Expediente Terror, el terror toma PLAYsource

¡Hola hola! ¿Cómo están?

En esta ocasión interrumpimos la perioricidad de las reseñas para traer un anuncio muy especial.

Hace ya un año cree el blog Expediente Terror para poder escribir sobre uno de los géneros que mas me gusta y aunque no lo actualizo tanto como PLAYsource, sí que intento hacerlo a intervalos regulares y es por eso que he decidido introducirlo aquí.

Como parte del proyecto Expediente Terror, se ha agregado la etiqueta/hashtag #ExpedienteTerror en todas las reseñas que traten de películas y libros de terror, fantasía y ciencia ficción.

Pero entonces, si aquí permanecerán las reseñas ¿Qué habrá allá?

Pues bien, mientras que aquí en PLAYsource podrán encontrar las reseñas relacionadas con el terror, en Expediente Terror podrán encontrar:

• Artículos sobre cine, literatura y temas clásicos y contemporáneos del género.
• Creepypastas traducidas al español.
• Leyendas urbanas y clásicas de distintos países y culturas.
• Y, en general, cualquier tema relacionado con la cultura del miedo. 

Así pues, desde PLAYsource los invitamos a que visiten este nuevo blog (solamente deben dar click en la imagen o buscar el banner a la derecha del blog) y, si nos siguen en facebook, ahí podrán encontrar enlaces a las entradas más interesantes tanto de PLAYsource como de Expediente Terror.

Ahora sí, ¡nos leemos en ambos blogs!

¡Saludos!

The great mouse detective

Título original: The great mouse detective | Título en Latinoamérica: Policías y ratones | Dirección: Ron Clements, Burny Mattinson, Dave Michener, John Musker | Producción: Burny Mattinson | Guion: Pete Young, Vance Gerry, Steve Hulett, John Musker, Ron Clements, Bruce Morris, Matthew O'Callaghan, Burny Mattinson, Dave Michener, Mel Shaw | Música: Henri Mancini | Estudio: Walt Disney Pictures | Estreno: 02/jul/1986 | Género: Animación, aventuras | Protagonistas: Vincent Price, Barrie Ingham, Val Bettin, Susanne Pollatschek, Candy Candido, Diana Chesney, Eve Brenner, Alan Young

Basada en los libros infantiles de Eve Titus “Basil of Baker Street”, esta película nos narra la historia de Basil, un ratón detective al más puro estilo de Sherlock Holmes que debe resolver el misterio del secuestro del juguetero Hiram Flaversham y de su hija Olivia, el cual está relacionado con su archienemigo, el profesor Ratigan.

Narrada desde el punto de vista del Dr. Dawson, un ratón bonachón recién llegado de Afganistán y que se ve “embarrado” en los problemas de la niña Olivia, la ratoncita que busca a Basil para que encuentre a su padre. 

Después de haber visto “El caldero mágico” esta película resultó una muy grata sorpresa, la historia es bastante entretenida, la animación da un salto espectacular en comparación con los filmes anteriores (especialmente la escena final en los engranajes del Big Ben, una clara alusión a la escena final de “El castillo de Cagliostro” de Hayao Miyazaki), a diferencia de la película anterior, aquí se logra tener un buen equilibrio entre personajes carismáticos y un trasfondo oscuro sin que deje perder su toque para niños, y eso que tiene una escena en particular que sí podría sacar un buen susto a algún distraído. 

Si acaso siento que flojea un poco en la música y aunque cuenta con un par de canciones, solo el tema de Ratigan “The world’s greatest criminal mind” logra resaltar y creo que yo sí lo posicionaría en el top ten de canciones de villanos (comentario aparte, sería interesante hacer un top así en cuanto termine el reto sobre los clásicos, aunque todavía falta para eso). 

El diseño de los personajes me recuerda mucho a los que ya vimos en Robin Hood, incluso el parecido entre Basil y Robin es bastante pero no es algo que moleste como el caso de Baloo y el pequeño Juan que uno era una mera calca del otro; Basil es un personaje con mucho carisma, creo que es debido a que está basado en Sherlock Holmes y me recuerda mucho a personajes como Sheldon de The big bang theory, Tony Stark de Iron man o a muchas de las adaptaciones del mismo Sherlock, incluso su evolución narrativa es similar a lo que veremos con varios personajes de Marvel, que comienzan sus cintas con un notorio egocentrismo hasta que reciben un golpe de humildad, en este caso gracias a Ratigan que tampoco se queda atrás. Basado en el personaje de Moriarti, Ratigan es una rata a la que le molesta que le recuerden su origen, al igual que todo villano tiene un objetivo fundamental que se ve interrumpido por nuestro héroe, es desalmado al grado de matar a quien le llame rata (aunque sea de su bando) y, tal y como hiciera Cruella en Los 101 dálmatas, Ratigan también se deja llevar por su lado más salvaje en las escenas finales. Fuera de ellos dos, los demás personajes son algo genéricos, en especial Dawson, una calca de lo que todos tenemos en mente como el Dr. Watson; tenemos también a Fidget, el murciélago minion de Ratigan que proporciona el desahogo cómico en ciertas escenas; obviamente están Olivia y su padre que funcionan solo como elemento motor de la historia y poco más. Y, por cierto, hay un cameo de un personaje de Alicia en el país de las Maravillas.

