Cars

Título original: Cars | Título en Latinoamérica: Cars | Dirección: John Lasseter, Joe Ranft | Producción: Darla K. Anderson | Guion: Dan Fogelman, John Lasseter, Joe Ranft, Kiel Murray, Phil Lorin, Jorgen Klubien | Música: Randy Newman | Estudio: Walt Disney Pictures, Pixar Animation Studios | Estreno: 09/jun/2006 | Género: Animación, aventura | Protagonistas: Owen Wilson, Paul Newman, Bonnie Hunt, Larry the Cable Guy

Confieso que, después de Buscando a Nemo, esta es una de esas películas de Pixar que menos ganas me daban de ver y creo que eso viene de ver como Disney/Pixar ha prostituido esta película al grado de convertirla en una gran franquicia al tener 2 secuelas, 2 spin-offs y una serie de cortometrajes (cars toons), esta película también marca el inicio del fin de la carrera de director de John Lasseter (Toy story, Bichos, Toy story 2) quien, después de Cars y Cars 2 se limitaría más que nada a producir y escribir guiones.

La historia creo que ya todos la conocemos. Tenemos al famoso Rayo McQueen, un presumido y pedante auto de carrera que recibe un golpe de humildad de la mano de los habitantes del pequeño pueblo Radiator Springs, en donde McQueen termina preso por creerse por encima de la ley.

¿Cómo puedo empezar a hablar de esta película? El duo protagonista (Rayo McQueen y Mater) son personajes muy pesados e insoportables a sus propios modos; por un lado, McQueen es presumido, pedante, prepotente, egocéntrico y siente que nadie lo merece, cosa que mejora muchísimo después de la primera mitad de la película, pero aún así no logró hacer que, como adulto, conectara con él. Es algo similar a lo que pasa con Capitán Marvel (2019), estos personajes manejan un nivel tan alto de pedantería que es fácil odiarlos, caso contrario a Thor o Iron man, cuya actitud está hecha para ser graciosa (y pesada a su manera); por el otro lado tenemos a Mater, quien es el alivio cómico, una caricatura del estereotipo de personaje que jamás ha salido de su rancho y cuya única función es contar chistes, hacer cosas tontas y decir comentarios fuera de lugar, pero curiosamente funciona y contrasta mucho con McQueen, y aquí es donde entra lo bueno de esta película.

El desarrollo de los personajes fue algo que me gustó mucho, ver como McQueen se desenvuelve en un ambiente totalmente opuesto al que está acostumbrado, cómo interacciona con personajes tan interesantes como Sally o Doc Hudson, con un personaje tan tonto como Mater o con personajes secundarios como Luigi, Lizzie y los demás habitantes de Radiators Spring. Es lo que el protagonista aprende en un entorno “hostil” lo que le da valor a esta película, porque ni la música aquí se salva, Randy Newman regresa a Pixar con un soundtrack bastante sencillo en el que no hay un solo momento (musicalmente hablando) que te haga decir “¡wow!”.

¿Recomendada o no? La verdad Cars no es de mis favoritas de Pixar, aunque no me parece mala del todo, tampoco me parece que esté dentro del estándar de calidad al que nos tienen acostumbrados, aunque supongo que sí la recomendaría, más que nada por su enseñanza sobre la actitud que tomamos hacia las demás personas y cómo necesitamos de los demás para poder salir adelante.

Y ustedes ¿Qué opinan de esta película? ¡Los leemos en los comentarios! ¡Saludos!

Calificación PLAY: 7.0/10

El hoyo

Título original: El hoyo | Título en Latinoamérica: El hoyo | Dirección: Galder Gaztelu-Urrutia | Producción: Carlos Juárez, Raquel Perea | Guion: David Desola, Pedro Rivero | Música: Aránzazu Calleja | Estudio: Basque Films, Mr Miyagi Films, Netflix | Estreno: 08/nov/2019 | Género: Ciencia ficción, thriller | Protagonistas: Iván Massagué, Antonia San Juan, Zorion Eguileor, Emilio Buale, Alexandra Masangkay

“El hoyo” es la película viral o de moda de esta cuarentena y trata sobre una prisión subterránea en la que todos los días baja una plataforma con comida para todos los prisioneros, el detalle es que los prisioneros de los primeros niveles se atiborran de comida y, no conformes con eso, muchos intentan dejar inservible lo más que puedan solo por el gusto de joder a los de abajo.

