 años desde que Toy story 2 saliera en cines y en esta nueva cinta nos encontramos con un Andy a punto de entrar a la universidad y que se enfrenta al dilema de si debe conservar sus viejos juguetes, si debe venderlos, donarlos o tirarlos. Y es por un error de su mamá que los juguetes, creyendo que han sido tirados a la basura, terminan llegando a Sunny side, una guardería en donde gobierna Lotzo, un tierno osito de peluche con aroma de frutas. 

La película inicia con una secuencia plagada de nostalgia en la que vemos a Andy crecer, musicalizada con el clásico “Yo soy tu amigo fiel” para no variar, y justo después se nos viene, como un cubetazo de agua fría al enterarnos que la númerosa tropa de juguetes se ha visto reducida a solo unos cuantos: Woody, Jessie, Tiro al blanco, Buzz, Slinky, Ham, los señores Cara de Papa y los tres marcianitos, siendo Bo Beep la pérdida más notoria (y que se arruinó con la cuarta e innecesaria entrega de la franquicia).

Toy story 3 juega demasiado con la nostalgia, no es una película que esté dirigida del todo a los niños, tiene sus buenas secuencias que solo nosotros entenderemos como lo es el crecer, madurar y despedirte de aquellos compañeros de juegos de la infancia y es imposible que uno no llore aunque sea un poco con las escenas finales (si ya la vieron, ya sabrán a qué me refiero). 

La animación es bellísima, ver a Andy y su familia y compararlos a como los vimos en Toy story 1 es impresionante y la inclusión de los nuevos personajes como Barbie, Ken, Lotzo e incluso el cameo de Totoro se da maner orgánica y natural, ningún nuevo juguete es introducido de manera brusca o a la fuerza, de hecho, ni siquiera los personajes humanos como Bonnie o su mamá se sienten forzados y Bonnie se perfilaba como la sucesora de Andy (cosa que veríamos en los cortometrajes animados que siguieron a esta película, antes de que su personaje se convirtiera en todo lo contrario en la cuarta entrega).

Toy story 3 tiene muchas cosas buenas, pero creo que, sin duda, lo mejor es el final, la escena entre ambos protagonistas humanos es hermosa y nos hace continuar con las lagrimillas provocadas por la escena anterior. 

Pero no todo es perfecto, en esta ocasión y de nueva cuenta se utiliza el recurso del “Buzz guardían espacial” que vimos tanto en Toy story como en Toy story 2, y a esto se suma el personaje de “mi amigo el villano”, que viéramos también en algunas películas más, siendo Up: una película de altura la más reciente; también se repite la historia del juguete abandonado como viéramos con Jessie en la entrega anterior. 

¿Recomendación o anti recomendación? Súper recomendada. Si Toy story se hubiera quedado siendo una trilogía, esta película sería, sin duda alguna, el final perfecto. 

Calificación PLAY: 9.3/10

Robin Hood

Título original: Robin Hood | Título en Latinoamérica: Robin Hood | Dirección: Wolfgang Reitherman | Producción: Wolfgang Reitherman | Guion: Larry Clemmons, Ken Anderson, Vance Gerry, Frank Thomas, Eric Cleworth, Julius Svendsen, David Michener | Música: George Bruns | Estudio: Walt Disney Productions | Estreno: 08/nov/1973 | Género: Animación, musical, aventuras | Protagonistas: Peter Ustinov, Phil Harris, Brian Bedford, Terry-Thomas, Roger Miller, Pat Buttram, George Lindsey, Andy Devine

Basada en la clásica leyenda de Robin Hood, el famoso bandido que roba a los ricos para darle a los pobres, el vigésimo primer clásico animado de Disney sigue las aventuras de un zorro antropomórfico en el papel del bandido, acompañado de todo un grupo de animales habitantes de Nottingham, quienes deben soportar los abusos del Príncipe Juan y sus compinches: el sheriff y Sir Hiss. 