Algo que me llamó la atención es la cantidad impresionante de armas que aparecen aquí, recordemos el cortometraje de Pecos Bill fue mutilado para eliminar la única escena con una pistola y ni digamos lo que le hicieron al desaparecido corto de The Martins and the Coys. Por lo que es raro que esta película no haya sido editada para ocultar todo eso (Me da curiosidad si siquiera la incluyeron en el catálogo de Disney+, con eso de que han censurado tantas cosas por tonterías tan simples como un escote o una secadora). 

Otro dato curioso es que esta sería la primera película del estudio dirigida por la dupla de Ron Clements y John Musker, ambos fueron animadores en “En el zorro y el sabueso” y contribuyeron en “El caldero mágico”, sin embargo, aquí despegaría su carrera y serían mejor conocidos por sus 3 filmes siguientes: La sirenita, Aladdín y Hércules. 

¿Veredicto? Completamente recomendada, estoy consciente de que no es la mejor película de Disney (al igual que el caldero mágico) pero tiene un no-sé-qué que cautiva, es divertida, entretenida y ligeramente más oscura que lo típicamente Disney, así que si no la han visto denle una oportunidad y cuéntenos qué les pareció. 

¡Saludos! 

Calificación PLAY: 8.0/10

Ant-man

Título original: Ant-man | Título en Latinoamérica: Ant-man, el hombre hormiga | Dirección: Peyton Reed | Producción: Kevin Feige | Guion: Edgar Wright, Joe Cornish, Adam McKay, Paul Rudd | Música: Christophe Beck | Estudio: Marvel Studios | Estreno: 17/jul/2015 | Género: Acción, aventuras, comedia | Protagonistas: Paul Rudd, Evangeline Lilly, Corey Stoll, Bobby Cannavale, Michael Peña, Tip "T.I." Harris, Anthony Mackie, Wood Harris, Judy Greer, David Dastmalchian, Michael Douglas

Basada libremente en los cómics homónimos de Marvel, en “El hombre hormiga” conocemos a Scott Lang (Paul Rudd), un exconvicto que, a pesar de querer hacer las cosas bien, termina robando (de nuevo) la casa del viejo Hank Pym, quien en su juventud fuera un superhéroe junto con su esposa, superhéroe que pasó al olvido y terminó convirtiéndose en un mito, a petición del propio Hank. Y así, durante la película vemos el origen de Scott como héroe mientras se enfrenta a una versión malvada de sí mismo: Yellowjacket.

Creo que uno de los principales aciertos de esta película son los efectos especiales, las reducciones del hombre hormiga, el entorno y los insectos que le dan nombre se ven muy bien y no se siente que hayan envejecido mal como otras películas de las mismas fechas. La escena de la lucha final con Thomas (el tren protagonista de Thomas y sus amigos) es muy divertida, creo que se siente fresca en comparación de otras escenas, tanto de acción como de comedia.

Y hablando de comedia, como ya he ido mencionando en varias películas anteriores, de Iron man 2 a la fecha los chistes malos y forzados han ido ganando terreno por encima de la acción (que, se supone, debería ser el género primario) Desde Star Lord (Guardianes de la galaxia) hasta Scott Lang (el hombre hormiga) y pasando por Tony Stark (Iron man), Thor (Thor), todos los protagonistas (a excepción de Capitán América) se han ido convirtiendo en máquinas de chistes conforme avanzan sus respectivas sagas, sé que es tonto que a estas alturas me queje de eso cuando realmente las únicas películas serias han sido las 4 primeras de la Fase 1, pero no deja de ser un detalle negativo que la gran mayoría de los chistes hayan envejecido mal (me refiero a que dejan de ser graciosos con cada nuevo visionado). 

Como punto totalmente en contra, las escenas de acción (salvo la escena final que ya mencioné arriba) no me gusta como se ven, de por sí pensar en un superhéroe que se llama “hombre hormiga” da algo de risa, verlo pelear a golpes en su tamaño reducido es sencillamente ridículo, y sí, me refiero principalmente a la pelea con Falcon. 

Otra cosa que noté, es que es la 2da vez en la franquicia en la que se hace referencia a un Stark como culpable del desarrollo de un personaje en una película que no pertenece a Iron man; lo vimos en el personaje de Ultrón en “Avengers: Age of Ultron” con Tony Stark como el creador (dato curioso: En los cómics es realmente Hank Pym quien lo crea) del villano, y lo vemos aquí con Hank Pym y su relación con Howard Stark (responsable indirecto de que Pym decida ocultar su traje). Y esta es una situación que veremos en varias películas más adelante, siendo las más notorias pertenecientes a la sub-saga de Spider-man. Y quizás no sea tan molesto a estas alturas, pero después de varias películas que se cuelgan del héroe más famoso que tiene el MCU si cansa un poco. 