Nuestro protagonista es Goreng, un hombre que entró a la prisión simplemente para dejar de fumar y el primer hombre al que conoce es Trimagasi, quien será el encargado de explicarle a Goreng y a nosotros los espectadores cómo es que funciona tan peculiar prisión, empezando por el hecho de que solo hay dos personas por celda y que cada mes son cambiados de celda de manera aleatoria, unas veces estarán abajo y otras veces estarán arriba.

Ahora, esta película se estrenó en cines el año pasado y no fue hasta que llegó a Netflix que la gente empezó a notarla. Y esto tiene una razón. La llegada de este filme a la plataforma de streaming coincide en un momento en el que todos estamos encerrados en nuestras casas por culpa del COVID-19, pero no todos pasamos la cuarentena igual y eso es lo que hace que la gente se sienta atraída/identificada con Goreng y compañía.

Y es aquí en donde entran todos los temas que se tratan, siendo el más importante el que las personas somos seres egoístas y malvados. Y eso aplica tanto para los que están arriba como para los de abajo, pues si algo notamos en la película es que cuando los que están abajo son cambiados a los niveles superiores, se convierten en lo que tanto odiaban y criticaban el mes anterior. Así pues, tenemos una constante crítica social a los niveles socio-económicos que vemos a diario en nuestras vidas, en donde las personas con escasos recursos se tienen que conformar con las sobras que les dejan los de arriba.

Como punto malo, “El hoyo” abusa de simbolismos que van desde los niveles hasta los nombres de los personajes, la comida, los castigos cuando se quedan con comida para ellos e incluso los objetos que llevan nuestros personajes consigo, y al final, por enfocarse más en la violencia gráfica muchos de estos simbolismos se quedan flotando en el aire, dejando que sea el espectador el que le dé significado a muchas cosas (de ahí que haya tantos videos de que expliquen todo esto).

Según vi, esta es la primera película Galder Gaztelu, y creo que es un director del que hay que estar al pendiente porque, como ópera prima “El hoyo” funciona muy bien y no dudo que siga sorprendiéndonos con sus futuros proyectos.

Y se viene la pregunta del millón ¿La recomendaría? Sí, si les gustan las películas crudas y con una fuerte y constante crítica social, “El hoyo” es algo que podría gustarles. No siento que sea la gran película que muchos dicen en Facebook, pero no por eso deja de valer la pena.

Calificación PLAY: 8.0/10

Melody Time

Título original: Melody Time | Título en Latinoamérica: Ritmo y melodía | Dirección: Jack Kinney, Clyde Geronimi, Hamilton Luske, Wilfred Jackson | Producción: Walt Disney | Guion: Winston Hibler, Harry Reeves, Ken Anderson, Erdman Penner, Homer Brightman, Ted Sears, Joe Rinaldi, William Cottrell, Jesse Marsh, Art Scott, Bob Moore, John Walbridge | Música: George David Weiss, Allie Wrubel, Walter Kent, Bobby Worth, Ernesto Nazareth, Eliot Daniel, Oscar Rasbach, Bennie Benjamin, Kim Gannon, Ray Gilbert, Johnny Lange, Ken Darby, Paul Smith | Estudio: Walt Disney Productions | Estreno: 27/may/1948 | Género: Animación, musical, cortometrajes | Protagonistas: Buddy Clark, Roy Rogers, Trigger, Dennis Day, The Andrews Sisters, Fred Waring and the Pennsylvanians, Freddy Martin, Ethel Smith, Frances Langford, Buddy Clark, Bob Nolan, Sons of the Pioneers, The Dinning Sisters, Bobby Driscoll, Luana Patten

“Ritmo y Melodía” es el penúltimo clásico de la edad empaquetada Disney y siguiendo el estilo de Make mine music nos presenta una serie de 7 segmentos independientes musicalizados con música popular de la época.