Algo que es imposible no notar al ver esta película es el abuso de las escenas “recicladas” o “calcadas” de otros clásicos, sin irnos más lejos el pequeño Juan es una copia de Baloo, las escena del baile de “Quiero ser como tú” (El libro de la selva) es reutilizada aquí para la secuencia de “El rey inglés pelele” junto con los bailes de Blancanieves con los siete enanos en “La canción tonta” (Blancanieves) y el baile de Duquesa y Thomas O’malley en “Todos quieren ser ya gatos jazz” (Los aristogatos). El diseño de Sir Hiss también nos recuerda a Kaa, los elefantes tienen una escena calcada también del Coronel Hathi, los músicos que tocan “El rey inglés pelele” también son calcados de los gatos jazz, y casi podría apostar que los cocodrilos son muy similares a los que aparecen en “La danza de las horas” (Fantasía). ¿Se les puede recriminar? Lo cierto es que no. Recordemos que para la época el estudio de animación estaba teniendo bastantes problemas para salir adelante y pasarían varios años pendiendo de un hilo por el temor a que los cerraran en favor de las películas live action, así que se entiende que hicieran lo posible por abaratar costos.

Otro de los puntos que juegan en contra de este clásico es la falta de buenos temas musicales, salvo el intro silbado por el gallo Alan-a-Dale, ninguna canción resalta por ser precisamente buena y comenzamos a ver la tendencia a irse por temas un poco más oscuros (estamos a nada de entrar en la edad oscura) como el robo desalmado por parte del sheriff (como olvidar esa escena del cumpleaños del conejito o la escena de los ratoncitos y el fraile), los intentos por matar a Robin Hood y el romance prohibido entre Robin y Lady Marian (quien estaba por ser obligada a casarse con el príncipe Juan). 

La animación sigue los mismos pasos que sus predecesoras con muchos escenarios estáticos y personajes en los que se notan los trazos “sin terminar”. Creo que lo único a resaltar aquí es el diseño de los personajes (obviando al pequeño Juan y a Sir Hiss), Robin Hood, Marian, el fraile, la familia de conejos, el sheriff y los buitres carceleros, todos son diseños de animales antropomorfos bastante interesantes y con una selección más que curiosa (El zorro que roba, el león cobarde, el lobo obeso, los conejos prolíficos) que no volveríamos a ver hasta el estreno de Zootopia más de 40 años después.

Como uno de los puntos buenos y que me gustaría resaltar es el hecho de que Disney se arriesgara a hacer películas cada vez menos infantiles, tendencia que veríamos desarrollarse desde finales de los años 70, por toda la década de los 80 y principios de los 90, eso es algo que Disney jamás ha vuelto ni volverá a hacer.

Ahora bien, ¿La recomendaría? En lo personal, Robin Hood es una de esas películas que con más cariño recuerdo de mi niñez (completando la tercia de Los tres caballeros y Fantasía), siento que tanto Disney como los años han sido algo injustos con ella, no es la mejor película de Disney, pero creo que es algo a lo que todos deberían de darle una oportunidad. Así que sí, sí la recomendaría. 

Calificación PLAY: 7.3/10

Especiales PLAY: Pixar Animation Studios

¡Hola hola!

Muy buenos días, tardes o noches.

Después de un tiempo pensándolo he decidido cambiar el nombre de "Retos PLAY" por "Especiales PLAY", así que en estos días he estado y estaré cambiando las etiquetas y los contenidos de dichas entradas.

Como quizás recuerden o se hayan dado cuenta, actualmente estamos reseñando películas del Marvel Cinematic Universe, de los Clásicos Animados de Disney y de Studio Ghibli, y ahora toca el turno de un estudio propiedad de Disney: Pixar Animation Studios.

En esta ocasión, al cambiar la dinámica no habrá reglas ni nada por el estilo, simplemente una lista de las películas a reseñar y algunas entradas extras que completaran este especial.

Así pues, empecemos.