Un detalle que tampoco se puede dejar pasar es la inclusión de los clásicos estereotipos del mexicano en Estados Unidos, los llamados “pochos”, que como todo buen cliché racista sirven de alivio cómico (por si no fue suficiente con el protagonista), son los segundones (igual que los héroes afroamericanos en Iron man y Capitán América), están ligados a la vida delictiva y, a pesar de que demuestran ser listos (a excepción de Luis) son estúpidos para dar risa. Como mexicano que soy, no es un cliché que me moleste particularmente (de hecho, Luis me pareció gracioso la primera vez que vi la película), pero estoy seguro de que más de uno salió ofendido en su momento, así que es un factor a tomar en cuenta. 

Conclusión. No creo que Ant-man sea una mala película, al contrario, tanto la acción como la comedia se sienten frescas como en su momento pasó con Guardianes de la galaxia, el problema viene cuando uno la ve de nuevo pues es de esas películas que con cada visionado van perdiendo su toque. 

¿Ustedes que opinan de esta película? ¿Les ha llegado a molestar, como a mí, tanto chiste forzado? ¡Los leemos en los comentario!

¡Saludos!

Calificación PLAY: 8.0/10

GYO

Título original: Gyo Ugomeku Bukimi (ギョ うごめく不気) | Título en Latinoamérica: Gyo | Autor: Junji Ito | Ilustrador: Junji Ito | Publicación original: 2001-2002 | Publicación en México: Panini manga, 2018 | Volúmenes: 2 | Género: Terror

Ya conocía el trabajo de Junji Ito desde que iba en la secundaria (más o menos por el 2003) cuando leí sobre la película y el manga de Uzumaki, y recuerdo que quedé fascinado por la historia sobre las espirales y cómo afectaban a los habitantes de un pueblo japonés. Tuvieron que pasar muchísimos años para que volviera a saber de este mangaka gracias a Editorial Panini que publicó los tres tomos de Uzumaki y los dos tomos de Gyo, y es de este último del que vamos a hablar en esta ocasión. 

Gyo (trad. Pez) nos cuenta la historia de Tadashi y Kaori, una joven pareja que, mientras vacacionan en una playa de Japón, descubren una extraña criatura: Un pez con puntiagudas patas de araña que despide un putrefacto aroma. Más pronto que tarde, los peces comienzan a invadir Japón, siendo nuestro protagonista el único que conoce la verdad sobre esos misteriosos peces. Y como bonus, el 2do tomo del manga incluye dos mini historias: “La triste historia del pilar central” y “El enigma de la falla de Amigara”, de los que hablaré al final. 

Algo que me gustó mucho es la forma tan particular que tiene Junji Ito de dibujar, desde los dibujos de Uzumaki me enamoré de su estilo y en Gyo resaltan los dibujos tan realistas de los peces y el diseño tan mórbido de los peces caminantes, en especial de sus patas y de cómo se ven cuando tienen una presa diferente a los peces, es un diseño bastante perturbador y extraño. Y creo que realmente es lo único bueno que tiene este manga. 

Como puntos en contra… No me gustó el personaje de Kaori, desde el principio te dejan en claro que tiene una nariz sensible, pero en todas sus intervenciones se la pasa repitiendo lo mismo respecto al hedor y siempre gritando, solo tiene dos puntos álgidos en su historia y son al principio (su nariz es la que la ayuda a alertar a Tadashi sobre los peces) y al final, de ahí en más ella solo está para ser rescatada por el protagonista masculino, quien, por cierto, tampoco es que me agradara del todo pero, a diferencia de Kaori, él si muestra una ligera evolución (pero muy ligera), aunque no deja de ser bastante pesado en algunos momentos. Personajes como el tío de Tadashi, su asistente y el maestro de ceremonias del Citrous Circus solo están ahí porque sí, la historia juega haciendo creer al espectador que son personajes importantes cuando la verdad es que solo entran y salen de la historia en momentos puntuales para ayudar o entorpecer a Tadashi. 

La historia es buena e interesante al principio, pero tiene muchas cosas que están ahí solo por conveniencia, por ejemplo el tío de Tadashi cuya función principal es explicarnos el posible origen de los peces, el cual está convenientemente relacionado a él y, por lo tanto, al protagonista. Para el segundo tomo la historia se vuelve innecesariamente larga con escenas que convierten la historia en algo cómico como los capítulos del circo y, al menos, tres cuartas partes de la historia del tío de Tadashi. Siento que eso le quita puntos a la atmosfera que se había construido en el primer tomo. 