La película empieza con “Juventud enamorada / Once upon a wintertime”, un corto que nos muestra la relación de una pareja de enamorados que disfrutan de un día en la nieve con todo y una pelea que desemboca en un momento de drama. Es un segmento muy bonito con una animación con el estilo tan característico de la gran Mary Blair (Alice in Wonderland, Peter Pan, Cenicienta) y una canción muy bonita y pegajosa (aún no me saco de la cabeza el “¿No te encanta a ti diciembre?”). Seguimos con “El abejorro / Bumble Boogie” que nos recuerda mucho a uno de los segmentos más aburridos de Make mine music y que solo nos muestra la frenética huida de un abejorro con la música de “El vuelo del abejorro” de Rimski-Kórsakov, un bajón tremendo en comparación del corto inicial, a mi parecer.

Seguimos con otra de las joyitas de este clásico: “La leyenda de Juanito Manzanas / The legend of Johnny Appleseed”, aquí Walt Disney nos saca su lado patriota al presentarnos la historia de una las grandes leyendas estadounidenses, un joven que se dedica a sembrar manzanas y que decide convertirse en un pionero por su cuenta, sembrando manzanas a su paso. Admito que tenía vagos recuerdos de este segmento y verlo fue una muy grata sorpresa. “Aventura en altamar / Little Toot” tampoco tiene desperdicio, aquí vemos a un pequeño barco remolcador que ocasiona diversos problemas a los demás barcos por lo que es castigado y termina demostrando su valía, una historia muy típica de Disney con una animación que nos recuerda a “La ballena que quería cantar en la ópera” (Make mine music) o a “Pedrito” (Saludos amigos).

“Árboles / Trees” es un poema de 1913, el corto solo nos muestra imágenes de naturaleza, realmente no hay mucho que decir. “Échale la culpa a la samba / Blame it on the samba” es un segmento que se siente algo fuera de lugar aquí y que bien podría haber sido algún tipo de escena eliminada de “Saludos amigos” o de “Los tres caballeros”, aquí vemos como el pato Donald y Pepe Carioca se encuentran desanimados hasta que el pájaro aracuán, con un poco de samba y un trago, logra animarlos. Este segmento, así como el siguiente, contiene escenas de live action.

Y finalmente “Roy Rogers y la historia de Pecos Bill” nos presenta a Roy Rogers y los hijos de los pioneros, quienes nos cuentan la historia de porqué los coyotes aúllan a la luna, cosa que implica a Pecos Bill y su novia Sue. Este segmento tiene algunas cosillas divertidas, pero en general es un poco insufrible. Sigue el patrón de otros cortos como “Casey at the bat” o el eliminado “Los Guerrero y los de León / The Martins and the Coys”, en donde impera una atmosfera más cómica similar a los cortos animados de los Looney tunes y sus “Melodías animadas de ayer y hoy” pero no con la misma gracia que éstos.

La verdad entiendo por qué estos filmes empaquetados suelen ser ignorados cuando se habla del canon de los clásicos animados de Disney, y en el particular caso de “Melody time”, aunque tiene sus buenos momentos, no consigue ser memorables como un todo y tiene bastantes segmentos que entorpecen la experiencia.

¿Recomendaría “Melody time”? Creo que no. En esta ocasión solo salvaría dos segmentos: “Juventud enamorada” y “La leyenda de Juanito Manzanas”, de ahí en más no siento que se vayan a perder de mucho si no los ven.

¿Ustedes ya han visto este clásico? ¿Qué les pareció? ¡Saludos!

Calificación PLAY: 6.5/10

Especiales PLAY: Studio Ghibli

¡Hola hola!

¿Cómo los está tratando la cuarentena? ¿Va todo bien en sus hogares? ¿Cómo está la situación en sus respectivos países y ciudades?

En esta ocasión les vengo a proponer un nuevo Reto PLAY pero ahora con películas de Studio Ghibli (sí... más películas animadas lol).

Reglas:

Básicamente las reglas son las mismas que para el Reto de Disney, pero de igual manera de las pongo a continuación.

1. Ver por orden las películas listadas. Puede ser por director (como están acomodadas abajo) o por orden cronológico (al lado de cada película les puse los años).