Entradas principales:

• Toy story (1995)
• A bug’s life (1998)
• Toy story 2 (1999)
• Monstes, Inc. (2001)
• Finding Nemo (2003)
• The Incredibles (2004)
• Cars (2006)
• Los cortos de Pixar vol. 1 (2006)
• Ratatouille (2007)
• WALL-E (2008)
• Up (2009)
• Toy story 3 (2010)
• Cars 2 (2011)
• Brave (2012)
• Los cortos de Pixar vol. 2 (2012)
• Monsters University (2013)
• Cars Toons
• Inside-out (2015)
• The Good dinosaur (2015)
• Finding Dory (2016)
• Cars 3 (2017)
• Coco (2017)
• Los cortos de Pixar vol. 3 (2017)
• Incredibles 2 (2018)
• Toy story 4 (2019)
• Onward (2020)
• Soul (2020)

Otras entradas:

• Reseña: La historia de Pixar (Documental)
• La historia de Pixar (parte 1)
• La historia de Pixar (parte 2)

Y ya sería todo por hoy, ¡estén al pendiente para ir completando estos especiales!

¡Saludos!

Umi ga Kikoeru

Título original: Umi ga Kikoeru (海がきこえる) | Título en Latinoamérica: Puedo escuchar el mar | Dirección: Tomomi Mochizuki | Producción: Nozomu Takahashi, Toshio Suzuki, Seiji Okuda | Guion: Kaori Nakamura | Música: Shigeru Nagata | Estudio: Studio Ghibli | Estreno: 05/may/1993 | Género: Animación, comedia, romance | Protagonistas: Nobuo Tobita, Toshihiko Seki, Yōko Sakamoto, Kae Araki, Yuri Amano

Basada en la novela homónima de Saeko Himuro, “Puedo escuchar el mar” es la primera y única película de studio Ghibli que fue hecha expresamente para la televisión, es también su única película en la que no participaron los dos grandes genios del studio: Miyazaki y Takahata, y siendo honesto eso se nota.

Además de eso, “Ocean waves” (título en inglés) es la película más desconocida del estudio (Seguida por “El regreso del gato”) y lo cierto es que pasé bastante tiempo buscándola hasta que me animé a comprar el bluray en Amazon (solo para que Netflix la agregara al mes siguiente a su catálogo).

En el filme seguimos la vida de Rikako, una chica de ciudad que es transferida a una escuela de la prefectura costera de Kōchi luego de que sus padres se divorciaran. Nuestra protagonista es una chica muy bonita, excelente deportista y buena estudiante, lo que provoca que sea rechazada por sus compañeras. Al mismo tiempo conocemos a Taku y Yutaka, dos amigos que comienzan a fijarse en la chica.

La historia es un típico drama adolescente pero desde un punto de vista más maduro de lo que quizás estamos acostumbrados, se tocan temas como el bullying y el divorcio y cómo este afecta a los hijos del matrimonio, tiene toques de romance pero no es algo que impere en la cinta. La animación es curiosa, es algo básica (aunque sí cuenta con escenarios preciosos típicos del estudio) y se siente como un anime más ochentero que, por ejemplo, “Mi vecino Totoro”, además de que tiene algunos fragmentos en los que se recorta el ratio de la imagen (desconozco la razón por la que decidieran hacer eso).

Uno de los contras que me gustaría mencionar es que no cuenta con la magia y la nostalgia que podemos encontrar en, por ejemplo, “Recuerdos del ayer” de Isao Takahata, que también es del mismo género, y eso es algo que no sé bien cómo explicar, quizás fuera por la inexperiencia del equipo creativo y la complejidad de los temas que quisieron tocar.

Otro punto en contra es que es muy difícil simpatizar con Rikako, es una chica que está pasando por momentos difíciles de su vida pero eso no justifica ninguna de las acciones que hace durante el filme (como “robar”, mentir o portarse de forma pesada con sus compañeros de clase), caso contrario a Taku que es un personaje más carismático y cuyas acciones son del tipo que más de alguno de nosotros haría (aunque por ahí hay una que otra acción bastante cuestionable). En cuanto a Yutaka, es un personaje que no se desarrolla del todo y que, en la mayor parte de la película, su presencia solo sirve para formar parte de un triángulo amoroso que no termina de ser del todo claro.

¿Veredicto? Recomendada solo si les gustan las películas de vida cotidiana, creo que podrían encontrar esta película bastante interesante, si por el contrario no disfrutan de este género, siento que podrían encontrarla bastante aburrida y olvidable.

 ¿Ustedes ya habían visto esta joya olvidada de Studios Ghibli?

Calificación PLAY: 7.0/10