En cuanto a la edición… La edición de Panini es hermosa, me encantaron las sobrecubiertas (una azul y otra roja) con esos motivos brillantes que forman patrones triangulares con la luz, aunque la traducción me cansó un poco porque repetían muchas frases de una viñeta a otra, al igual que en los nombres de los capítulos que abusaban del “olor putrefacto” aunque imagino que ese tipo de detalles viene desde la versión original. 

Ahora sí, las historias bonus: 

La triste historia del pilar central narra la historia de un hombre que queda debajo del pilar central de su casa, pero si lo mueven la casa colapsa. En El enigma de la falla de Amigara nos cuenta como un terremoto deja al descubierto una falla en la montaña Amigara y la gente se reúne ahí pues la montaña muestra extraños agujeros con forma humana. 

Ambas historias me gustaron, la primera es un poco más triste (como indica su título), mientras que la segunda usa más un terror a lo desconocido, ambas juegan con el misterio y dejan abiertas más interrogantes que las que cierran (incluso en “La triste historia…” juegan con eso), en lo particular me gustó más la historia de la Falla de Amigara. 

En fin ¿Recomendación o antirrecomendación? En lo personal este manga me gustó, pero no lo recomendaría, no creo que sea algo imprescindible ni para los amantes del manga ni para los del terror, podrían darle una oportunidad si están aburridos, pero siento que, aunque el arte es bueno, la historia no lo termina de salvar, aunque igual podrían quedarse únicamente con el primer tomo que es el mejor y no pasaría nada si ignoran la segunda parte. 

Calificación PLAY: 6.7/10

The black cauldron

Título original: The black cauldron | Título en Latinoamérica: El caldero mágico | Dirección: Ted Berman, Richard Rich | Producción: Joe Hale, Ron Miller | Guion: Ted Berman, Vance Gerry, Joe Hale, David Jonas, Roy Morita, Richard Rich, Art Stevens, Al Wilson, Peter Young | Música: Elmer Bernstein | Estudio: Walt Disney Pictures | Estreno: 26/jul/1985 | Género: Animación, fantasía | Protagonistas: Grant Bardsley, Susan Sheridan, Nigel Hawthorne, John Hurt, John Huston

Basada libremente en la saga de fantasia épica de Lloyd Alexander “Las crónicas de Pydain”, esta película adapta los libros “El libro de tres” y “El caldero negro” en una versión demasiado comprimida. “El caldero mágico” nos narra las aventuras de Taron, un porquerizo que se ve metido en una aventura cuando debe cuidar a la cerdita Hen Wen de las manos del Rey del mal, quien quiere encontrar el caldero negro que le permitirá tener su ejército de zombies. 

Desde que era niño tuve cierta fascinación hacia esta película gracias a un libro de alguna colección de Disney de los 90 y no fue hasta por el 2012 más o menos que, por fin, pude hacerme con un DVD y si bien la película en general me gustó por su tono oscuro, también resultó un poco decepcionante. Pero vayamos por partes. 

En cuanto a la animación, es la primera película de Disney que usa animación por computadora, se nota que tuvieron un poco más presupuesto en comparación de las películas anteriores (los aristogatos, Robin Hood, 101 dálmatas), los escenarios tanto del bosque como del castillo del rey del mal son muy buenos, combinados con el maravilloso soundtrack logran crear una atmosfera oscura más similar a películas de fantasía de la época (entre las décadas de los 70’s y 80s) como El señor de los anillos de Ralph Bankshi (1978) o “The last unicorn” de Arthur Rakin Jr. (1982) Ambas películas basadas en libros de Tolkien y Beagle, y podría mencionar más como Xanadu, Conan el barbaro o el mismísimo The Dark cristal que era una tendencia enfocada a un público juvenil. Esta película tenía todo para triunfar entre los jóvenes que comenzaban a ver a Disney como una empresa meramente infantil, pero no fue así. 

Por estas fechas (1985) llega a Disney un hombre llamado Jeffrey Katzenberg quien pidió que se modificara la película que el estudio tenía planeada, este señor eliminó más de 10 minutos del filme, arruinando secuencias enteras y dejando algunas escenas incompletas, y eso se siente demasiado llegando al tercer acto de la película, cuyo final llega de manera abrupta sin habernos dejado profundizar en las relaciones de Taron con la princesa Elena, Fausto Flama o Gurgi, nos deja muchas cosas sin explicación (hay una escena en la que aparecen hadas de la nada), la “violenta” escena final aunque está perfectamente animada se siente rota, llega muy pronto y termina muy rápido. 

Por lo mismo del tema de la mutilación de la película y sumando que es la primer película animada de Disney que no cuenta con una sola canción, es muy difícil que uno como espectador llegue a encariñarse con cualquiera de los personajes, además de la ambición de condensar dos libros en una historia de 80 minutos arruinó la oportunidad que tuvo Disney para iniciar una saga fantástica (en lo personal yo daría lo que fuera por ver una adaptación completa de los 5 tomos, siento como que al cine actual le falta una gran saga de fantasía épica).