2. Al finalizar cada una de las partes, postear una entrada especial del reto con una breve reseña de cada uno de los títulos vistos (O pueden hacer lo que nosotros y crear una entrada especial para cada película).

Los mundos mágicos de Hayao Miyazaki

- El castillo de Cagliostro (1979)

- Nausicäa, guerreros del viento (1984)

- El castillo en el cielo (1986)

- Mi vecino Totoro (1988)

- Kiki, entregas a domicilio (1989)

- Porco Rosso (1992)

- La princesa Mononoke (1997)

- El viaje de Chihiro (2001)

- El increíble castillo vagabundo (2004)

- Ponyo y el secreto de la sirenita (2008)

- El viento se levanta (2013)

El realismo crudo de Isao Takahata

- Las aventuras de Panda y sus amigos (1972 - 1973)

- La tumba de las luciernagas (1988)

- Recuerdos del ayer (1991)

- Pompoko, la guerra de los mapaches (1994)

- Mis vecinos los Yamada (1999)

- El cuento de la princesa Kaguya (2013)

Otras miradas del estudio

- Puedo escuchar el mar (Tomomi Mochizuki, 1993)

- Susurros del corazón (Yoshifumi Kondo, 1995)

- El regreso del gato (Hiroyuki Morita, 2002)

- Cuentos de Terramar (Goro Miyazaki, 2006)

- El mundo secreto de Arrietty (Hiromasa Yonebayashi, 2010)

- La colina de las amapolas (Goro Miyazaki, 2011)

- El recuerdo de Marnie (Hiromasa Yonebayashi, 2014)

Como podrán darse cuenta, no son tantas películas como el Reto de los Clásicos Animados de Disney, así que espero que se animen y puedan acompañarnos en este viaje.


¡Saludos!

Tonari no Totoro

Título original: Tonari no Totoro (となりのトトロ) | Título en Latinoamérica: Mi vecino Totoro | Dirección: Hayao Miyazaki | Producción: Isao Takahata, Toshio Suzuki, Toru Hara | Guion: Hayao Miyazaki | Música: Joe Hisaishi | Estudio: Studio Ghibli | Estreno: 16/abr/1988 | Género: Animación, fantasía | Protagonistas: Noriko Hidaka, Hitoshi Takagi, Chika Sakamoto, Sumi Shimamoto, Naoki Tatsuta, Tanie Kitabayashi, Shigesato Itoi, Shigeru Chiba, Ikue Ōtani

  

“Mi vecino Totoro” es, sin duda alguna, el clásico más amado de toda la filmografía de Studio Ghibli al grado de que el simpático Totoro fue, hasta el último momento, el logo del estudio. Dirigida por Hayao Miyazaki (Nausicäa del valle del viento, Elcastillo en el cielo), Totoro nos narra la historia de una familia conformada por el profesor Tatsuo Kusakabe, sus dos hijas: Satsuki y Mei, y su esposa, Yasuko, quien vive hospitalizada, razón por la cual se mudan a una zona rural. Mientras van explorando su nueva casa, las niñas “casi” descubren a los Susuwataris, pequeñas criaturas similares al hollín que habitaban en su casa, y de igual manera, Mei, la hermana pequeña, descubre a unos extraños seres que la terminan guiando hacia el gran Totoro (bautizado así por la niña porque se parece al troll de su libro). La base de la película, un suceso mágico que ocurre en la vida cotidiana de nuestros protagonistas, es algo que veremos en el futuro en diversos trabajos de Miyazaki como sería El mundo secreto de Arriety, El viaje de Chihiro, Ponyo en el acantilado, entre algunas otras.

La historia es bastante sencilla y eso no le quita ningún mérito, al contrario, es muy bonita. Desde que empieza se siente una especie de magia muy especial que no se siente en muchas de las películas animadas de Disney (por ejemplo), de hecho, de todos los clásicos animados Disney que he visto gracias al reto PLAY, solo he sentido esa magia con Blancanieves, Bambi, Cenicienta, Peter Pan y La bella durmiente. Y creo que, en el caso de Totoro, se debe más que nada, a la propia vida de su creador. La madre de Miyazaki pasó nueve años internada en un hospital, al igual que la madre de Mei y Satsuki, cosa que lo hizo madurar de manera abrupta (como Satsuki) pero sin que eso le impidiera seguir siendo un niño que se divertía imaginando cosas fantásticas (como Mei).