En fin, esta película también cuenta con una princesa, Elena, la única princesa Disney completamente ignorada por la franquicia (aunque es más princesa que Mulán, por ejemplo), pero lo cierto es que es un personaje algo desabrido y sin carisma, así que aunque la película hubiera sido un éxito, también habría sido ignorada seguramente. ¿Veredicto? En lo personal yo la recomendaría porque es mi gusto culposo, pero entiendo que no es ni de cerca la mejor de Disney, así que podrían verla bajo su propio riesgo jajaja.

Ahora les toca a ustedes, cuéntennos ¿Han visto esta película? y si es así ¿Qué les pareció?

¡Saludos! 

Calificación PLAY: 7.0/10

Cars 2

Título original: Cars 2 | Título en Latinoamérica: Cars 2 | Dirección: John Lasseter | Producción: Denise Ream | Guion: Ben Queen | Música: Michael Giaccino | Estudio: Walt Disney Pictures, Pixar Animation Studios | Estreno: 24/jun/2011 | Género: Animación, aventura, acción, comedia | Protagonistas: Owen Wilson, Larry the Cable Guy, Michael Caine, Emily Mortimer, John Turturro, Eddie Izzard

¿Qué puedo decir de esta película? La trama gira alrededor de Mate, la molesta grua amiga del Rayo McQueen, convirtiendo esta película en un “Cars toon” exageradamente largo. Aquí vemos como Mate acompaña a su fiel amigo a un viaje por el mundo en el que termina metido en una guerra de espías y agentes secretos contra un desconocido villano que quiere desacreditar a otros combustibles que no sean gasolina. Y sí, como podrán ver, Rayo McQueen no tiene absolutamente nada que ver en la historia, salvo algunas escenas de relleno.

Este se suponía que sería el regreso triunfal de John Lasseter para dirigir otra película desde Cars (2006) y que decepción, Cars no es una buena película pero es entretenida, Cars 2 ni siquiera logra acercarse a eso. Tiene muchas cosas malas, pero vayamos por partes.

Lo peor, sin duda alguna, es el personaje de Mate, en la primer cinta era un personaje simpático, algo cansino pero divertido en ocasiones, en esta ocasión se pierde todo eso y se le convierte en una burda caricatura de un pueblerino (un redneck estadounidense en toda regla), es algo similar a lo que veríamos años después con el personaje de Olaf en Frozen 2, pero peor porque aquí la historia gira en torno a Mate y sus chistes tontos. Cuenta una anécdota que mucha gente se burló de Walt Disney cuando quizo crear su primer largometraje animado diciendo que el público se cansaría de tantos chistes en una caricatura tan larga (palabras más, palabras menos) y eso es precisamente lo que pasa aquí, llega un momento en el que el Rayo McQueen le dice sus cosas a Mate y a uno hasta le da gusto que lo haga. 

La historia tampoco es entretenida ni tiene ningún sentido, es algo así como el síndrome de “Rápidos y furiosos” que empiezan con carreras clandestinas de barrio y terminan salvando al mundo conduciendo autos voladores, aquí la importantísima carrera de McQueen se pierde y solo sirve de fondo para las tonterías de Mate y de los dos espías que no son capaces de notar que Mate no es como ellos. 

El mensaje que transmite la cinta podría haber sido un punto bueno, pero el modo en que lo trataron hace que se distorsione. Un “Siempre sé tú mismo” se convierte al final en un “Todos los demás deben cambiar por ti” y casi literal es lo que le dice McQueen a Mate. 

Y pues fuera de esos puntos, ni la música ni los demás personajes sobresalen, solo tienen sus momentos graciosos y ya. La animación es buena, como siempre con Pixar aunque sí la siento inferior a Toy story 3 que fue la película anterior, y no podía faltar la vieja confiable de “mi amigo el villano”, repitiendo el patrón del villano Pixar por excelencia (Up, Toy story 3, Los increíbles 2, Monsters inc, Coco).

Como puntos buenos… No se me ocurre ninguno, la verdad. Solo la animación como lo mencioné antes y ya. 

¿Veredicto? Si eres un niño entre 3 y 6 años vas a disfrutar mucho esta película, si tienes más de esa edad o si quieres disfrutar de una buena película animada lo dudo, hay mejores opciones y no recomendaría que perdieran su tiempo con Cars 2. Nunca me ha gustado hablar de la calificación que le pongo a las películas en mis reseñas, pero aquí no dejo de pensar que quizás estoy siendo demasiado amable al darle una calificación tan alta.

Pero cuéntennos ustedes ¿Qué opinan de esta cinta? ¿Les gustó? Si es así, dígannos por qué en los comentarios.

¡Saludos!

Calificación PLAY: 3.0/10

Lisey's story

Título original: Lisey’s story | Título en Latinoamérica: La historia de Lisey | Autor: Stephen King | Editorial: Plaza & Janes | Edición: Primera edición en México | Publicación: 2007 (Publicación original: octubre 2006) | Género: Terror

De nuevo, Stephen King nos demuestra que conoce bien como trabaja la mente de una mujer. Lo demostró en 1980 cuando publicó Firestarter (Ojos de fuego), en 1992 con las “novelas hermanas” de Gerald’s game (El juego de Gerald) y Dolores Claiborne (Dolores Claiborne) de las que hablaré en otra ocasión, en 1995 con Rose Madder (El retrato de Rose Madder) y en 1999 con The girl who loved Tom Gordon (La chica que amaba a Tom Gordon). 

Mi principal problema con esta novela es el principio tan aburrido, pasan 100 páginas en las que solo vemos a una viuda llevar su duelo a dos años de la muerte de su marido. Esto, combinado con los saltos temporales que se hacen a lo largo de toda la novela sin ningún tipo de aviso, hacen que la historia se vuelva algo pesada. Para que se den una idea, hay una página en la que hay 4 mini capítulos, en los que el primero se desarrolla en el 2006, el 2do en 1996, el 3ro es una especie de poema/escrito del difunto Scott Landon y el 4to capítulo de esa página es en 1986, el capítulo que sigue se desarrolla en algún año en la década de los 60. La única manera que tiene uno como lector de identificar el año en que se desarrolla cada parte de la historia (Porque para empeorar el panorama las fechas se mencionan solo de pasada en las primeras páginas y no vuelven a ser mencionadas más que en contadas ocasiones) es identificando el lugar en donde se encuentra la protagonista, ya sea debajo del árbol ñam ñam, o en el cuarto de invitados de su antigua casa o en un hotel que visitaron un par de noches en cierto año, fuera de eso no hay ninguna otra indicación de en qué época estamos.

Después de la página 100, la historia emprende el vuelo y comienza un trepidante thriller en el que Lisey, agarrando valor en contra del fan número uno de su marido, emprende un viaje al pasado en donde “desbloquea” recuerdos de situaciones que vivió con su marido y que su mente decidió olvidar a propósito (Situación parecida a la que vive Jessie en El juego de Gerald). Así Lisey, con la ayuda de su hermana enfrenta a su pasado, sus miedos y a ese fan del infierno que amenaza con matarla si no le entrega los manuscritos inéditos de su marido. 

Y no les quiero arruinar el final, pero la historia terminaría perfectamente si no fuera porque cuando crees que ya terminó todo descubres que aún le faltan unas 50 páginas totalmente innecesarias que vuelven a alentar el ritmo que tanto trabajo le costó agarrar a la historia.

De nuevo, al igual que pasa en El resplandor, la novela comienza de una manera lenta dando a los lectores los datos que necesitan para irse formando su opinión acerca del protagonista, el problema de esta novela es que llega a lo que pudo ser un final perfecto y después de eso vuelve a recaer en la lentitud y en un agregado final que no era en absoluto necesario para la historia, y si King quería ponerlo de todas formas, creo que igual podía haberlo distribuido por todo el libro al igual que hizo con los fragmentos de los distintos pasados que nos cuenta. Pero en fin, en esta ocasión el Sr. King no me terminó de convencer, la historia cuenta con todos los elementos clásicos del autor (El escritor heroico atormentado, el padre de familia cruel, los traumas de la infancia, el fan loco del infierno, el suspenso y todo ese rollo psicológico) pero aun así, para mí, no funcionan del todo bien a excepción de, como ya dije, el clímax que es lo máximo en esta historia. 

¿Y ustedes han leído este libro? ¿Qué les pareció? ¡Los leemos!

¡Saludos!

Calificación PLAY: 06/10

The fox and the hound

Título original: El zorro y el sabueso | Título en Latinoamérica: The fox and the hound | Dirección: Ted Berman, Richard Rich, Art Stevens | Producción: Ron Miller, Wolfgang Reitherman, Art Stevens | Guion: Larry Clemmons, Ted Berman, David Michener, Peter Young, Burny Mattinson, Steve Hulett, Earl Kress, Vance Gerry | Música: Buddy Baker | Estudio: Walt Disney Productions | Estreno: 10/jul/1981 | Género: Animación, drama | Protagonistas: Mickey Rooney, Kurt Russell, Pearl Bailey, Jack Albertson, Sandy Duncan, Jeanette Nolan, Pat Buttram, John Fiedler, John McIntire, Dick Bakalyan, Paul Winchell, Keith Mitchell, Corey Feldman

Basada en la novela homónima de Daniel P. Mannix, El zorro y el sabueso nos narra la efímera amistad de Tod, un zorro bebé y Toby, un cachorro cazador, quienes tras ser los mejores amigos por 2 o 3 días son separados durante un año y a pesar de que todos advierten a Tod de que no se acerque a Toby, él cree que su amistad de días sigue viva, desencadenando una serie de sucesos tristes para ambos.