Al igual que la historia, la animación es muy sencilla con muchas escenas de naturaleza, bosques y plantíos, algo muy japonés. El diseño de Totoro es muy similar al de Papá Panda (Pandakopanda) con todo y su espeluznante sonrisa, y no podemos olvidarnos del simpático gatobús que nos recuerda mucho al gato de Cheshire de Alicia en el País de las Maravillas (una de las inspiraciones de la película). La música de Joe Hisaishi también sigue el mismo camino y nos regala unas cuantas joyitas vocalizadas por Azumi Inoue, principalmente el opening y el ending, que se quedaran en sus mentes por varios días.

Finalmente, entre algunos detalles que me gustaron ver en la película es que el personaje de Kanta, el niño vecino, viste de manera muy similar a Seita (La tumba de las luciérnagas) y tiene una particular afición por los aviones, gusto que comparte con su creador: Hayao Miyazaki, y que no podía faltar en una de sus películas, aunque fuera por un brevísimo instante.

¿La recomendaría? Sí, sí y sí. Es una película muy bonita y se nota el cariño con el que la hicieron, en lo personal no es mi favorita del estudio, pero es no quiere decir que no la disfrute. Si no la han visto se las recomiendo y si ya lo hicieron los invito a que nos cuenten qué les pareció.

¿Y ustedes ya la han visto? !Cuéntennos qué les parecio!

Calificación PLAY: 8.3/10

The Avengers

Título original: The Avengers | Título en Latinoamérica: The Avengers: Los Vengadores | Dirección: Joss Whedon | Producción: Kevin Feige | Guion: Joss Whedon | Música: Alan Silvestri | Estudio: Marvel Studios, Walt Disney Studios Motion Pictures | Estreno: 04/may/2012 | Género: Acción | Protagonistas: Robert Downey Jr., Chris Evans, Mark Ruffalo, Chris Hemsworth, Scarlett Johansson, Jeremy Renner, Tom Hiddleston, Clark Gregg, Cobie Smulders, Stellan Skarsgård, Samuel L. Jackson

Alerta de Spoilers: Esta reseña podría incluir puntos importantes de las siguientes películas: Iron man, Ironman 2, Thor, Capitán América.

Fun and fancy free

Título original: Fun and fancy free | Título en Latinoamérica: Diversión y fantasía | Dirección: Jack Kinney, Bill Roberts, Hamilton Luske, William Morgan | Producción: Walt Disney | Guion: Homer Brightman, Eldon Dedini, Lance Nolley, Tom Oreb, Harry Reeves, Ted Sears | Música: Oliver Wallace, Paul Smith, Eliot Daniel, Charles Wolcott | Estudio: Walt Disney Productions | Estreno: 27/sep/1947 | Género: Animación, musical, fantasía, cortometrajes | Protagonistas: Cliff Edwards, Edgar Bergen, Luana Patten, Walt Disney, Clarence Nash, Pinto Colvig, Billy Gilbert, Anita Gordon, Dinah Shore, Edgar Bergen

Siguiendo con la tradición impuesta desde Los tres caballeros, de hacer películas empaquetadas para poder ahorrar dinero (pues, recordemos, que estaban en época de guerra) llega Diversión y fantasía, presentando únicamente dos cortometrajes conectados entre sí por nada más y nada menos que Pepe Grillo, quien llega a una casa en la que encuentra a una muñeca y un oso de peluche, así como un vinilo con la musicalización de la historia de Bongo. Tras finalizada la primer historia, Pepe Grillo se dirige a la casa de en frente, en donde se está celebrando un cumpleaños algo extraño, siendo los únicos invitados un hombre adulto, una niña y dos marionetas de ventrílocuos (Charlie y Mortimer), y es en esta escena en donde se cuenta la segunda historia: Mickey y las habichuelas mágicas.

Ahora hablemos de los cortos: Bongo narra la historia de un oso de circo que anhela vivir en libertad pues, a pesar de su fama, no deja de ser un prisionero. Un día se escapa del tren y tras sobrevivir su primera noche en la naturaleza conoce a Lulubelle, una osita de la que se enamora perdidamente, pero debido a su desconocimiento de las costumbres de los osos, se crea un malentendido y Bongo debe pelear por su amada.