La verdad no tenía ganas de ver esta película, el recuerdo que tengo de ella en mi infancia es como una historia muy triste, en especial la escena de despedida entre dos de los personajes, pero ahora que la vi de nuevo, siento que perdió parte de esa magia que tenía (de esto me gustaría culpar a mi yo adulto).

Leyendo el breve resumen que puse en el primer párrafo, la historia de esa amistad resulta ridícula y el personaje de Tod es tan ingenuo que raya en lo tonto, realmente no se puede culpar a Toby de cazar zorros cuando su amo lo ha entrenado para eso. 

Salvo Tod y Toby que, como protagonistas, dejan mucho que desear, los personajes de la señora Tweed y Amos Slade me gustaron muchísimo y son los que le dan vida a esta película, ellos y quizás Mamá Buho. Todas las intervenciones de estos tres personajes son geniales, y pondría a Amos como un villano en toda la extensión de la palabra, quizá a la altura de Edgar (Los Aristogatos) y solo un poco por debajo de Madame Medusa (Bernardo y Bianca) y Cruella de vil (Los 101 dálmatas), Amos Slade es un hombre nefasto, es iracundo y no duda en amenazar (con arma en mano) a una pobre mujer solo por tener a un zorro de mascota, la maldad hecha persona. Mientras que la señora Tweed inspira ternura y no podemos dejar de sentirnos mal por ella y por todo lo que le pasa (aunque todo eso se vaya al carajo cuando vemos su final). 

La escena de la última cacería de Amos y Toby para buscar a Tod es muy buena también, se siente la tensión en el ambiente y me recuerda mucho a las escenas del bosque en Bambi cuando huye de los cazadores (de hecho, estoy casi seguro de que hay animación reciclada aquí). 

Como puntos malos, los personajes de Dinky y Boomer se nota que solo están de relleno para agregar minutos al metraje, sus escenas con la oruga no aportan absolutamente nada a la historia (algo así como los perros de Los Aristogatos) y lo mismo se puede decir de las intervenciones del tejón que aparece en el tercer acto. La música tampoco es buena, solo salvaría la canción de “Los mejores amigos / Best of friends”. 

La animación se siente extraña, hay escenas en las que se nota que la señora Tweed y Tod están solo montados por encima del paisaje, pero ambos tienen estilos de animación diferente, es algo muy difícil de explicar, pero se nota. Y, hablando de la animación, tenemos un pequeño cameo de la ardilla que aparece en “La espada en la piedra” y algo de animación reciclada de Bambi como algunas aves en la escena de lluvia. 

El final tampoco me gustó, es como si tiraran a la basura la tensión que habían armado en esas escenas de la última cacería, incluso es como una bofetada después de haber sufrido con la despedida de los personajes. 

Y creo que ya… 

¿Veredicto? Supongo que sí la recomendaría, pero con precauciones, no es el mejor cine de Disney, es una historia ligeramente más oscura que todo lo que veríamos antes y, a excepción de “El caldero mágico” (¡que ya sigue!), jamás veríamos de nuevo historias tan oscuras en una película animada de la empresa. Así que solo la recomendaría si quieren experimentar una de las animaciones más adultas de Disney, y no tengan altas expectativas, eso es muy importante. 

¡Saludos!

Calificación PLAY: 6.7/10

Pom Poko

Título original: Pom Poko (平成狸合戦ぽんぽこ) | Título en Latinoamérica: La guerra de los mapaches | Dirección: Isao Takahata | Producción: Toshio Suzuki | Guion: Isao Takahata | Música: Shang Shang Typhoon | Estudio: Studio Ghibli | Estreno: 16/jul/1994 | Género: Animación, comedia, drama | Protagonistas: Megumi Hayashibara, Shigeru Izumiya, Andre Stojka, Mark Moseley, Hayashiya Shōzō IX, Yuriko Ishida

Pom Poko nos narra una guerra entre tanukis (mapaches japoneses) y humanos, luego de estos últimos comenzaran a destruir su hábitat para construir un complejo habitacional debido al incremento de la población japonesa. Estos mapaches cuentan con el conocimiento del milenario arte de la transformación, lo que les da cierta ventaja contra los humanos, pero su desorganización juega en su contra, llevándolos a un final que se veía venir. 

Esta película me genera sentimientos encontrados porque tiene momentos de todo tipo, momentos divertidos, aburridos y hasta para deprimirse un rato. Takahata toca un tema “clásico” del estudio que es esa pelea entre la naturaleza y la urbanización, y entre las antiguas tradiciones japonesas contra las nuevas generaciones.

La animación de esta película me sorprendió bastante en este nuevo revisionado (lo cierto es que únicamente recordaba que los mapaches macho tenían testículos jeje) y me gustó como juegan con la transformación de nuestros protagonistas para dibujarlos de tantas maneras (podemos ver mapaches bastante realistas en las escenas dramáticas, verlos como seres antropomorfos la mayor parte del filme y como sencillas caricaturas en los momentos chuscos). La música es muy bonita y tiene algunas canciones que se quedaran en tu mente como el tema de Totoro, en especial el tema de los créditos finales que es una melodía bastante alegre para un final algo agridulce que te dejara con un ligero nudo en la garganta.