¿Qué puedo decir de este corto? Volver a verlo me trae recuerdos de mi infancia, muchas cosas que, curiosamente, ya no recordaba como el divertido momento musical de “Cuando el oso se enamora” que, a mi parecer, es de lo mejorcito de este duo de cortometrajes.

Algo que me llamó la atención fue una frase de Pepe Grillo, antes de la historia de Bongo, en el doblaje latino, que dice “Como soy fuerte se me olvida que hay un sexo débil.” Me sorprende que, a estas alturas, Disney no hiciera ya un redoblaje para quitar esa frase en una época en la que la intolerancia no soporta este tipo de situaciones/comentarios. Quizás lo hagan para la nueva re-edición de la película o para el lanzamiento de Disney+.

En cuanto a Mickey y las habichuelas mágicas, la historia ya la conocemos gracias al clásico cuento, en esta ocasión nuestros protagonistas son Mickey, Donald y Goofy, quienes pasan hambre debido a que el arpa mágica que proveía de vida al reino en el que viven fue robada, un buen día Mickey sale a vender su única vaca y regresa a casa solo con unas cuantas habichuelas, lo que provoca la ira de Donald, quien termina lanzando las habichuelas al suelo. Más pronto que tarde, una enorme planta crece y los tres amigos se ven arrastrados en el reino de los gigantes, en donde descubren que el gigante Willie tiene secuestrada a la preciada arpa.

A diferencia de Bongo, no recordaba la historia de Mickey y las habichuelas, así que en cuanto supe que la vería de nuevo me emocioné y creo que eso jugó en mi contra. Este segundo cortometraje nos es narrado por Edgar Bergen en una extraña fiesta de cumpleaños y lo más divertido son las intervenciones sarcásticas del muñeco Charlie, muy por el contrario, las intervenciones de Mortimer son algo pesadas. En general, el segmento de Mickey es un poco más aburrido que el de Bongo, lo cual es una pena con las ganas que le tenía. Me recuerda mucho al corto animado de El sastrecillo valiente (de Mickey). Y aunque tiene un par de momentos musicales (la canción del gigante y una adaptación libre de Funiculli funiculla), realmente ninguno brilla o resalta tanto como el de “Cuando el oso se enamora”, de hecho, la historia en general es bastante plana, no tiene ningún momento cumbre y la música pasa bastante desapercibida, aunque, si les interesa, como dato curioso, esta fue la última vez que Walt Disney prestó su voz para Mickey en el doblaje original, lo cual le da un punto extra por nostalgia.

Hablando en términos generales de la película como un todo, no se siente tan inconsistente como Make mine music y se agradece que los cortos estén unidos por una historia, aunque sea una bastante simple, pero aún así no termina de convencerme, ¿La recomendaría? Sí, no siento que sea tan mala como las películas empaquetadas anteriores y, al no ser tantos cortos musicales, más personas podrían disfrutarla.

Califiación PLAY: 7.0/10

Onward

Título original: Onward | Título en Latinoamérica: Unidos | Dirección: Dan Scanlon | Producción: Kori Rae | Guion: Dan Scanlon, Jason Headley, Keith Bunin | Música: Mychael Danna, Jeff Danna | Estudio: Walt Disney Pictures, Pixar Animation Studios | Estreno: 06/mar/2020 | Género: Aventura, animación | Protagonistas: Tom Holland, Chris Pratt, Julia Louis-Dreyfus, Octavia Spencer, Mel Rodriguez

Ian y Barley Lightfoot son dos hermanos que perdieron a su padre cuando el mayor de ellos (Barley) era muy chico y el menor aún no nacía (Ian), por lo que, cuando tienen la oportunidad de regresarlo a la vida por 24 horas, no dudan en lanzarse a la aventura para conseguir la gema fénix que les permitirán lograr tal hazaña.