Uno de los puntos malos de Pom poko sería su duración (2 horas aproximadamente) pues puede tornarse un poco aburrida en algunos momentos, aunque eso no es del todo malo porque para el final tenemos momentos muy pesados y se agradece que minutos antes tuviéramos unos cuantos de tranquilidad. Lo que sí es que tiene un par de escenas que no terminaron de convencerme y que realmente no aportan nada a la trama (particularmente no me gustó toda esa interacción con el zorro y el presidente de Wonderland). 

¿Recomendación o anti recomendación? Súper recomendada. “La guerra de los mapaches” es una película que tiene de todo, comedia, drama, escenas tristes, buena música y una historia bonita. Aunque claro, si no les gustan las películas animadas (y mucho menos las japonesas) quizás prefieran pasar de Pom poko. 

Calificación PLAY: 8.7/10

The long walk

Título original: The long walk | Título en español: La larga marcha | Autor: Richard Bachman (aka Stephen King) | Editorial: Debolsillo (En español) | Edición: Primera edición en México, octubre 2013(publicación original: julio 1979)| Género: Terror, distopía

Aunque me considero fan de Stephen King desde el 2007, la primera vez que escuché sobre La larga marcha fue en una comparación que hacían entre esta novela y Los juegos del hambre, por allá por el 2012 cuando salió la película y se puso de moda la trilogía de Suzanne Collins. Me sorprendí mucho al ver lo similar que eran Los juegos del hambre con el libro de King y decidí leerla, pero no fue hasta algunos años después que por fin pude adentrarme en las páginas de esta gran historia. 

La premisa es la siguiente: En un futuro distópico, cada año el gobierno de Estados Unidos realiza un sorteo en el que 100 jóvenes son elegidos para participar en “La larga marcha” el evento más esperado del año, en donde los participantes tendrán que caminar en todo momento por encima de los 6.5 kilómetros por hora, si bajan de ese límite por 30 segundos una vez les dan un aviso, así hasta que obtienen 3 avisos, tienen una cantidad determinada de tiempo en el que no deben de bajar del límite para eliminar cada aviso, si bajan la velocidad una cuarta vez “les dan el pasaporte”. Y si, el no bajar de esa velocidad implica que no pueden descansar, ni dormir, ni detenerse para comer o hacer sus necesidades, deben permanecer en movimiento en todo momento.

El protagonista de la novela es Ray Garraty, un chico de 16 años que, al igual que sus compañeros, no tiene una idea clara del por qué decidió inscribirse a la caminata, él junto con otros chicos que terminarán por convertirse en sus mejores amigos, caminarán día y noche para poder ser el ganador de ese año. La historia está aderezada, como todo buen libro de Stephen King, con los miedos y los traumas psicológicos del protagonista, la escritura es excelente, desde el principio logra enganchar con sus vagas explicaciones acerca de tan importante evento, que realmente no terminan de explicar mucho en realidad, pero uno está tan metido en el personaje de Garraty que ni cuenta se da hasta que ya acabó de leer.

Desde el comienzo, Garraty comienza a analizar a su competencia y termina encajando muy bien con algunos de sus contrincantes, así conocemos a personajes como Pete McVries, el mejor amigo de Garraty en la novela, uno de los favoritos en la competencia, con un pasado trágico que lo atormenta y lo empuja a seguir en la carrera. Stebbins, el misterioso chico que parece nunca cansarse, rara vez habla y cuando lo hace, sus palabras suelen estar llenas de una verdad venenosa. Barkovitch, el bocón del grupo, nunca se calla y siempre está ofendiendo y presumiendo, llegas a odiarlo tanto como a tenerle lástima por su forma de ser, otro personaje que aparece en contadas ocasiones y que sin embargo está presente en toda la novela es El comandante, el hombre detrás de semejante carnicería.

En esta novela, y de una forma más profunda que en la trilogía de Los juegos del hambre, Stephen King nos hace encariñarnos, no solo con el protagonista, sino con todos aquellos personajes que lo rodean (el bonachón de Scramm, el quejumbroso de Parker, el honesto Baker, el bocón de Olson), y poco a poco nos va obligando a ver a varios de ellos caer, cosa que no sucede en los libros de Collins, en donde la muerte de los participantes pasa a segundo o tercer plano, por debajo del romance y la acción (Y no me malinterpreten, amo Los juegos del hambre, pero Mr. King está en otro nivel). Ya para terminar, el final me gustó bastante, pero igual hay gente que se frustra. En definitiva, Stephen King nos demuestra una vez más que sabe de lo que habla en una historia que plasma a la perfección la necesidad de Pan y Circo del pueblo, y los miedos y necesidades propios de la adolescencia.

Calificación PLAY: 8.7/10