Me resulta algo difícil hablar de este filme, principalmente porque aún no estoy seguro de si me gustó o no. Esta fue la última película que vi en el cine antes de que entraramos en cuarentena y cerraran todos los complejos no esenciales. Pero empecemos hablando del director. Dan Scanlon tiene una filmografía bastante cuestionable, de 1998 a 2005 trabajó como animador y/o guionista en varias de las secuelas basura de Disney (Pocahontas 2, La sirenita 2, El jorobado de Notre Dame 2, 101 dálmatas 2 y Tarzán 2), de ahí dio el salto a ser animador en Cars (2006) y después de eso se convirtió en director y guionista de “joyas” como “Mater y la luz fantasma” (un Carstoon), “Monsters University” y finalmente de “Onward”… Ahora, juntando toda esa experiencia no me queda claro cómo es que confían en este hombre para seguir dirigiendo y escribiendo películas, porque precisamente Onward/Unidos falla en la historia.

Siento que su principal problema es que usa fórmulas que Pixar ya sabe que funcionan, dando por resultado una trama sencilla plagada de chistes que nos recuerdan más a películas de Dreamworks que a Pixar y esto es algo de lo que hablaré en las reseñas correspondientes a la edad empaquetada de Disney, es cuando Disney (Pixar en este caso) copia los métodos de las “Melodías animadas de ayer y hoy” de Warner (Dreamworks) que comienza a notarse un deterioro en la calidad a la que tienen acostumbrado al público.

Y eso de Pixar/Dreamworks aplica también para la animación al presentarnos personajes sumamente caricaturizados, muy lejos de otros como los que hemos visto, por ejemplo, en Valiente (2012), la saga de Toy story (1995, 1999, 2010, 2019), Intensamente (2015) o Coco (2017), aunque lo entiendo si el propósito era que, al ser creaturas mitológicas, su apariencia tirara más a parecerse a los monstruos de Monsters, inc, que a algo más real.

Como último punto malo, la música de los hermanos Danna pasa totalmente desapercibida y salvo una escena puntual que involucra un baile entre los hermanos no hay un momento cumbre musicalmente hablando.

Ahora pasemos a lo bueno. Pasados los primeros 30 minutos, la historia se vuelve más interesante, divertida y emotiva; los protagonistas evolucionan de una manera bastante satisfactoria (nada difícil si tomamos en cuenta que ambos son insoportables durante el primer acto de la película) y al igual que hemos visto en otros trabajos del estudio, no pueden faltar los momentos emotivos, los cuales funcionan bastante bien, provocando una que otra lagrimilla y, sin embargo, se quedan muy por debajo de grandes escenas clásicas de Pixar.

La mezcla entre ese mundo mágico que se ha perdido y el mundo moderno que lo ha reemplazado funciona bastante bien, tanto en el aspecto visual como en la historia pues, aunque tiene sus momentos un tanto ilógicos dentro del mismo mundo creado, en la mayor parte no se siente forzado, aunque el tema de la tecnología y la desaparición del mundo como lo conocen los antepasados de los personajes es muy similar a lo que ya vimos en WALL-E (2007).

Finalmente, como un punto que me encanto, pero ya es algo sumamente personal, es la inclusión del juego de rol que juega Barley, confieso que tengo cierta debilidad por este tipo de juegos con miniaturas y tableros e historias complejas y esos detalles del manual con hechizos, el mapa de la mantícora, etc. Me hizo que disfrutara un poco más la experiencia de ver Unidos.

¿Recomendación o antirrecomendación? Ya hablaré de esto cuando publique las reseñas de las últimas películas de Pixar, pero siento que desde el 2015 con la salida de “The Good Dinosaur” y siendo “Coco” (2017) la única excepción, el estudio va en un notorio declive de secuelas y películas sin alma, aunque daré el beneficio de la duda hasta que se estrene “Soul” (junio, 2020) y ver si confirma o niega mi teoría. En fin, no creo que Onward sea una mala película, pero la verdad no está a la altura de muchas otras películas Pixar y aunque en general me gustó, lamentablemente no se pierden de nada importante si no la ven, así que en esta ocasión es la primera vez que una película de este estudio viene como no recomendada.

¿Ustedes ya la vieron? Cuéntennos en los comentarios qué les pareció y si la recomendarían o no.

¡Saludos!

Calificación PLAY: 7.3/10